dicembre 2006
novembre 2006
ottobre 2006
settembre 2006
Melina Varvo
Germogli
Prefazione di Franco Romagnolo
Editrice Totem
1990
Prefazione
Leggendo quest’opera di Melina Varvo dal titolo Germogli, molti lettori proveranno forse il rimpianto di non aver vissuto le stesse genuine ed innocenti esperienze dell’autrice, quelle esperienze che dànno modo alla sua irruente vena narrativa di trasfondere in ogni rigo il puro sentimento e l’armonia inequivocabile della verità.
Germogliè una storia singolare, rivelatrice di sentimenti intimi, tanto che – con un gesto fra l’ingenuo e il malizioso – l’autrice aveva collocato questo singolare originale fra i ricordi di famiglia. Bisogna riconoscere che è stato un atto quassi infantile e di eccessiva riservatezza; apparteneva a quella tendenza istintiva ed innata nei molisani di manifestare il proprio pensiero agli altri, anche senza pubblicare, in un colloquio anche immaginario.
Si scioglie oggi un vuoto che è durato degli anni, e sono lieto di essere stato io l’artefice di far pubblicare un libro che non poteva più attendere.
L’iniziativa della Varvo è una delle prime sorte con l’intento di inserire nella problematica della rinascita della Piana di Venafro, della bassa “Ciociaria” e del Casertano, al confine con la provincia d’Isernia, la componente culturale, assente sempre, e pertanto, si era ritenuto opportuno fermare il ricordo in un’opera che doveva essere testimone di una presenza modesta, ma valida e con ciò non dovevamo illuderci che il tentativo di scuotere l’opinione pubblica era del tutto riuscito, però un punto restava fermo: le acque erano state smosse ed il discorso era stato avviato.
E tutto ciò è avvenuto nel segno della narrativa, che, ancora una volta, aveva operato il miracolo. Ho voluto ricordare ciò solamente ed unicamente perché, da allora, anni sono volati, molti giovani hanno proseguito il loro cammino, ma tutto ciò nel segno dell’invidia, dell’egocentrismo.
La narrativa di Melina è nuova, moderna, nasce da un cuore in ebollizione, anche se qualcuno è riuscito a capirlo; è un cuore che vuole dirci tante cose, perciò siamo in attesa di leggere questo libro, al fine di esaminarla più a fondo e di trarne un giudizio più completo.
Il “piccolo mondo” di un paese del sud, soggetto classico di numerose narrative e saggi, sembra aver perduto in quest’ultimi tempi quella posizione privilegiata di cui ha goduto fin dagli albori della nostra letteratura. Dà molta soddisfazione, pertanto, veder ripreso un tema paesano, specialmente quando questo interesse nasce dal di dentro, da chi la vita di paese l’ha vissuta in prima persona.
Si rileva dal libro della Varvo Germogli una limitatezza della vita e della “cultura contadina”, l’autrice, in questo suo libro riesce a cogliere con acutezza la quintessenza dei sentimenti. I vari personaggi passano rapidamente davanti alla fantasia del lettore, e ciascuno contribuisce alla configurazione di questi comuni del sud, ove questi fatti avvengono.
Lo stile è spigliato, mentre la concretezza delle descrizioni si addice al contesto, e riflette accuratamente la vita di paese, ed alla mentalità delle persone che del mondo hanno un concetto contorto e limitato.
Il “piccolo mondo” riesce a far scaturire una forte passione e una intensità di vita che l’abitante della città stenta a comprendere.
Melina Varvo riesce – con questo suo libro – a farci capire questo mondo del paese, usi, costumi e tradizioni della nostra terra molisana, molto simile a quella della “bassa Ciociaria” e del Casertano che confina con la provincia di Isernia. Spesso, però, Melina fantastica: “Io alla zia voglio più bene di voi; è solo che le storie d’amore mi piacciono tanto, e poi non è romantico il fatto che, nonostante la vita li abbia separati, i loro cuori continuano a battere l’uno per l’altro?”.
Il timore di “restare zitella” è il pallino dei genitori del sud e Melina l’ha descritto con una pennellata: Difficilmente si accorgevano delle emozioni ingannevoli di cui era disseminato il loro cammino; tutto era inebriante in una mescolanza di affetto vero e attrazione fisica, di ferma volontà di una ragazza di “non restare zitella”, o nel desiderio da parte dell’uomo delle cure materne di una donna e persino della bramosia di un buon partito sia da parte degli uomini che delle donne.
E che dire di questa bella considerazione? “La fortuna va sempre alle rose spampanate, invece che ai boccioli!”.
Anche l’allusione alla dittatura fascista, pur se in modo molto contenuto –dà l’ideia esatta che ci troviamo di fronte ad un’amante della libertà!
“tu sai bene che non possiamo mandare le ragazze sole…-“ oppure “va bene, va pure. Ma ricordati che entro un’ora ti voglio di ritorno qui.intensi?…”
“Certo che vale la pena di sacrificarsi per te! E ‘più di un’ora che sto qui rintano solo con la speranza di poterti parlare”.”Dài. Lo sai che sono contenta di vederti, ma se fossi scesa? Io contavo proprio su un pizzico di fortuna quando decisi di accompagnare qui mio padre”. Non parliamo della”dote”, se manca qualche pezzo di biancheria, allorquando si “appezzano i panni”. “Lo sono ventun pezzi (invece di ventiquattro), ma ho pensato che tre pezzi in più o in meno non facessero molta differenza, anchè perché ne riceveranno moltissimi come doni di nozze…” “E che vogliamo farli cominciare proprio male a ’sti guaglioni.non è pe’ malacreanza ma la parola è parola; perciò se voi àrrimediate’ bene, altrimenti questo matrimonio non si potrà fare”. E non parliamo della prima notte di nozze: “Le loro prime notti le trascorsero dormendo separati, più volte, durante quelle sere, il giovanotto attraversò la camera in una indifferente e parziale nudità con l’intento preciso di affascinare la giovane moglie, ma i suoi tentativi finirono solo con il fargli prendere freddo, perché Nazzarena pur divertita si affrettava, ogni volta, a nascondere la testa sotto le coperte”. Ora però non è più così , e meno male che la civiltà ha risvegliato gli animi e sentimenti anche della nostra gente!
Franco Romagnolo
Presidente de “La Famiglia Molisana”
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domenica, 06 marzo 2011
Franco Fascetti – Editrice Totem
Franco Fascetti
Seconde Romanze
racconti
Editrice Totem
1989
Prefazione
Franco Fascetti è alla sua seconda prova letteraria. Aveva esordito con lo pseudonimo di Pervio alla metà di quest’anno. Anche nel caso della nuova raccolta – e lo sottolinea il titolo dell’opera – non ci troviamo di fronte a veri e propri racconti ma a delle romanze. L’autore può essere paragonato a certi vecchi trovatori, anche se le storie raccontate sono di tutti i tipi e non possono essere classificate come facenti parte di un unico genere. Quasi sempre vi è assenza di intreccio. Pure quando si tratta di passare al giallo e all’orrido, l’autore traccia un piccolo schizzo ma mantiene contratta la narrazione e la scrittura viene lasciata cosi come verrebbe parlata.
I frammenti di questo libro non sono stati realizzati per raccontare, quanto per trarre spesso una morale sulla vasta gamma dei comportamenti umani. In tale espressione del giudizio, molto spazio è lasciato al lettore.
Nel libro che presentiamo, però il Pervio della prima opera concede meno spazio alle storie legate al mondo dell’antichità per approdare, anche stilisticamente, a un genere surreale estremamente dilatato (Il pepe dice al sale: viva noi cari a noi!); quando nelle romanze sono animali o cose a parlare, il linguaggio diventa estremamente semplice e fanciullesco, con una serie di congiunzioni all’interno delle proposizioni che allungano giullarescamente la scrittura. È da sottolineare, in particolare, l’uso doppio, mimeticamente sfumato, del che come congiunzione causale (col taglio proprio dell’aferesi) e del che come pronome relativo.
Il fine cui con maggiore probabilità vuole giungere Fascetti è lo dicevamo prima, quello dell’istruzione morale, al limite l’intera opera può essere considerata di taglio pedagogico e molte storie possono leggerle anche i bambini. Tranne forse alcuni passi, di una cruda verità intellettuale. Infatti, già nel libro precedente si leggeva: “L’uomo contento di oggi se ne sta perfettamente in un ricovero per invalidi o in un manicomio, lontano dai mille affanni della vita moderna, dalle sue preoccupazioni e dai suoi rischi(…)”. Affermazione che si presume sia propria del mondo intellettuale di Fascetti oltre che delle sue Prime Romanze.
L’opera che qui presentiamo si chiude con un rimando al Principe di Ceri, uno dei personaggi preferiti dall’autore assieme a Prestigioso, il Baro e Giocatore, questi ultimi, pare, anche grandi amici e in misura più o meno equa pure grandi rubacuori. Solo che il Principe di Ceri è il personaggio che più ama il monologo interiore: chiude, infatti, la raccolta il suo vociare piano tra le righe delle ultime pagine, in una sorta di cortocircuito linguistico con se stesso. I periodi, in questo caso, sono stati costruiti in modo tale da ottenere questa evanescenza.
Ugo Berardi
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domenica, 06 marzo 2011
Maurizio Maniccia – Editrice Totem
Maurizio Maniccia
Sotto l’ombra della luna
romanzo
Prefazione di Gianfranco Cotronei
Editrice Totem
1993
Prefazione
Seconda prova narrativa di Maurizio Maniccia – ha già pubblicato con la Editrice Totem nel 1990 I tre volti di un destino – questo romanzo riscopre la forza metaforica del tradimento come elemento fondante del genere letterario giallo ed anche come archetipo comportamentale della nostra società post-industriale. La tecnica prescelta dall’autore ricorda una incalzante rapsodia continuamente mescolata a indeterminate suggestioni erotiche e oniriche, a pulsioni violente di sogno e di morte. Ed anche il ritmo vibrante della pagina manicciana prelude sempre a una geometrica sensazione di catastrofe che intriga e affascina il lettore.
La struttura formale di questo libro è impeccabile: il dialogo – nella sua apparente normalità – sottende impulsi circolari ritmici e simmetrie di grande precisione. Tutte le brevi cerimonie sceniche, in cui il protagonista sembra dover guardare dal buco della serratura la propria realtà esistenziale che gli eventi stanno frantumando, sono abilmente incastrate in un crescendo di suspense stimolante e captivo che provoca una soddisfazione fisica nella lettura. La giustapposizione che l’Autore opera fra i personaggi della storia gialla è molto sostenuta dalla continua trance in cui il protagonista vive un continuum giambico verso il finale giocato sul crescendo ditirambico di un sottile doppio inganno.
Sotto l’ombra della lunaè titolo che condivide nelle intenzioni dell’autore una angosciosa precarietà esistenziale che non è più elemento casualmente individuale bensì condizione collettiva di una società e in quanto tale diffusa e permeante l’esperienza di molte persone.
Per ciò ritengo questo romanzo degno di attenzione per tutti noi: traditi e traditori, vittime di dolci e amari inganni ma anche ingannevoli e infidi artefici di illusioni e promesse non mantenute e ormai perse nella memoria.
E quella di Maurizio Maniccia è un’ottima versione di racconti e riflessioni che sempre ci interessa raccontare, ascoltare e riascoltare.
Gianfranco Cotronei
postato da: laureato alle ore 06/03/2011 09:58 | Permalink |
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domenica, 06 marzo 2011
vincenzo balzamo – editrice totem
Amleto De Angelis
Sul gradino del cuore
poesie
N. 7 collana canti
Editrice Totem
1988
Prefazione
Questo non è soltanto un libro di poesie. È anche un romanzo d’amore ed una forte proposta di vita. Erano molti anni che non appariva nel mondo letterario italiano un così organico, sincero e virile canto d’amore, e insieme una simile fervida riscoperta della sessualità, intesa dall’autore come primario elemento esistenziale.
Anche nelle liriche dedicate alla sua terra e più ancora in quelle dedicate al figlio, ai genitori ed ancora in quelle che parlano di New York, non solo come di una città vera ma come di un’isola di sentimenti, di solitudini e di miserie, il segno del verso è sempre preciso e incisivo, ricco di musicalità e di vibrazioni che salgono dal sangue stesso del poeta.
Non cercate in queste pagine falsi arcaismi, immonde profezie o ermetismi infecondi: ogni parola è uno scatto della mente e del cuore, ogni verso è un gesto che semina calore e spesso fiamme.
L’erotismo, che sul piano espressivo è più vicino a Catullo che non a Baudelaire, si esprime spesso con satanici sussulti che si condensano in parole d’alba e di luce.
Così si dipana il ritmo della vita attraversando in un solo viaggio il cuore, il sangue, il sesso: come in una panoplia di memorie incandescenti che tenacemente legano la mente simili a corde d’edera e coinvolgono in una sorta di nutrizione dello spirito e della carne esaltando di uno e dell’altra le corde più umane.
Perché questo è un libro di parole d’uomo, libere, terse, scritte per dire momenti ed attese, smarrimenti e ritorni, in un ritmo che mai decade a simbolo dell’angoscia, in una felice antologia dei sensi e della bellezza del vivere.
Oggi l’uomo che scrive in versi o in prosa sembra privilegiare la propria assenza, mutuando dal peccato originale di Freud la vocazione all’autoanalisi e dal quotidiano il senso della fine, ma queste poesie limpide, oneste, spesso alte, sono destinate a rompere il cerchio della solitudine per molti di noi.
Perché ogni parola, ogni verso, sono i battiti del gran polso del mondo che vuol sopravvivere e felicemente perdersi nell’amore, chiesa di tutte le vere religioni, Itaca di tutti i nostri ritorni e di tutte le nostre nostalgie.
Eriberto Storti
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domenica, 06 marzo 2011
giuseppe gucciardino – editrice totem
Giuseppe Gucciardino
Zibaldone
dei termini insoliti e curiosi
2004
editrice totem
Prefazione
Questo zibaldone è uno specchio di quelli antichi argentati con i bordi anneriti dall’età e perciò più preziosi.
Specchio di un Autore che per 88 anni ha attraversato l’Italia e il Novecento in lungo e in largo sviluppando curiosità che si estendono alla lingua antica, alla moderna e dell’uso vivo e presente.
Parole talvolta ignote o in parziali significati alla lingua comune, Giuseppe Gucciardino le ha incontrate nella sua lunga vita di assistente medico militare, per il tramite di molteplici interlocutori con inflessioni e accenti di tutta Italia. Quindi, il suo zibaldone personale si identifica con la lingua e l’esperienza nazionale non ancora piallata dal moloch televisivo, che con nostra sorpresa ha trovato recentemente estimatori inaspettati negli alti colli romani. Per l’Autore la parola riceve veramente il suo significato solo dal momento e dallo stato d’animo e di mente in cui è adoperata nella frase, quindi siamo lontani anni luce da certi modelli mediatici dove si apre bocca per dare aria.
Uno zibaldone raccolto sul limine della vita tende sempre a dare un carattere di immanenza ed eternità al vortice della vita dell’Autore e a volgere in patrimonio comune quello che è esperienza, anima e sentimento. I criteri di scelta e trattamento delle voci sono il risultato di una massiccia espunzione dal corpus originario davvero straripante redatto da Giuseppe Gucciardino in un lasso di tempo davvero ragguardevole.
Alcuni temi vagano nel libro in assoluta libertà, d’altronde che zibaldone sarebbe senza ussari dentro la smorfia napoletana, senza i tre tratti di corda che a Roma venivano applicati a chi orinava vicino alle fontane pubbliche, senza l’one-step, il ballo che Maupassant cita in un suo libro di viaggio.
Quindi non tutto ma un po’ di tutto e l’Autore sembra suggerire “intendami chi po’’// Ch’i’ m’intend’io”, formula petrarchesca che dopo 700 anni funziona ancora egregiamente.
Gianfranco Cotronei
postato da: laureato alle ore 06/03/2011 09:43 | Permalink |
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domenica, 06 marzo 2011
toglietemi il vino – editrice totem
Vito Caporaso
Toglietemi il vino
L’astemio e gli schizzati
racconti
2005
Editrice Totem
Prefazione
La vita è fatta di tentazioni e una di esse, decisamente fra le più allettanti, serpeggia in quel particolare giardino dell’Eden in cui è possibile incontrare i membri, più o meno noti, della grande famiglia dei “prefatori”.
Una tentazione anche puerile, se vogliamo, ma di un comodo che non ha pari: giudicare un lavoro letterario, del quale si è accettato di redigere il preludio, non dai contenuti dell’opera, ma dal grado di conoscenza che si ha dell’autore o dai rapporti di amicizia che intercorrono tra prefatore “prefato”.
Il tutto con il conforto, magari, di una scheda sinottica del testo integrale, sì da sottrarsi all’obbligo di una lettura non sempre classificabile quale appagante nutrimento dello spirito.
Sono altre, per mia fortuna, le tentazioni cui non io resisto, talché questa intensa ed affollata galleria di bozzetti, l’ho percorsa con particolare interesse e viva emozione: come una passeggiata, in compagnia di un personaggio che scoprivo un poco di più ad ogni passo.
Vito Caporaso è uno spezzino che si è fatto onore, percorrendo la strada ferrata della difficile vita del soldato, fino al raggiungimento del massimo grado di ufficiale. Eppure, nelle brevi note biografiche che questo libro, decisamente particolare, contiene, si trovano, al riguardo, soltanto le scarne insegne di una fiera, ragionata umiltà: “… Alle armi dal 1955, ha prestato servizio militare volontario nell’Esercito fino al 2003.”
Nessun riferimento a successi o sconfitte, ai giorni del sacrificio o a quelli della gioia, alle fatiche della progressione in carriera, agli incarichi ricoperti o ai riconoscimenti ottenuti: solo l’indicazione di un lunghissimo arco di vita, tutto dedicato alla Forza Armata.
Bisogna entrare tra le pieghe dell’opera, allora, per trovare la voce narrante di vicende che abbracciano oltre mezzo secolo e lo si deve fare, credo, sotto la spinta di una curiosità che nasce fin dalla lettura del titolo del libro.
Toglietemi il vino suggerisce l’Autore e già questo sembra quantomeno singolare, se si pensa che a dirlo è uno spezzino e che nessuna “sentinella del Golfo dei Poeti”, seppure sotto tortura, saprebbe mai rinunciare al prezioso nettare delle circondanti colline o al pregiato sciacchetrà delle Cinque Terre.
È Caporaso stesso, attraverso godibili pagine che oscillano tra la fluidità del momento narrativo e la pacata regressione verso non dimenticate vicende autobiografiche, a spiegare il perché di un titolo che sa di rinuncia.
Lo fa consegnando al lettore una serie di episodi vivaci nella composizione figurativa, realistici negli spunti che li originano, di rapida, spontanea ed elegante fattura e dei quali tutto si può dire, tranne che, alla base di essi, serpeggino malanimo o risentimento, i classici ingredienti di chi “stacca la spina” prendendo una scossa di rancore.
Con serena misura ed astuto senso di regressione, l’Autore ripercorre, così, taluni passi dell’esistenza legati ad eventi particolari, i quali, nel tempo, hanno fatto maturare in lui una inverificata sindrome da persecuzione.
Di tale fastidioso malessere, giunto ormai al punto di non ritorno verso un’emergente patologia, egli, cedendo a quella che ama definire “irrimandabile ansia di autodifesa”, si esercita a condurre un’impietosa verifica in vitro, senza preconcetti, senza amarezza al netto di qualsivoglia, affascinante partito preso.
Vicende, solo vicende ove l’ordinaria quotidianità la fa da padrona e la fantasia è chiamata sì in causa, ma a tratti, unicamente, dice Caporaso, per ingentilire cose e persone, al solo fine di aiutarle a diventare più simpatiche.
Non pochi passi, fra quelli tratteggiati, attengono ad esperienze della vita militare, ricordata, peraltro, senza indulgere nei rigidi schemi del formalismo disciplinare o della più scontata liturgia da caserma.
A ben riflettere, proprio la lettura di queste pagine con le stellete, ha fatto nascere in me una grande simpatia e la più amichevole complice solidarietà, verso quei rappresentanti delle Forze dell’Ordine che, in più di una circostanza, con le loro ridicole performance sembrano violentare il narratore, apparentemente già pronto alla resa, per trasformarsi, poi, essi stessi, in agnelli sacrificali di una scontata rivincita.
Tutti dei carabinieri, in questi gustosi ritratti di famiglia, gli ammiccanti primi piani.
Io, al posto dell’Autore, avrei chiesto proprio al Comandante Generale dell’Arma di essere lui a condurre la prefazione dell’opera, tanta è la tenerezza che i suoi improvvidi Quadri (suoi del Comandante dei Carabinieri, non del narratore…), suscitano nel lettore, grazie allo spirito di sana ironia che ammanta le singole vicende.
Ma Caporaso ha preferito “giocare in casa”, rivolgendosi a me in forza di un’antica amicizia e gliene sono grato, perché le sue fotografie raccontate, singolari per garbo e mai prive di una sostenibile leggerezza narrativa, mi hanno coinvolto, commosso e divertito, come da tempo non mi accadeva con la carta stampata.
Resta da comprendere, magari, se l’Autore, giunto al termine della sua impietosa ma imparziale analisi, altalenante tra momento narrativo ed elemento autobiografico, abbia trovato la risposta tenacemente cercata, o chiarito i suoi dubbi, o sciolta l’alternativa, tra sé stesso e gli altri, nella dicotomica ripartizione tra schizzati e non.
Ma, forse, la risposta alle domande che la voce narrante si pone nell’articolato palinsesto delle vicende da essa ripercorse, sta proprio nell’ultimo, mirabile passo dell’opera: quella “Postfazione”, voglio dire, la cui lettura meriterebbe, a mio giudizio, l’attenzione che si porta ad un passo evangelico. Perché tutti, non solo l’Autore, fummo testimoni virtuali alle nozze di Cana ed il monito che allontana il coppiere dal convitato indegno, potrebbe aver riguardato anche ognuno di noi.
Toglietemi il vinoè un’opera sobria ed efficace, vigorosa nei toni, pacata nei sentimenti, sostenuta da un’abilità narrativa che ha il merito di creare, affidandoli al lettore, non pochi momenti di vera, intensa, genuina poesia.
Sono lieto che la mia indole, la mia radicata abitudine professionale, ma anche il connaturato desiderio di conoscenza ed il rispetto di chi a me si rivolge con fiducia, mi abbiano consentito di leggere un lavoro così al di fuori e al di sopra delle classiche rimembranze dei vecchi militari.
Con tutto il rispetto per questi ultimi, ovviamente: il fatto è che Vito Caporaso, Autore dall’austero passato con “le stellette”, ci ha incuriosito e ci ha regalato ore serene, con la sua delicata favola di vita.
Leonardo Scorza
postato da: laureato alle ore 06/03/2011 09:33 | Permalink |
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domenica, 06 marzo 2011
metafisica della malattia mentale – editrice totem
Francesco Buscemi
Metafisica
della malattia mentale
(Schizofrenia)
Prefazione di Monica Vagnucci
N.22 Collana Important
Editrice Totem
2005
La caratteristica essenziale
della tecnica scientifica
è la utilizzazione
delle forze naturali
secondo modalità
non per mai evidenti
ai completamente profani
B. Russell
Prefazione
La schizofrenia. L’arte.
La struttura metafisica della schizofrenia, malattia mentale per eccellenza, è assimilabile a dell’arte. L’arte generata da un pathos creativo che sgorga dal dinamismo parossistico convulso allucinato, dono elettivo dello psicopatico. Sintesi suprema di un intelletto estatizzato che riversa l’eccesso sensorio in una elaborazione ampliata dell’associatività logica, un’alterazione nuova e imprevista dei nessi causali che crea immagini inaspettate, caleidoscopiche.
“Intuizzazione” del sapere che è percezione a priori dell’ideale, oltre l’ordine razionale e morale, oltre le strutture ideologiche e fondative del reale.
La follia, attività creatrice che attinge dall’Assoluto e ricolloca nell’Olimpo del genio. Questo libro di Francesco Buscemi è un intreccio logico di suprema acutezza, ricco di fattori linguistici e di spunti integrati in una ditirambica messa in scena dell’intrapsichico . Una visione complessa che accoglie suggestioni filosofiche,metafisiche, religiose, mediche, scientifiche e investe di una luce nuova il senso e lo stato della malattia mentale.
Una sorta di sceneggiatura in cui è proibito all’Autore di utilizzare qualsiasi insensatezza che comparisse nel originale della banalità e del buonsenso, con conseguente biasimo all’atteggiamento percettivo della follia come aberrazione. Pagine illuminanti – queste del giovane scrittore catanese – che oscurano le interpretazioni positivistiche della malattia come disordine e anomalia in rapporto ad una associatività empirica comune e riconoscibile e, quindi, rassicurante, necessaria.
Che convincono dell’esistenza odiosa di un modo malato che cerca certezze, pretende di capire, prevede, dedurre e condanna il sorprendente, il nuovo, l’inatteso. Che ne ha paura. È l’orrore del destabilizzante, dell’inconoscibile. L’Autore osserva un mondo che si conforma a normalità limitanti, esclusive.
Un mondo che segue il percorso progressivo della sua storia cercando di non cambiare direzione, che marcisce dentro e non sa produrre altro se non velleitari tentativi di rivolta contro se stesso. Basti guardare la realtà dell’Occidente in preda a un odio di sé che è strano e che si può considerare solo come qualcosa di patologico. Di questa malattia fa parte la caduta di rispetto verso il sacro che appartiene alla propria tradizione di tutela della dignità dell’uomo.
Ed è proprio in nome di questa dignità esaltata a tutti i costi e sopra qualunque altro valore ideologico che si rifugge ogni manifestazione in dissonanza con l’ordine stabilito delle cose reali, tangibili, visibili, esperibili.
Lo psicopatico è il contemplativo, il patema da cui è rapito – secondo Francesco Buscemi – lo colloca in una sfera privilegiata in comunicazione con il divino, fuori dal tempo e dalla socialità. In isolamento.
Ammalato nel corpo della mente, condannato in ottica escatologica ad una vita di dolore ineluttabile: la mancata percezione di un fine ultimativo lo condanna ad uno stato di dolore senza possibilità di riscatto nella speranza biblica di redenzione. Vive nella perenne percezione della morte. La storia non esiste: è finita prima ancora del suo compimento. Il fardello di un dolore universale che suscita il ripiegamento del sofferente in se stesso rendendolo artefice-sapiente, forma e corpo e spirito innovativo dell’Atto Creatore di Dio.
Straordinaria facoltà elettiva. Inevitabile incomprensione e rifiuto della società. È proprio in relazione all’immane natura cosmica del fenomeno che ne deriva una sorda e ostinata volontà di rifiuto. La mancanza stessa di intelligenza di una insondabile modalità della psiche umana determina l’insorgere dell’aberrazione come unica e sola categoria interpretativa.
Sarebbe invece necessaria, ai fini della comprensione, una sintesi tra studio del sapere fisiologico come indagine empirica e la sfera ultrapsichica appartenente alla categoria delle psico-scienze. E invece gli “scissi” diventano metafore caricaturali, immagine dell’assurdità dei conflitti terapeutici, testimonianza fisica – e pur sempre rimossa – di come i problemi non siano reali ma concettuali.
Ecco allora che il percorso medico volto alla cura della malattia mentale si basa su farmaci che interferiscono con i processi psichici, annichilendone la natura, abbattendoli alla radice, uccidendone lo slancio e la tensione comunicativa con l’Assoluto.
È il mistico che spaventa. E l’Autore non risparmia stoccate verso il fanatismo più o meno astratto e inutilmente intransigente di certa terapia da dozzina, con intonazioni rituali di una liturgia da discorso a meraviglia lirico gnomico. Un accanimento clinico crudele che si basa su un concetto assoluto di sanità mentale, sulla pretesa di unificare con una semplificazione arbitraria il diritto d’essere delle categorie logico percettive degli intelletti individuali.
E che trova giustificazione nella natura stessa del malato: il paradosso psicologico di un io percettibile nelle sue parti ma inaccessibile nella sua profonda unità. Argomenti complessi e tematiche tanto controverse trovano forma in questo saggio ricco di suggestioni, attraverso modalità espressive che riflettono il variegato universo sondato. L’Autore catanese usa una tecnica di scrittura da bulimia dizionaristica, un gusto avanguardistico di manipolazione del linguaggio: tempestoso mobbing lessicale che sollecita l’impavido lessicomane ad affermare che in sostanza si vive di soli lapsus di un’ampia ed eccitante antologia di neologismi. Risultato?
Un problema da niente, cioè l’assoluta inattingibilità della lingua pura metafisica. Quasi a riflettere il volto volubile e fuggevole della psicosi, la sua essenza effimera, labile. Solo talvolta la scrittura diventa più domestica e affabulatoria, laddove si svolgono le avventure di un lemma e le sue metamorfosi. Francesco Buscemi ricerca un’espressione che trascenda il conformismo e consenta di cogliere la profondità del contenuto anche attraverso la forma. Una constatazione indiretta ma includibile dell’inautenticità di un mondo che si uniforma ergendo il suo futuro su gerarchie e paradigmi semplificati, un mondo che possiede molto inconscio razionalizzato ma poco inconscio autentico, quello dei greci e dei cristiani, quando esistevano gli dèi della luce e della notte.
Qualsiasi discesa sistematica nella “scissione”, qualsiasi volontà di chiarirla completamente, uccide il nutrimento della nostra anima.
Monica Vagnucci
postato da: laureato alle ore 06/03/2011 09:20 | Permalink |
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giovedì, 10 febbraio 2011
valerio giuffrè – editrice totem
http://notitiae.wordpress.com/2011/02/02/no-art-di-valerio-giuffre-esposizione-e-intervista-video/
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venerdì, 14 gennaio 2011
Editrice Totem – Giulio Mazzon
Giulio Mazzon
Dalla Prima Repubblica:
niente di nuovo
1995
Editrice Totem
prefazione
Una lunga attesa
Discorsi e prediche sono inutili? Tempo perso poiché non c’è peggior sordo di chi non vuol sentire? Il conservatorismo mentale, e di privilegio e del quaeta non movere, che si mimetizza entro le burocrazie dello Stato, degli enti e delle varie strutture di base e di vertici, è permanente. Condiziona le personalità rappresentative che si avvicendano. Altri parlavano di questo fenomeno definendolo continuità dello Stato. L’accenno comporterebbe una lunga analisi che qui non serve e mi affido all’intuizione del lettore per comprendere pienamente il significato di questa affermazione. Vale per l’Italia come per tutti gli Stati del mondo a grandi dimensioni ed a minime dimensioni con concezioni moderne e no.
Ne discende che gli elettori italiani, divenuti sempre più latitanti nei confronti delle cabine elettorali, possono votare però secondo la propaganda più efficiente anche se, talvolta, ha fatto assurgere, nel dopoguerra, il delitto a simbolo necessario all’affermazione degli ideali. Anche la falsità. La storia italiana recente e remota può offrirne un ampio campionario. Tutto questo come conseguenza, si dice, di aver sottoposto la politica al contrasto delle ideologie fatte assurgere ad ideali etici.
In realtà era la libertà ad essere in discussione così come nello scontro avvenuto nel corso della Guerra di Liberazione. Anche le rivoluzioni poi devono fare i conti con il conservatorismo di cui sopra si è fatto cenno. Così tutto non è come prima, ma è come se fosse prima.
Ecco qui un esempio. Un’elezione politica vide in lizza socialisti, comunisti, popolari, repubblicani, minoranze linguistiche, liste di blocchi (liberali, social-riformisti, democratici ed altri). Le poltrone disponibili in Parlamento 530. In questi cinquant’anni del secondo dopoguerra lo schema dei partiti partecipanti alle elezioni non è stato molto dissimile da questo citato, salvo qualche aggiunta e cambiamento di nome. Una differenza fondamentale: si riferisce alle elezioni del 1921 dalle quali Mussolini uscì con 35 deputati contro 123 socialisti ed i 108 popolari e divenne Presidente del Consiglio facente la corte al Partito popolare che diede i suoi ministri ed al Partito socialista che non li diede. I 35 deputati di Mussolini, esigua minoranza, contavano sulla forza nelle piazze e sui manganellatori e nella protezione del capo dello Stato, il Re garante dello Statuto Albertino. Qualcuno potrebbe asserire che fu giusto procedere in cotal modo per evitare che i Soviet si impadronissero dell’Italia visto come erano andate le cose con l’occupazione delle fabbriche del 1920. Ed alla luce del senno di poi riferito al fallimento recente del comunismo moscovita. Oggi il discorso è capovolto. Non ci sono i Soviet alle porte, ma ben altri e che vengono definiti fascisti. Gli schemi dei partiti sono gli stessi ed i metodi per far divenire maggioranze parlamentari le minoranze sono ben radicati nella cultura delle burocrazie consigliere e ispiratrici della politica e defilate da ogni responsabilità personale che lasciano agli uomini politici. Sono analogie animate da profondissime e fondamentali differenze e sono qui richiamate come stupefacente constatazione per significare nihil novi nel metodo del conservatorismo. Mi pare conseguente dire che si va troppo piano per realizzare i cambiamenti e di costume e di metodo e di cultura e di forme elettorali che si imponevano come esigenza primaria già tre anni or sono. Anzi. Cambiati nomi ai partiti, preso atto di quelli che sono evaporati, contrabbandando leggi elettorali come innovanti, il tutto segna il passo. Il corpo del potere si aggira ovunque ad occupare gli spazi amministrativi come il camaleonte che non cambia la pelle, ma solo il colore d’essa. Ed il vocabolario della finzione. Quel corpo si rigenera da una generazione all’altra alimentato dagli interessi di famiglia o di corporazione e che sono ereditari. Dovrà pure venire il momento della liberazione dalla conservazione. Non avverrà certo conducendo gli elettori a votare per miti e non per problemi. L’intervallo di tempo tra il 1921 ed oggi ha visto l’Italia aumentare di oltre 20 milioni di cittadini. Discendere dal 60% al 7% circa la popolazione dedita all’agricoltura. Mantenere una media di poco più del 30% della popolazione impiegata nell’industria. Oggi il 60% non è né agraria, né industriale. Un cambiamento radicale nella società è avvenuto. Il dovere di non tacere nel dissenso compete nella speranza che tanti altri cessino di appagarsi delle idee preconfezionate per pigrizia, nella migliore delle ipotesi. In un dizionario oggi si può leggere alla voce censo: patrimonio, ricchezza, rendita a cui sono commisurate le imposte. E dalla Costituzione si deduce che i cittadini devono possedere eguale diritto elettorale, diritto nullo nella pratica e del quale ci si è accorti, in parte, ed in modo non brillante, solo di recente proponendo leggi di emergenza da parte di una fazione in lotta politica contro un’altra mentre l’argomento deve essere reso armonico in un contesto più ampio della legge di uno Stato che dell’economia di mercato non si fa artificiale padrone di comodo.
Roma 29 maggio 1995
Giulio Mazzon
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giovedì, 13 gennaio 2011
Miriam Pellegrini Ferri – editrice totem
Miriam Pellegrini Ferri
Ma solo…
con tanto amore
romanzo
1988
Editrice Totem
Prefazione
Questo è il titolo del romanzo che la scrittrice e poetessa Miriam Pellegrini Ferri offre alla lettura e alla meditazione dei suoi numerosi estimatori, al pubblico attento alle novità letterarie.
Questa donna intelligente, dotata di una vivacità intellettuale straordinaria e quasi passionale, rappresenta l’eterno femminino, che, con le sue spinte ed attrazioni, d’ordine diverso, conclude il suo canto con i suoi ritmi schietti e con le sue melodie soavi che, contrappuntistica eterna, ineffabile dell’amore, compone in armonie perfette.
I suoi slanci verso una giustizia sociale più umana, le sue recriminazioni verso tutti coloro che non la pensano politicamente come lei devono considerarsi come i diesis che, posti presso una nota musicale, ne aumentano il tono.
L’amore è elevato a principio di educazione e di iniziazione.
Poiché questa alzata di voce, questo crescendo, analizzato psicologicamente, porta, forse inconsapevolmente, alla riaffermazione, sia pure in maniera inconsueta, della vita che dell’amore canta le sublimi meraviglie.
La nostra poetessa e scrittrice a me sembra iniziata a questa verità luminosa, creatrice, che nell’amore affonda sue radici nobilissime.
Ella dall’unione con l’uomo, che amò da sempre e per sempre, generò cinque bellissimi figli, in cui splendono i sogni e le loro speranze, in cui il canto eterno ed affascinante della vita raggiunge l’ineffabile.
Questa è suprema intuizione dell’amore, ed io dirò col sommo poeta:
…io mi son un che quando
amore spira, noto, e a quel modo
ch’ei detta dentro, vo significando
In questo lavoro della nostra scrittrice – sorvolando sulle naturali “intemperanze”, della donna impegnata politicamente – vincono la bellezza e la saggezza; doti che certamente meritano di essere coronate di una corona di fiori non caduchi.
Ella può anche essere certa che “la luce del sole scaccerà la notte” e il giorno verrà, in cui la VERITA’ UNA getterà fiumi di luce sull’umanità, e al suo splendore e calore, tutti gli uomini, rigenerati dall’amore, si sentiranno fratelli ed eguali nella dignità.
Allora il mondo approdato, dopo tante asperrime prove, alle porte della virtù, staccherà finalmente dalle mura del tempio delle Muse il flauto magico e la cetra, e accorderà il suo canto e quanto di più degno e di più vero vi è nella vita.
La scrittrice identifica il suo ideale con la realtà dell’attuale Albania (1988), scaturita dalla rivoluzione attuata da Enver Hoxha.
La trama di questo suo romanzo accomuna, nei suoi ideali, personaggi delle due nazioni sorelle: Italia e Albania.
Personaggi, i quali incontrandosi casualmente, finiscono per diventare amici per sempre.
Il personaggio principale s’innamora, ricambiato, della bellissima ragazza albanese: sogno d’amore poiché la realtà costringe i due innamorati alla separazione. Distacco che avviene fra lacrime trattenute a stento. Separazione momentanea o distacco per sempre?
La scrittrice non lo dice… Si intuisce però, che nei cuori dei due giovani innamorati la fiamma del vicendevole amore purissimo arderà sempre, senza mai estinguersi.
Poiché una mirabile trasfigurazione, una trasmutazione erano già avvenute nelle loro anime: una fusione spirituale ch’è al centro della vita: verità non cangiante.
La nostra scrittrice poetessa è un’idealista soprattutto, una donna che ama perché teneramente amata, vibrante nei suoi pensieri profondamente sinceri, accesi di entusiasmo giovanile.
Ella offre nelle sue opere la sua immagine trasfigurata –lo-ripeto – poiché essa genera anche intellettualmente per virtù d’amore.
Non sono suo correligionario, nell’accezione che si dà correntemente a questo termine, ma condivido le sue idee e le sue ansie e premure a favore dei pensionati.
Tantissimi anni fa, in un mio libro giovanile (Il figlio del lavoro) affermavo a proposito della giubilazione che questo periodo della vita dell’uomo dovrebbe considerarsi il periodo dell’apoteosi, quale giusto riconoscimento dei doveri compiuti a favore della collettività, nel periodo della produttività. Periodo di gioia intensa e di esultanza come lo stesso termine “giubilazione” significa.
Termino queste poche righe scritte con spontanea simpatia verso la amica che – al di sopra e al di fuori delle sue idee politiche – ritengo rispettabilissima.
Rispettabilissima poiché ella possiede, oltre alle doti già nominate, moralità cristallina, come madre esemplare, quale donna che fisicamente e spiritualmente, come scrittrice e poetessa “genera” sempre per virtù d’amore.
Riverente, perciò, le porgo i miei complimenti sinceri e più fervidi per il presente e per l’avvenire.
Giuseppe Catapano
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martedì, 04 gennaio 2011
editrice totem – gesualdo broussard
Gesualdo Broussard
Alt!
Qui l’amore
saggio
1992
Editrice Totem
Presentazione
Viviamo in tempi di elettrotecnocrazie imperanti e di grandi mutamenti, dove le onde umane vieppiù crescenti e nevrotiche ripetutamente corrono e si affannano in cerca e ricerca di sempre nuovi piaceri, idoli e sensazioni, nuove avventure e passioni, viaggi nuovi e conoscenze: ma alla fine tutto risulta carente ed insoddisfacente, fatuo e vano a chi manca “l’essenziale”. (In questo libro si descrive qual è precisamente l’essenziale, e come possederlo”.
Epoca d’imperio indiscusso del Dio Denaro, della Vanità, del Sesso, del Possesso, di vissuti quotidiani frustranti, di obblighi e doveri necrotizzanti, quasi autopunitivi.
Sono i tempi dell’ideologia del profitto e del consumismo, con solitudini e lacerazioni nell’anima, conflitti intrapsichici, matrimoniali, familiari, ansie ed inquietudini. Epoca nevrotica e complicata, torbida ed idolatra, dove prosperano lussureggianti il calcolo, il proprio interesse, il menefreghismo. Il narcisismo, senza intima vera gioia, pervade e cattura quasi tutti, specialmente i giovani.
Si è persa la vera cognizione del tempo – non esiste più il passato ed il futuro – esiste solo l’istante, il momento, l’oggi, il carpe diem.
In molti luoghi trionfa spavaldo Tommaso Hobbes, l’inglese, col suo esecrato stendardo homo homini lupus, e gli fa eco e triste compagnia il proverbio siculo-calabrese Cui Non Ava, Non È (chi non ha non è).
Epoca viziata e brutale, semi atea, di forte avanzata verso la conquista degli spazi siderali, ma di anabasi e retrocessione di grandi valori etici, morali, religiosi, civili, e di forte aumento dei suicidi.
I tre giovani che – in Alto Adige ai primi di settembre1990 – si sono suicidati insieme, in una lussuosa macchina Lancia Delta, dopo averla trasformata in tomba, avendo collocato il flessibile di un aspirapolvere al tubo di scappamento, e tramutando quella desiderata auto, acquistata per gioia e divertimento, in spietata camera mortuaria a gas, ed avendo lasciato un biglietto bene in vista e chiaramente scritto: “wir Sind Jetzt Erloest Vom Leid Deslebens” (Noi ora siamo liberati dalla sofferenza di vivere), dimostrano chiaramente che quando la vita non ha nessun significato, nessun valore, nessun amore per essere vissuta: non vale la pena di viverla.
Eppure erano giovani di 21-22-25 anni , con florida salute, con lavoro ben remunerato, quindi sani, ed anche finanziariamente stavano bene, grande affetto in una buona e stimata famiglia, e per di più erano belli e alti, nel fiore della gioventù e della bellezza: è la prova evidente che questo grande vuoto esistenziale che impera dove non c’è Dio, né religione, produce sempre più dolore, suicidio, latrocinio, delusione ed omicidio, i quali maledetti sempre più imperverseranno. È da notare che nello stesso paese Prato di Stelvio, vicino a Merano, pochi mesi prima altri due giovani, anch’essi sani e belli e di buona famiglia, si erano suicidati insieme, impiccandosi uno accanto all’altro.
Ed ogni giorno le cronache elencano numerosi suicidi di uomini e donne, giovani o anziani, poveri o ricchi, ovunque e nessuna località ne è immune. E di tutti quelli di cui non si sa nulla, che si sono suicidati e sono i più numerosi?
La maggioranza della gioventù di oggi ha tutto; specialmente negli stati ricchi e prosperi – come in America settentrionale, USA e Canada, in Giappone ed in Europa, ha tutto ed a quindici – sedici anni, ragazzi e ragazze già sanno tutto sull’amore, e tutto in amore hanno fatto.
Avendo già tutto ed ogni benessere e divertimento, ed ogni cibo desiderato, nasce la noia. La noia porta alla malinconia, questa alla depressione, la più prolifica delle molte madri del suicidio. Epoca elettronica e superatomica, di aumento continuo delle malattie psicosomatiche, mentali, ed in particolare quelle depressive, ciclotimiche, schizoidee.
Ma epoca anche pratica, sveglia, intelligente e pragmatica, spregiudicata e calcolatrice, disinvolta, fortemente razionale e furba, interessata, egoica, egoista. Vige la mania dello spreco, va di moda il superfluo, lo sciupìo, la vanità e l’ “usa e getta”, e non di rado persone comprese.
Il degrado ambientale nutrizionale è in aumento, specie nelle grandi città, sempre più invivibili ed insalubri, insieme alla desublimazione ed alla spersonalizzazione. E solo l’amore vero ancora ci salva, e sempre ci salverà dalla perversione e perdizione totale: dalla distruzione totale.
Anche la plurima, lunga serie delle opposizioni binarie, i dualismi perenni, polarità sempre rinascenti, le dicotomie sempre più profonde: Bene-Male, dio-satana, anima-carne, amore-odio, felicità-tristezza, vita-morte, povertà-ricchezza, materialità-spiritualità ecc. e le supreme domande dei fini ultimi: chi siamo, da dove veniamo, dove andremo, che senso ha la vita ecc., in questo conciso, ma estremamente semplice e chiaro, limpido libro vengono risolti.
E soprattutto è precisamente spiegato: “qual è il vero amore, e perché”.
Chi è veramente dio e qual è il senso dell’umana esistenza.
L’autore
postato da: laureato alle ore 04/01/2011 19:10 | Permalink |
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martedì, 04 gennaio 2011
alt! qui l’amore – gesualdo broussard
Gesualdo Broussard
Alt!
Qui l’amore
saggio
1992
Editrice Totem
Prefazione
Nel disastro della nostra società parcellizzata, con le cronache dei quotidiani intrise di sangue e corruzione, forse la proposta di una rivoluzione di costume incruenta, come quella che Gesualdo Broussard propone con la sua raccolta di saggi ALT! qui l’amore, ricomincia ad esercitare qualche fascino, soprattutto verso i più giovani, demotivati e delusi.
E sempre il momento del rilancio dell’utopia: basta una coscienza alta che si opponga al lavaggio mentale contemporaneo esercitato attraverso le istituzioni, la stampa, la scuola, la tv.
Il saggio di Gesualdo Broussard dimostra inoltre quanto gli intellettuali siano stati e rimangano vittime perpetratori di censura e di autocensura: sopportano tutto in quanto capaci di dare un senso a tutto, derivazione contemporanea del gesto consolatorio del mito.
Dirompenti in tal senso i contenuti finali della parte prima del volume in pagine rettilinee e prudenti che mostrano un periodare asciutto di trasparente sobrietà.
L’autore dipana in modo chiaro e rigoroso la sua passione per le cose interiori, per l’immagine più consistente della nostra condizione esistenziale, sì da inserirsi con le proprie valutazioni nel tema del disvelamento dell’anima costruendo un codice amoroso che restituisce dignità all’uomo contemporaneo.
L’erosione dell’immaginazione religiosa che ha caratterizzato questo secolo è un altro dei punti tematici affrontati dall’Autore con partecipata dialettica.Tanto più da quando si è visto che la progressiva omologazione della civiltà industriale come sistema di vasi comunicanti non si è realizzata ed anzi stiamo a chiederci se i valori minimi abbiano un senso quando apprendiamo dai giornali che un astronauta russo è stato “dimenticato” nello spazio.
Gesualdo Broussard non nasconde che la nostra società vive un ritardo di coscienza e ci rende avvertiti che la nostra visione dell’universo e del mondo umano sono ferme a illusioni illuministiche vecchie che non ci danno più risposte esaurienti. E il destino dell’uomo non può essere lasciato a squilibri minacciosi e in balia di più o meno credibili inquinometri sparsi nelle nostre città e nelle nostre coscienze.
Facciamo nostro l’insegnamento dell’Autore: abroghiamo chi vuole abrogare l’amore… poi sicuramente tutto andrà meglio.
Gianfranco Cotronei
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martedì, 04 gennaio 2011
vito caporaso – toglietemi il vino
Vito Caporaso
Toglietemi il vino
L’astemio e gli schizzati
racconti
2005
Editrice Totem
Prefazione
La vita è fatta di tentazioni e una di esse, decisamente fra le più allettanti, serpeggia in quel particolare giardino dell’Eden in cui è possibile incontrare i membri, più o meno noti, della grande famiglia dei “prefatori”.
Una tentazione anche puerile, se vogliamo, ma di un comodo che non ha pari: giudicare un lavoro letterario, del quale si è accettato di redigere il preludio, non dai contenuti dell’opera, ma dal grado di conoscenza che si ha dell’autore o dai rapporti di amicizia che intercorrono tra prefatore “prefato”.
Il tutto con il conforto, magari, di una scheda sinottica del testo integrale, sì da sottrarsi all’obbligo di una lettura non sempre classificabile quale appagante nutrimento dello spirito.
Sono altre, per mia fortuna, le tentazioni cui non io resisto, talché questa intensa ed affollata galleria di bozzetti, l’ho percorsa con particolare interesse e viva emozione: come una passeggiata, in compagnia di un personaggio che scoprivo un poco di più ad ogni passo.
Vito Caporaso è uno spezzino che si è fatto onore, percorrendo la strada ferrata della difficile vita del soldato, fino al raggiungimento del massimo grado di ufficiale. Eppure, nelle brevi note biografiche che questo libro, decisamente particolare, contiene, si trovano, al riguardo, soltanto le scarne insegne di una fiera, ragionata umiltà: “… Alle armi dal 1955, ha prestato servizio militare volontario nell’Esercito fino al 2003.”
Nessun riferimento a successi o sconfitte, ai giorni del sacrificio o a quelli della gioia, alle fatiche della progressione in carriera, agli incarichi ricoperti o ai riconoscimenti ottenuti: solo l’indicazione di un lunghissimo arco di vita, tutto dedicato alla Forza Armata.
Bisogna entrare tra le pieghe dell’opera, allora, per trovare la voce narrante di vicende che abbracciano oltre mezzo secolo e lo si deve fare, credo, sotto la spinta di una curiosità che nasce fin dalla lettura del titolo del libro.
Toglietemi il vino suggerisce l’Autore e già questo sembra quantomeno singolare, se si pensa che a dirlo è uno spezzino e che nessuna “sentinella del Golfo dei Poeti”, seppure sotto tortura, saprebbe mai rinunciare al prezioso nettare delle circondanti colline o al pregiato sciacchetrà delle Cinque Terre.
È Caporaso stesso, attraverso godibili pagine che oscillano tra la fluidità del momento narrativo e la pacata regressione verso non dimenticate vicende autobiografiche, a spiegare il perché di un titolo che sa di rinuncia.
Lo fa consegnando al lettore una serie di episodi vivaci nella composizione figurativa, realistici negli spunti che li originano, di rapida, spontanea ed elegante fattura e dei quali tutto si può dire, tranne che, alla base di essi, serpeggino malanimo o risentimento, i classici ingredienti di chi “stacca la spina” prendendo una scossa di rancore.
Con serena misura ed astuto senso di regressione, l’Autore ripercorre, così, taluni passi dell’esistenza legati ad eventi particolari, i quali, nel tempo, hanno fatto maturare in lui una inverificata sindrome da persecuzione.
Di tale fastidioso malessere, giunto ormai al punto di non ritorno verso un’emergente patologia, egli, cedendo a quella che ama definire “irrimandabile ansia di autodifesa”, si esercita a condurre un’impietosa verifica in vitro, senza preconcetti, senza amarezza al netto di qualsivoglia, affascinante partito preso.
Vicende, solo vicende ove l’ordinaria quotidianità la fa da padrona e la fantasia è chiamata sì in causa, ma a tratti, unicamente, dice Caporaso, per ingentilire cose e persone, al solo fine di aiutarle a diventare più simpatiche.
Non pochi passi, fra quelli tratteggiati, attengono ad esperienze della vita militare, ricordata, peraltro, senza indulgere nei rigidi schemi del formalismo disciplinare o della più scontata liturgia da caserma.
A ben riflettere, proprio la lettura di queste pagine con le stellete, ha fatto nascere in me una grande simpatia e la più amichevole complice solidarietà, verso quei rappresentanti delle Forze dell’Ordine che, in più di una circostanza, con le loro ridicole performance sembrano violentare il narratore, apparentemente già pronto alla resa, per trasformarsi, poi, essi stessi, in agnelli sacrificali di una scontata rivincita.
Tutti dei carabinieri, in questi gustosi ritratti di famiglia, gli ammiccanti primi piani.
Io, al posto dell’Autore, avrei chiesto proprio al Comandante Generale dell’Arma di essere lui a condurre la prefazione dell’opera, tanta è la tenerezza che i suoi improvvidi Quadri (suoi del Comandante dei Carabinieri, non del narratore…), suscitano nel lettore, grazie allo spirito di sana ironia che ammanta le singole vicende.
Ma Caporaso ha preferito “giocare in casa”, rivolgendosi a me in forza di un’antica amicizia e gliene sono grato, perché le sue fotografie raccontate, singolari per garbo e mai prive di una sostenibile leggerezza narrativa, mi hanno coinvolto, commosso e divertito, come da tempo non mi accadeva con la carta stampata.
Resta da comprendere, magari, se l’Autore, giunto al termine della sua impietosa ma imparziale analisi, altalenante tra momento narrativo ed elemento autobiografico, abbia trovato la risposta tenacemente cercata, o chiarito i suoi dubbi, o sciolta l’alternativa, tra sé stesso e gli altri, nella dicotomica ripartizione tra schizzati e non.
Ma, forse, la risposta alle domande che la voce narrante si pone nell’articolato palinsesto delle vicende da essa ripercorse, sta proprio nell’ultimo, mirabile passo dell’opera: quella “Postfazione”, voglio dire, la cui lettura meriterebbe, a mio giudizio, l’attenzione che si porta ad un passo evangelico. Perché tutti, non solo l’Autore, fummo testimoni virtuali alle nozze di Cana ed il monito che allontana il coppiere dal convitato indegno, potrebbe aver riguardato anche ognuno di noi.
Toglietemi il vinoè un’opera sobria ed efficace, vigorosa nei toni, pacata nei sentimenti, sostenuta da un’abilità narrativa che ha il merito di creare, affidandoli al lettore, non pochi momenti di vera, intensa, genuina poesia.
Sono lieto che la mia indole, la mia radicata abitudine professionale, ma anche il connaturato desiderio di conoscenza ed il rispetto di chi a me si rivolge con fiducia, mi abbiano consentito di leggere un lavoro così al di fuori e al di sopra delle classiche rimembranze dei vecchi militari.
Con tutto il rispetto per questi ultimi, ovviamente: il fatto è che Vito Caporaso, Autore dall’austero passato con “le stellette”, ci ha incuriosito e ci ha regalato ore serene, con la sua delicata favola di vita.
Leonardo Scorza
postato da: laureato alle ore 04/01/2011 18:55 | Permalink |
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sabato, 25 dicembre 2010
Frammenti di vita – editrice totem
Marina Angelini Giudicissi
Frammenti di vita
poesie
2002
editrice totem
Prefazione
Ha il sapore della scoperta di un codice segreto questa raccolta di poesie che vede l’esordio letterario di Marina di Giudicissi Angelini, la cui versificazione densa e suggestiva suggerisce una dimensione totalizzante dell’essere umano.
Poco incline ad assecondare un qualsiasi conformismo rugginoso, l’Autrice libera dal suo intimo il canto che esiste nel suo profondo intessuto di simboli variegati e luminescenti.
Altrettanto pregevole ho trovato la capacità di scandire con un tocco dinamico le trepide e misurare colorazione di tempo e di luogo che danno rilievo plastico all’immaginario della poetessa.
Un viaggio dentro se stessi porta sempre da qualche parte: con un po’ di fortuna ad un incontro emozionato con le proprie origini e le proprie ossessioni nel capire il presente e il futuro di questo nuovo millennio.
La chiusa della poesia La città (pagina 40) nella sua icasticità mi sembra in proposito molto calzante e penetrante.
Altrove, l’intimismo dell’Autrice ha un tocco molto singolare e molto tenero sorretto dalla positività di un linguaggio minimalista e, nelle sue iterazioni, adeguato a un vissuto che ricorda gli echi fonici del nostro parlato e forse i ritmi di musiche ascoltate magari alla radio e sfiora con leggerezza la variegata tastiera di uno xilofono letterario per rendere ancora più espressivamente un ambiente, un personaggio o uno stato d’animo.
Tra i temi prediletti del libro, che titola Frammenti di vita, troviamo l’India e tutte le emozioni di un viaggio arvedico, là dove la spiritualità si tocca con mano: il verso diventa particolarmente visibile e concretamente efficace come nella fissità ferma e perentoria di certe atmosfere orientali. Una magia interiore forma e trasforma un eccelso magazzino, gremito di forme odori e colori, negli archetipi mitici assimilati dall’Autrice.
Marina Giudicissi Angelini ha avuto già importanti riconoscimenti per alcune sue poesie inedite e sono convinto che questa raccolta edita avrà largo esito nei premi e concorsi letterari nazionali, tale, mi auguro, da non farle mai interrompere in futuro questa sua speciale e intima corrispondenza scritta con la sua poesia.
Gianfranco Cotronei
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venerdì, 24 dicembre 2010
diario di bordo – 2006 – appunti di mare e di cucina
Umberto Gatti
Appunti di mare e di cucina
diario di bordo
Editrice Totem
2006
Prefazione
Il romanzo-diario di Umberto Gatti, al suo esordio letterario, si articola in quattro grandi capitoli, in cui vengono narrate dettagliamene, sotto forma di diario di bordo, le avventure di un gruppo di amici, di volta in volta diversi, che vanno per mare durante le ferie estive “sempre troppo corte”.
Ogni capitolo è dedicato ad un’estate, mutano quindi i membri dell’equipaggio del Sais, la barca a vela di 16 metri che li cura, li protegge dai marosi come farebbe una mamma amorevole, mutano le destinazioni, cambiano le avventure e gli imprevisti.
Il diario scritto in prima persona rivive quindi le vicende di questi gruppi di giovani come se realmente ci trovassimo sul Sais, come se accadesse anche a noi quel che accade loro, giorno dopo giorno, sotto quel cielo immenso.
L’Autore crea una trama di fatti narrati a ritmo così serrato talché si rimane in suspense per tutto il corso del libro, aspettando l’evento che trasformi la vacanza in vera avventura. Come quando la natura imperversa a tal punto che viene da pensare come sia saltato in mente di mettersi in navigazione aperta con tanto entusiasmo, rispolverando l’estrema sfida di Ulisse nel far coincidere il desiderabile con l’inevitabile. La conoscenza del mare e delle sue meraviglie da parte dell’Autore si rivela a tutto tondo nelle pagine del libro: così come la gioia che egli prova nel non sentire la terra sotto i piedi, nel vivere a contatto con l’acqua, l’aria, con i miracoli della natura, un cielo stellato, con i delfini che si accostano allo scafo.
Metafora bellissima di una mappa esistenziale filtrata dalla griglia intuitiva dello spazio e del tempo disegnata con la latitudine e la longitudine sulla carta geografica della nostra vita.
Qua e là nel diario si trovano ampie e circostanziate descrizioni dei cibi mangiati a bordo, dei vini bevuti e il raccontarli con delicatezza e attenzione è celebrazione edonistica del cibo, una delle gioie della vita.
Vissute e interessanti le descrizioni -intercalate da commenti personali – ai luoghi visitati e toccati dalla barca: la Sardegna “dei vip” con Porto Rotondo e Porto Cervo, Ischia, Ponza, Capri, Amalfi, ma anche zone meno frequentate come la parte ovest della Sardegna e le isolette incontrate lungo la rotta. Una personale panoramica dei luoghi di mare più belli d’Italia, rivisitati e corretti.
I personaggi del diario sono appena sbozzati in rilievo sopra la scenografia attenta e accurata dedicata al paesaggio mediterraneo. Il tutto condito da una buona dose di ironia e comicità (“Se prima avevano le idee confuse, adesso credono di stare a Frittole nel 1400 quasi 1500”), da qualche parola irriverente e dai sapidi riferimenti a fatti o personaggi tratti dalla realtà contemporanea.
Le pagine di questo diario, dal ritmo narrativo sincopato, scarno, tagliente e vibrante, richiamano inevitabilmente le storie di mare di Hemingway e di Melville e, pur non essendoci nessuna balena da inseguire, sono pervase dall’intensità della forza della natura e dei suoi elementi.
Sulle motivazioni fondanti del libro ci pare adeguato quanto scrive l’Autore in una sorta di epigrafe esistenziale: “Non so se qualcuno potrà capire il messaggio che cerco di trasmettere, ma solo chi ama ed ha vissuto il mare come noi potrà comprendere”.
Il che richiama un verso di Coleridge, da La ballata del vecchio marinaio, che sembra riassumere in poche righe ciò che il libro, con innocente spontaneità, trasmette:
Spirava lieve la brezza, la spuma si sollevava bianca, la scia ci seguiva; noi fummo i primi a irrompere nel silenzioso mare.
Ilaria Giovinazzo
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venerdì, 24 dicembre 2010
un romanzo di Umberto Gatti – 2006
Umberto Gatti
Appunti di mare e di cucina
diario di bordo
Editrice Totem
2006
Introduzione
Appunti di viaggio. Un diario avvincente che registra la rotta del Sais, barca a vela che raccoglie una ciurma composita e colorita. Il tempo è scandito dal mare, dalle tappe, dagli incontri, da quel condividere il tempo e i momenti a stretto contatto.
Gli uni con gli altri in un cameratismo che lega e affiata, che punzecchia e contraddice, netto e sincero, senza fronzoli. Come senza fronzoli è il linguaggio scarno e insieme ricco del narratore, che riesce a fondere la cronaca dei fatti con momenti descrittivi per creare un’atmosfera, un’impressione emotiva tangibile e palpabile. E che riesce a trasmettere l’amore per il mare.
Il viaggio visto da una barca. Il paesaggio sfiorato e vissuto, scoperto tra le vele, schiavi del vento e delle maree.
L’apertura del libro, cadenzata dal tempo scandito in date, ogni giorno chiamato con il suo nome, ci porta dentro la storia, ci prende e ci accompagna, spettatori e partecipi, tra le onde, gli scali, i porti. E ci sembra di farne un po’ parte.
Insieme a loro. A quei personaggi raccontati con le loro azioni i caratteri che si delineano nitidi senza essere spiegati, spontanei e immediati, senza artificio. E ci viene da sorridere a star li, con loro, su quella barca, divertiti dai giochi e dagli scherzi, dagli intenti maldestri non riusciti. E le persone si delineano in accordo perfetto con lo stile del racconto: immediato, diretto, senza filtri, confidenziale, ammiccante.
Come a ripetere, talora, tra battute e strizzatine d’occhi, ci siamo capiti, caro amico lettore. Con un linguaggio che cede alla forza espressiva del parlato, alle espressioni popolari, ai modi di dire. Senza troppi giri, senza possibilità di fraintendimenti. Ed eccoci a bordo, allora.
Quattro estati in vacanza, toccando calette, coste, paesi, attraversando insenature, stretti e placidamente dondolandoci in mare aperto.
Senza terra da nessuna parte. Ogni tanto ci affacciamo, sporgendoci verso l’orizzonte blu, in cerca di un delfino o soltanto di un guizzo che ne faccia intuire la presenza. Sbagliandoci, a volte. Guardiamo la stelle contro il nero del cielo riflettersi sul nero del mare e il bianco riverbero della luna intorno.
Approdiamo in Sardegna, tocchiamo le isole Pontine e raggiungiamo le Eolie per tornare a Capri e Ventotene. Ma l’isola del Giglio e l’isola d’Elba ci affascinano e ci catturano, e qualche scorcio di costa toscana ci convince addirittura più della Sicilia lontana, maestosa, cristallina.
Con in mente il paragone del nostro porto di Nettuno, tra qualità e problemi, girovaghiamo zingareschi tra le onde, senza comodità, solo il profumo del mare e cucina tanta cucina, a base di pesce fresco.
Condividiamo i progetti, analizziamo le difficoltà, rimandiamo.
La Grecia è ancora lontana. Perdiamo con rammarico parti di equipaggio che scelgono altre vie, costretti a rinunciare. Tanto che, alla fine, nell’ultimo viaggio siamo costretti a salpare dimezzati. Eppure continuiamo. Il fascino del mare ci attira e il Sais ci rivendica. Sopportiamo onde, sgarbi e soprusi e andiamo avanti. Nella nostra avventura.
Il narratore ci segue, occhio vigile su tutto, puntigliosa lente sugli eventi, candido specchio dei paesaggi, maliziosa ironia che deforma, spesso, lo scorrere dei giorni. Il realismo da cronaca che rischierebbe di cedere al ripetitivo rincorrersi di micro-cronache che si susseguono. Battute e moti di spirito campeggiano qua e là e riescono a divertire. Termini tecnici e linguaggio con incursioni di gergo marinaresco ci immergono in quel mondo, ci avvicinano alla realtà vista e vissuta a bordo di una barca a vela. E si aggiungono alla incisiva capacità narrativa dell’autore di raccontare in concerto la vita in mare.
Un libro avventuroso e picaresco, ironico e sagace. La scelta del diario è particolarmente indicata: alleggerisce la struttura e rende il senso del tempo frammentandolo. Creando in questo modo un ritmo spezzato che raccoglie le fila di un’esperienza varia e ricca di vissuto. Che illumina di esotismo nomi e paesaggi vicini, lasciandoci una curiosità nuova.
Monica Vagnucci
postato da: laureato alle ore 24/12/2010 08:48 | Permalink |
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mercoledì, 03 novembre 2010
la poesia di renato di domenico
Renato Di Domenico
TUTTE LE POESIE
N. 11 COLLANA CANTI
Editrice Totem
1991
Prefazione
Renato Di Domenico, poeta sensibile ma soprattutto un uomo che ha dedicato grande parte della sua vita alla poesia; l’arte più vicina all’animo umano e che esprime i sentimenti più profondi dell’uomo.
Ed è dell’uomo che Di Domenico canta nei suoi versi con un linguaggio vivo ed animato, sostenuto da una scaltrita esperienza della tradizione della poesia romanesca. La sua è una sensibilità che potremmo definire “di uomini che sono quello che sono” e cioè anime sopraffatte dal dolore e a volte dalla disperazione ma capaci di riscattarsi per ritrovare serenità e compostezza in una realtà che in fondo non è ostile, anzi ci accoglie con un rassicurante abbraccio.
L’originalità del poeta sta nella capacità di tradurre in immagini altamente liriche i grandi temi legati all’uomo, con un linguaggio sempre ricco e privo di metafore.
Un poeta dalla singolare potenza, una forza traduttrice di quei suoni, di quelle sensazioni così concitate e piene di sincero abbandono.
L’adozione di una lingua viva come il dialetto romanesco, la presenza imperiosa del popolo, la vocazione realistica fanno di Renato Di Domenico un artista suggestivo, estremamente attento che legge la realtà contemporanea con sguardo benevolo ed affettuoso, anche quando la sua poesia assume toni aggressivi.
Nei suoi versi ritroviamo non solo l’uomo ma Roma con tutto il suo fascino particolare ed unico. Una città che spesso può risultare difficile per coloro che la vivono ma nello stesso tempo generosa, seduttrice con la sua atmosfera fatta di luci, ritmi e di grandi slanci umani. È la stessa Roma che Di Domenico amò e descrisse con cruda verità in tutti gli aspetti, anche i meno edificanti, con sofferenza, ma con amore profondo e senza remore. Un amore che diventa catarsi di un mondo a volte difficile da accettare.
La poetica di Renato Di Domenico rivela l’animo di un artista integro, che dietro la semplicità del linguaggio nasconde un uomo colto ma anche amareggiato e pessimista. Un pessimismo che alcuni hanno voluto paragonare a quello del Leopardi; diversamente però dal poeta recanatese, Di Domenico non si fa dominare da questo stato d’animo ma se ne serve come mezzo per comunicare le sensazioni dettategli da quella realtà- causa di tante sue sofferenze- che non rinnega, anzi continua ad amare e ad essa inneggia.
Teodoro Cutolo
Assessore alla Cultura Regione Lazio
Introduzione critica
La vita
Gioie e dolori; sorrisi e lacrime; speranze presto deluse e delusioni superate con la tenacia, l’amore, la fiducia in un domani migliore; piccoli e grandi fatti che, intersecandosi tra di loro, ordiscono la trama talvolta misteriosa e incomprensibile, ma sempre affascinante, della vita di ogni uomo Questa anche la vita di Renato Di Domenico: un’esistenza come tante altre, eppure ricca di una meravigliosa pregnanza che si traduce in parole, immagini, colori.
La scenario è Roma, città di immortali bellezze e palpitante umanità. Qui Renato Di Domenico viene alla luce, 1’11 gennaio 1918; e qui maturano le sue prime esperienze, negli anni immediatamente successivi alla Grande Guerra. Anni di studio per il ragazzo che, nutrendosi di cultura classica, manifesta ben presto uno spiccato interesse per l’arte e la musica, prediligendo le note dolci e struggenti del violino. E, sebbene avviato dalla madre, di nobile discendenza, agli studi scientifici, che pure terminerà brillantemente, continua a coltivare la passione per le “belle lettere”.
Poco più che diciottenne, desideroso di rendersi indipendente, decide di entrare in accademia, trasfondendo nella vita militare l’alto senso del dovere, gli ideali di onestà e il rigore morale che lo guideranno per tutta la vita, lasciando una vivida eco anche nella sua poesia. Nello stesso periodo conosce Marina, la donna che sposerà nel 1940, dividendo con lei per quarant’anni le gioie della vita familiare, i piccoli e grandi problemi e, innanzitutto, l’esperienza lacerante e drammatica del secondo conflitto mondiale, che Renato Di Domenico, nominato tenente, vive in prima linea, pur conservando intatta, in mezzo all’orrore e alla distruzione, la sua umanità
Il pensiero costantemente rivolto agli affetti più cari, combatte dando grande prova di sé. Con coraggio e decisione riesce, dopo 1’8 settembre, a salvare i suoi uomini dal plotone d’esecuzione tedesco, convincendo l’ufficiale dell’inutilità di un simile eccidio. Dal nemico ottiene il rispetto e l’onore delle armi. Dalla sua patria una croce di bronzo, in luogo della medaglia d’oro per la quale era stato proposto. Troppo imbarazzante sarebbe stato, per le alte gerarchie militari, spiegare la presenza di quell’unico, giovanissimo ufficiale a capo di alcune centinaia di uomini che, senza di lui, sarebbero stati allo sbando.
Delusione e amarezza non ne scalfiscono tuttavia l’alto senso del dovere, l’onestà, la repulsione per ogni forma di compromesso. Continua per la sua strada, sebbene osteggiato e conscio di vedersi negare quei riconoscimenti che pure gli spetterebbero di diritto. E alle sollecitazioni di un mondo sempre più dominato dal dilagante potere della burocrazia, dall’imperante clientelismo, dal culto della bustarella, da invidie e gelosie, risponde ritirandosi a vita privata, per dedicarsi completamente agli antichi amori: la famiglia, la poesia, la pittura e la musica.
Frutto di questo volontario esilio sono i componimenti poetici, cui Renato Di Domenico affida la sua umanità, i sogni, le speranze, le delusioni, i sentimenti gelosamente custoditi. Talvolta piccole perle, canto del cigno di un uomo che ha sempre vissuto in nome di alti ideali, alla luce di una Fede che col tempo si fa sempre più cristallina ed anima i suoi ultimi anni da vita. Fino a quel 29 aprile 1986 quando, stroncato da un infarto, Renato Di Domenico esce di scena, così come era sempre vissuto. Con dignità ed integrità.
La poesia
Un uomo di fronte a se stesso. Questo il filo conduttore delle poesie di Renato Di Domenico, tanto in lingua quanto in vernacolo. Si pone, il poeta, di fronte allo specchio della propria coscienza per mettere a nudo la parte più intima e nascosta di sé. Sogni, speranze, ideali, sentimenti, delusioni, il rapporto con gli altri, il mondo circostante. Tutto ritorna nelle 152 liriche, composte tra il gennaio 1962 e l’aprile 1964, che confluiscono in questa edizione. A darci un ritratto puntuale dell’uomo e ad illuminare la misura della sua poesia, del suo intrinseco valore.
Poesia maschia, dai toni virili quella di Di Domenico, che non teme di scoprire i suoi dubbi, i suoi timori, la parte più debole di sé. Ma tutto è filtrato da una coscienza cristallina, che ha chiara consapevolezza del proprio valore e della propria integrità, del proprio essere uomo. Uomo che ha lottato e sofferto, che ha vinto e gioito, che ha perso assaporando tutta l’amarezza della delusione. Ma che comunque ha ritrovato in se stesso quegli ideali per i quali è vissuto, anche quando li ha visti calpestati, ed ha trovato nella fede la forza di non abbattersi e continuare.
Sono, queste poesie, la grande vittoria di un uomo che non si è mai piegato, che non è mai sceso a compromessi.
E perciò risuonano più alte e pure, anche quando toccano i temi più umili e quotidiani, sempre animate da una forte tensione morale. Contemplano tutti gli aspetti dell’esistenza umana, i grandi argomenti della vita e della morte, della speranza e della disperazione, per sfiorare il mondo sfuggente del sogno e frammentarsi nei mille rivoletti della poesia in vernacolo: altrettante facce del complesso prisma che è la vita di un uomo.
Canti del sogno
In una dimensione extra-temporale sembrano trasportaci le quattro liriche in lingua che compongono la prima sezione. Il poeta si proietta nell’universo senza confini del sogno, per ricercare una dimensione universale che sia risposta e approdo alla contingenza e precarietà della propria esistenza di uomo. “Di là dalla ermetica porta/del quotidiano patire/ed i silenzi cupi/che avvolgono/il riposo bestiale/dei sensi”, si spalanca la soglia del sogno, “effimera fuga” verso la dimensione dell’infinito, dell’Immenso.
È l’approdo anelato durante tutta una vita di sofferenze. È la “dimensione ignota” ma “Eterna” di chi si sente al contempo “duce e guerriero, /sacerdote o Re, /negletto schiavo/o malcontento/Ilota, /invereconda femmina /oppure sacra /vergine al Tempio”.
Diventa, il sogno, tentativo di fuggire alle laceranti contraddizioni del vivere quotidiano, alle brutture che offendono la coscienza del poeta, ne intorpidiscono l’anima.
È il desiderio, il sogno, di liberarsi di quel “fallace gioco dei sensi” per contemplare la purezza dell’ideale, di un mondo illuminato dallo “splendore di mille soli”. Un desiderio struggente, doloroso quanto un’aguzza lama che trafigge il cuore, proprio perché avvertito dal poeta come sogno di un istante, come realtà per il momento inavvicinabile, eppure disperatamente vagheggiata. È soltanto “l’attimo fuggente” di Faust, che per esso si danna; è “l’Onda dell’Immenso”, leopardiano oblio “d’ogni umano sentire”. Solo la morte, descritta a forti tinte come un superbo arcangelo dalle vuote occhiaie, potrà porre fine al tormento ed immergere l’anima nell’ “immensa sinfonia spaziale”.
Il desiderio di pace ritorna nella seconda lirica della sezione, per la quale il poeta predilige toni più tenui e smorzati. La serena bellezza del paesaggio agreste, animato di suoni e colori nella tiepida notte estiva, si contrappone implicitamente all’affanno e all’angoscia del mondo degli uomini, qui non espresse eppure presenti, per rappresentare lo scenario ideale che consente all’anima di immergersi nella contemplazione del sublime, di ciò che è essenziale ed eterno.
L’anelito alla contemplazione ritorna nel canto Padre! Nella mente del poeta si affollano i teneri ricordi legati alla figura paterna, qui evocata con toni foscoliani: “lo strascicar pesante/ del claudicante passo/ accompagnato/ dal ticchettar sonoro del bastone”.
Notevole influsso ebbe certamente il padre su Renato Di Domenico, sul suo carattere. Da lui, “spirito puro che tendeva,/ pur nel disprezzo dell’umane forme,/soltanto all’Infinito”, deriva certamente al poeta quell’ansia di assoluto, quella fede vivida e cristallina, che è “suprema certezza per cui vale/ sopportare questa vita con la forza/ che sorrider ti fece/ nell’ultimo soffrire della carne/ dopo il tanto soffrire dentro il cuore”. Quanta vita in queste parole: vita fatta di delusioni, sogni infranti, sofferenza. Eppure quale meravigliosa speranza si cela in esse. Al punto da evocare l’ombra paterna, muta ma attendibile testimone, per imprimere al sogno di un istante il sigillo della verità. E la chiusa della lirica, quel “io Ti sento; ma forse, tutto quanto/ è vaneggiare folle di un poeta/ che dà volto alle ombre”, non riesce ad appannare la limpidezza della speranza che nasce dalla fede.
A chiudere la prima sezione s’innalza, baldanzoso, il Cantico di vittoria del poeta sui sette vizi capitali, qui descritti come altrettanti demoni ammantati di vesti variopinte, insidiosi ed ammalianti serpenti che, pian piano, si impossessano dell’animo diventandone signori e padroni.
È la conclusione di un lungo itinerario spirituale, che si intuisce intrapreso dal poeta e portato a termine nel corso di tutta una vita, attraverso la macerazione interiore e la sofferenza. È la vittoria dell’uomo che sa ormai guardare con distacco alle lusinghe terrene, pronto a varcare la grande soglia di quel Mondo, non più “effimera fuga” di un sogno, ma realtà. Dopo l’accavallarsi a volte impetuoso delle immagini dei sette demoni, nella “notte” dell’esistenza terrena, la voce del poeta può finalmente innalzare pura il suo “canto di grazie, canto di vittoria”.
Ed invocare con voce serena e pacata la grande Liberatrice, divino strumento per sciogliere i carnali legami che avvincono il cuore. “Vieni, Angelo bianco di fulgore, /non mi lasciare più solo!/Per te ho battuto i demoni padroni/ della vita dell’uomo sulla terra!/Or non mi abbandonare!/Manda l’alfiere tuo, l’Angelo nero/ che silenzioso vola nella notte,/a guidare i miei passi,/ oltre la paurosa soglia dell’Ignoto tremerò, mio Arcangelo di fioco, /ma avanzerò felice/ verso il fulgido trono di tua Gloria, /mio Bene invan cercato: o Verità, /nuda ed eterna Dea”.
L’ambientazione notturna, ricca di toni cupi, talvolta ossianicamente lugubri, dei Canti del sogno si attenua nei dieci Canti della vita, caratterizzati da immagini più luminose e solari. Pur nella varietà dei temi, tutti sono riconducibili ad un’unica matrice: lo stridente contrasto tra un ideale di vita semplice e sincera e la spesso iniqua realtà quotidiana, di fronte alla quale solo la Fede è in grado di fornire all’animo del poeta la forza dell’accettazione, subordinata però alla certezza di comporre nell’eterno Mondo della verità l’intima lacerazione prodotta da quel contrasto.
È significativo che protagonisti di queste liriche non siano mai gli uomini, con un’unica eccezione, Federico Chopin. “Cantore triste di speranze morte, / di vacui sogni e di perduto bene” è definito il grande musicista polacco, ed il meraviglioso linguaggio dei suoi celebri notturni risuona familiare all’orecchio del poeta, che soprattutto negli anni giovanili si era dedicato con passione allo studio della musica.
E l’identificazione tra il musicista e l’autore, che ne condivide “l’ansia di fuga verso l’infinito”, diviene totale negli ultimi versi della poesia, quando Di Domenico riferisce a se stesso le parole con le quali aveva descritto Chopin. Nelle altre poesie gli uomini compaiono solo come ombre di visioni serene e solari, a determinare quel chiaroscuro che è poi l’essenza stessa della vita di ogni giorno. Luce sempre mitigata dall’ombra, il bene che sfuma nel male, la gioia che è limitata dal dolore.
Distensivo è il tono della prima poesia, All’Alba, che nella delicata descrizione del giorno nascente tradisce l’altra grande passione di Renato Di Domenico, oltre alla poesia e alla musica: Dall’ estremo orizzonte, /qual timido pennello/ d’inesperto pittore, /un primo raggio di luce / va colorando in rosa/ un glauco cumulo di cirri:/si scolora/ il manganese del cielo/ e corrono su di esso, /in voluttuosi contorcimenti, /sacre e rituali/ danze/d’altri mondi, / le ultime ombre/ della notte”.
Ma questa visione idilliaca in cui il poeta si sente immerso, al punto da sentirsi qual pino svettante “l’altera chioma/a salutare/la nuda e pura bellezza/ dell’alba”, e presto interrotta dall’improvviso e prepotente imporsi di una nota stonata. È lo “stridor / di freni/ acuto: il triste richiamo all’amara realtà di chi, prigioniero sulla terra, avverte con dolore l’impossibilità di raggiungere, se non in un “effimero sogno”, la felicità.
Felicità che è composizione delle interne tensioni dell’animo umano, abnegazione, sincerità, fedeltà, purezza di ideali e di vita, incarnati non da un modello umano, ma da un animale. Compaiono infatti in questa sezione ben tre poesie aventi come figura centrale un cane: Un cane; Preghiera di Wolf (cane finanziere)”; L’ultima caccia. La prima lirica è una commossa descrizione del cane, che assurge a simbolo dell’ “amicizia vera:/ quella che tutto dona/e nulla chiede”.
Quell’amicizia paga di dare la vita in cambio di una sola carezza. Ed il tema ritorna anche in Preghiera di Wolf, immaginario e muto colloquio dell’animale con Dio, e nell’Ultima caccia, inno alla fedeltà e all’amore che si fanno modus vivendi.
Evidentemente il poeta ha attribuito al cane tutte le doti e le caratteristiche che vorrebbe riscontrare negli uomini. Un espediente classico, questo della personificazione degli animali, ma che nel caso di Renato Di Domenico acquista una valenza tutta particolare, in quanto sottintende una decisa sfiducia nel genere umano, avvertito dal poeta come incapace di provare simili sentimenti. E quand’anche li provasse, si tratterebbe pur sempre di un momento.
L’amara constatazione è particolarmente evidente in Canto di Natale. Alla serena atmosfera della festa, descritta con le ingenue immagini tratte dall’iconografia classica del Natale (Nel cielo azzurro, /tra le mille stelle, /corre già la cometa /per annunziare al mondo la Novella. /Cantan gli angeli /bianchi del Signore”; e ancora “dalle casette, /accorrono i pastori”, e così via) si contrappone l’immagine degli uomini. “Torneremo ad odiare, a barattare/l’anima nostra/per sudice carte/di Satana, in agguato, sterco vile:/innalzeremo altari/alla menzogna/e giureremo il falso per il cielo, /trono di Dio, /per questa bella Terra/ch’è sgabello ai suoi piedi, /e il fratello alla gogna danneremo”. “Dalla fucina tetra, /avvelenata, /la rossa fiamma di Caino è pronta/ ad infocare/le nerastre verghe/nella forgia dannata!/Esse diventeranno acuti chiodi/per Te o Signore”.
Parole dure come macigni, che pesano sul cuore, ma che rendono con efficacia il pensiero; ne esprimono il dolore per quella perduta purezza che, sin dalla prima originale menzogna, ha condannato l’uomo ad essere schiavo sulla terra delle proprie passioni e debolezze. Di qui l’accorata supplica di Preghiera, rivolta a Dio, che è “Idea delle idee, /Luce da Eterna Luce”, affinché conceda all’animo immerso nella tenebra dell’ipocrisia e della menzogna, di vedere, “sia pure per un istante,/folgorare la tua Luce/su questa sporca Terra”. Sporca terra, perché contaminata dall’uomo e dalla sua falsità, cui è contrapposta ancora una volta, e in maniera stridente, la meravigliosa serenità della natura, francescano afflato di mille voci diverse che parlano di Dio e ne innalzano il cantico di lode.
In questa natura, patria ideale del poeta, si colloca la delicata descrizione del paesaggio pugliese che il poeta traccia in “trulli al chiaro di luna”. Una visione argentea animata da mille notturni sussurri. “Son le voci dei morti!”, di coloro che hanno ormai raggiunto il sospirato approdo dell’eterna, luminosa verità. Davvero singolare questa composizione, che si traduce in una esaltazione della civiltà contadina, sentita come unica depositaria di un’antica saggezza, di un modus vivendi che vedeva l’uomo immerso nella natura, in simbiosi con essa.
La dura vita dei campi, regolata dall’eterno ed immutabile avvicendarsi delle stagioni, è per il poeta “la più antica/tra le gesta dell’uomo”; è “l’eroica gesta del profondo solco/che il vomero lucente segna in cuore/alla tumida terra”. E una vita dominata dai valori essenziali: la fatica, il sacrificio, l’onestà, l’umiltà, il rispetto. E la fede, la fede pura e cristallina di chi invoca “dio benedetto”, a Lui si affida per “la pioggia/alla zolla riarsa dalle fiamme”; a Lui dedica “il sudore amaro delle fronti”, “le lacrime piante sui raccolti/annientati in un’ora”, “le notturne veglie dedicate/a questa amara terra che adorammo”.
Parallelo all’esaltazione della natura e del lavoro dei campi che ritorna anche nella breve poesia Pioggia d’aprile, corre l’altro grande motivo della lirica, sottinteso eppure evidentissimo: la serenità della vita oltre la vita, certezza incrollabile dalla quale il poeta parte per dar voce al suggestivo paesaggio lunare che circonda i trulli.
Questo motivo del “ritorno”, per cui la morte è sentita come passaggio ad una dimensione superiore e come immersione nella certezza dell’Eternità, caratterizza anche la poesia scritta per il ritrovamento di una fanciulla mummificata, Ritorno dai secoli. Lieve il tono descrittivo usato da Di Domenico per “l’esile carne, / palpitante di vita”, la pura fronte “di rose ornata” della vergine sacra a Diana che, “casta e frigida dea”, la volle “immortale colei nella fragranza /degli anni più verdi”.
E se pure quel corpo, avvolto in lini profumati, è una metafora della bellezza e della giovinezza presto scomparse, tuttavia parla ancora “con la voce amica / di un’anima immortale”. “Tu ricordi – conclude il poeta – che, se pur tutto è vano / nel brancolar breve della vita, / eterno, invece, dura ogni ideale / che dall’Eterno viene!’’. L’omaggio alla classicità, dopo la ricchezza della poesia precedente, ritorna nella composizione A Dioniso, carme denso di spunti orazioni. Il dio pagano, “ignudo giovinetto” di “pampini ornato”, dio del vino e dei riti orgiastici, dominatore di un mondo onirico, è celebrato come esaltazione della forza vitale e liberatrice dai falsi pudori; come incarnazione di quella natura nella quale il poeta vorrebbe panicamente immergersi per dimenticare le brutture quotidiane e trovare pace. “Dammi i tuoi folli sogni, Dio beato,/ la tua risata aperta che, dal tino/ fumigante di mosto,/ lanci su questo mondo di dolore,/di perfidia, di pianto e di terrore/ per l’ignoto che incombe”.
Bacco ed il suo nettare, il vino, aprono quindi il Carmen vinosum, 892 versi divisi in strofe a rima alternata. Comincia, il carme, col grido festoso di un brindisi a Bacco e al vino, preziosa linfa che fa sognare e gioire e, al tempo stesso, “liva il dolor di questo mondo”. Il vino: pagano nettare e Sangue di redenzione. Ebbrezza di un momento ed eterna salvezza. Paradossalmente in un calice del liquido ambrato si riflette tutta la storia dell’umanità. E la storia d’Italia. Di qui il poeta prende le mosse per tracciare una mappa della penisola attraverso i vini caratteristici delle singole regioni e zone, rievocandone storia e costumi, splendore e decadenza.
Ad ogni vino è associato un personaggio, un avvenimento: ricca è l’Italia di buoni vini come di gloria. E scorrendo a fiumi esso dona l’oblio e la pace. Come il tempo che, con il suo scorrere incessante, sembra ammantare del velo della dimenticanza quanto vi è di più bello e alto: la “perduta giovinezza” del poeta, il sogno, ma anche la bontà, la purezza, l’amore.
Sono solo ricordi di un cuore affranto, come un ricordo è il volto, “che di già fu come stella”, di quell’eterna dea, la giustizia, che ormai “vaga senza avere meta/vilipesa, disperata,/ tra il vociare di gente lieta / per l’italica contrada”. “Tu che a Roma pur Regina / fosti in nome del diritto,/ or sei povera e meschina:/ serva sei dell’uomo dritto”, è l’amaro commento che conclude il lungo carme, preludio alla sferzante ironia dei “Canti dello scherno”. Ciò che resta, “l’ultima speranza” di umana giustizia, è la morte, “che inflessibile percuote,/ in gran luce di giustizia,/ ricchi, poveri, potenti”.
Amara e sferzante è l’ironia che contrassegna i tre Canti dello scherno. Uomo d’altri tempi, Renato Di Domenico non riconosce più nel presente quel mondo tanto amato e vagheggiato, fatto di valori schietti e genuini. Il suo altissimo rigore morale, di uomo che ha personalmente pagato pur di non scendere a compromessi, si scontra con la triste realtà di un’epoca che gli appare caratterizzata dalla progressiva perdita di quegli ideali in cui fortemente credeva. Con fremente indignazione ne denuncia il tramonto ed il sorgere, al contempo, di nuovi valori di vita, negativamente connotati.
Da questa trasformazione, da questo imbarbarimento di ideali non si salva neppure la religione. Così l’Epifania, festa religiosa ma anche dolce momento di poesia ed intimità, perde il suo fascino. Non più voli sui tetti e ardite discese attraverso le cappe dei camini, ma una “macchina di Stato riscaldata”; non più i “silenzi delle notti stellate di cobalto”, ma un’alluvione di parole, che distrugge i sogni dei fanciulli, “già vecchi a quattr’anni”.
E le parole diventano sferzanti come verghe quando il poeta si sofferma a parlare di un’altra dolorosa piaga: la perdita del senso della giustizia e del vivere civile, sostituito dai falsi idoli della ricchezza, in nome della quale tutto è lecito, e da un falso codice d’onore. Ad esso si ispirano le “nuove” leggi di quella che fu “regione antica,/ splendida e santa/ di verde e d’oro/ sempre ammantata”, la Sicilia. Ora è terra intrisa di sangue: sangue versato da chi mira solo a “goder nell’oro”; da chi si lascia traviare da un falso concetto d’onore, l’ “onore delle mucose”, che insegna ad uccidere per riconquistare un’ipocrita purezza.
Ne deriva un’implacabile denuncia dell’inettitudine del Palazzo a fronteggiare l’inarrestabile imbarbarimento dei valori. E se qui la denuncia è direttamente indirizzata a chi, pur responsabile delle sorti del Paese, “dà tanta libera mano”; essa si estende all’intera società nell’inno beffardo Alla bustarella. Di Domenico intende colpire il dilagante culto della bustarella, “regina di nostra vita”, “divina/ che, tra le dita,/ serri la chiave/ di ruberie”.
È una critica serrata, che coinvolge tutti gli strati della società, tutte le forze politiche, e che celandosi nelle vesti dello scherno lascia trapelare tutta la tristezza del poeta per la perdita di un diverso sentimento della vita, che vedeva nell’uomo, in ogni uomo, non uno strumento di arricchimento e potere per altri uomini, ma una creatura mirabile da rispettare nella sua interezza.
Canti della morte
In questa sezione sono raccolte in tutto sei poesie, legate tra di loro da un unico filo conduttore, la morte, che comunque ritorna frequentemente nella produzione poetica di Renato Di Domenico, talvolta ombra inquietante, altre volte meta sospirata e liberazione.
Due canti sono dettati da un’occasione contingente. Dal primo, Verso il Cielo, scritto dopo la morte di papa Giovanni XXIII, e caratterizzato da ricchezza di ingenue immagini, talvolta stereotipate, si intuisce tutta la commozione del poeta. La morte è qui accettata come ineluttabile appuntamento nella vita di ogni uomo. Non toni drammatici, ma espressioni pacate per descrivere gli ultimi istanti di vita del Pontefice. Non l’immagine truce della morte, implacabile e scheletrica messaggera della volontà divina, che compare altrove, ma velo pudico disteso sull’esistenza umana: “È calata la notte”.
E in una dimensione popolata dalle immagini di una fede forse ingenua (“Vede una fila d’angeli che scende/ dal più alto dei cieli e ognuno è adorno/ d’una rosa lucente di rubino./ Or tutti insieme snodano una scala/ d’oro e di perle, fino al suo lettino./ Poi dalla schiera luminosa, svelto/ un angel tutto bianco lieve cala,/ tenendo per la mano un angioletto biondo”), ma cristallina, si compie il sereno trapasso del “Buono”, per cui la morte non è lacerazione, ma preludio alla conquista di una realtà più vera, il “fulgor della Luce Benedetta”.
Più acceso il tono della seconda poesia, scritta per l’assassinio di John Kennedy, Tre colpi di fucile. La tragedia si consuma nel “Texas infocato”, ed il presidente ucciso è l’uomo giusto, il “profeta” di “libertà e progresso,/ d’uguaglianza tra gli uomini, che Dio/ non volle certo schiavi”, cui il mondo sa donare solo odio e “il piombo della Morte”. Dunque la morte come supremo oltraggio del mondo a chi ha osato coltivare un “sogno grande”. Ma al contempo la morte, tunnel oscuro verso “la soglia d’oro aperta sull’Eterno”, è la vittoria sull’odio, l’amarezza, il pianto, l’adulazione, l’invidia, l’indifferenza.
Ritornano, nella seconda parte della poesia, i temi più cari al poeta, ed il verso, libero dai motivi più strettamente contingenti, si fa più sciolto, per acquistare un ritmo più serrato e riaffermare, sopra tutto, la validità e l’efficacia dell’ideale di una vita spesa per gli altri e perciò più cara al “Dio dei Giusti”: “questa tua preghiera disperata /sino al Trono di Dio/giungerà viva e santa,/con l’eco di tre colpi di fucile”.
Più consone all’indole e all’ispirazione del poeta appaiono le altre quattro poesie, che non sono dettate da una circostanza, e forse per questo risultano più spontanee ed immediate, e insieme più pacate. Non c’è acredine o disperazione nell’inno Alla Morte, celebrata come “l’ultima Thule”, mitico approdo “al navigante stanco/nel procelloso mare/della vita”. Essa è anzi “l’equa livellatrice / d’ogni umana ingiustizia / nell’Eterna Giustizia /dell’Oblio”. E perciò è attesa, vagheggiata, invocata come suprema liberazione: “ti seguiremo felici, /oltre Dio”. La morte come liberazione e sereno approdo è anche la giusta conclusione della poesia Morte di un passero. Mette il freddo nel cuore quello “squallido mucchietto/ arruffato/ di penne”, vittima dell’umana cattiveria, riverso sulla strada gelata di un mattino d’inverno. Il suo addio alla vita, troncata all’improvviso dal “brivido di gelo” della morte, risuona sommesso e accorato, eppure pacato. E rassicurante è l’ultima immagine del passero, ormai morto, “finalmente sereno, / tra la neve”. Non teme la morte neppure il cavallo, lanciato nell’ultima impetuosa corsa verso il traguardo della poesia In morte di Spegasso. L’animale diventa il simbolo di quella fede che non si arrende e riesce fronteggiare anche la morte, sia pure per un breve istante, sufficiente però a tagliare il traguardo e a riportate la vittoria. È la fede del poeta: che, adamantina, resiste al dolore e sola è in grado di dare al “cuore tormentato” la “santa costanza / di correre ancora”. Con questa fede, conclude il poeta, “potrà l’anima mia, / anche se poi, dentro il petto, / si schianterà stanco il mio cuore, / trovare, sperando, la forza, / suprema e sublime di andare/ guidata dal morso crudele/ che ha nome dolore/ su l’ultima siepe:/ e quindi volare, volare, / là, verso la meta agognata / a meta ch’è fine/ di questo patire”.
La morte diventa invece una metafora nella poesia Morte di una foglia, caratterizzata anche dalla ricchezza di immagini pittoriche. Il poeta si identifica con la foglia che, nella gelida brezza dell’autunno, accogliendo l’invito del fiume fremente e melmoso, si stacca dall’albero per lasciarsi trasportare alla scoperta dei mille volti e sospiri che animano i flutti, e s’avvede di correre “solo verso la Morte”. “Pure io che un tempo volli,/ come foglia desiosa di volare lasciar la madre pianta/ che mi tenea legato/ all’Eterno infinito e mi nutriva”, “seguirò la tua sorte, /per finire travolto, / come una foglia morta alla corrente, / in un vortice scuro / di questo sporco e maledetto fiume” il fiume turbinoso della vita che, senza saldi ideali, può condurre solo all’immenso mare d’illusorie ed effimere speranze”.
Canti della disperazione
Lottare, sperare, sognare soffrire: è l’amaro succo dell’esistenza, quotidiano travaglio della vita alla ricerca di momenti di serenità e di gioia. Ma quando più dense s’ammassano sul capo le nubi, ed un brivido freddo scuote le membra, sulla terra battuta dai venti, l’anima precipita nel baratro oscuro della disperazione. Leopardiani per l’ispirazione, per quel colloquio muto e sterile con una natura bella e impassibile, per quel pessimismo che sembra avvolgere senza scampo ogni cosa, appaiono i dodici Canti della disperazione. Quando l’orgoglio è spezzato da continue sconfitte; quando i sogni più belli sono solo miseri resti del naufragio di una vita nel mare tempestoso e ruggente dell’umana esistenza; quando gli affetti più cari sono improvvisamente strappati e neppure la fede riesce a lenire il dolore, nasce improvviso un senso di rabbiosa e impotente disperazione. Allora erompe dal petto il grido di ribellione del poeta, privato da un destino crudele e impietoso (e non a caso il destino è qui identificato con l’ “Ananke maledetta” della tradizione classica, quindi con l’ineluttabile, con la cieca fatalità) persino della consolante e devota amicizia di una cagna. “Oh Ananke tetra! Oh sciagurata Ananke!/ Tu ci hai dannati a correr senza meta/ per le vie del dolore!/ A te anatema”. “Godi del soffrir mio, mènane vanto!/ Alla nequizia tua, trista regina / esso è giusto compenso”.
Oppure si stempera, quella disperazione, nel ritmo più pacato de quattordici versi caratterizzati dal quasi monotono ricorrere dell’aggettivo “amaro”, da cui prende il titolo un’altra composizione. Ma non è meno desolante la visione del poeta. Perché, se amari sono “il tradimento dell’amico”, “la fede tradita”, “la tristezza del rimpianto”; ugualmente lo sono i ricordi, le gioie passate perché contrapposti alla noia del presente. E amari sono anche “il pane di sudor bagnato”, dunque il lavoro stesso dell’uomo, e in definitiva tutta la sua vita, “amara condanna”. Contro la quale il poeta scaglia, nella poesia successiva la sua maledizione, perché “vaso d’affanni”, “lago d’amarezze”, “lugubre canto di maligna sorte”. “Sii maledetta! Tu, dal caos nata,/ spezza del divenir l’ininterrotta/ di malanni catena e sii dannata!” è il grido rabbioso che conclude il breve componimento Maledizione. Un attimo di quiete sembra infondere nell’animo esulcerato il suono delle Campane a sera. Nel tramonto infuocato vibra la loro voce di speranza in un “mondo migliore”. Ma si tratta appunto di un momento, perché l’angoscia riaffiora improvvisa. E la “Preghiera di anima sperduta sulle vie del dolore”, affidata alla lieve visione di rondini sfreccianti “alte nei cieli”, non ha parole, ma solo lacrime da deporre “nel grembo di quell’Angel nero”, il “Mietitor senza posa/ d’ogni umana illusione, solo vero/ padrone d’ogni cosa”. Le altre poesie sono in crescendo. Ben rendono lo stato d’animo di Di Domenico, una rabbiosa ed impotente disperazione, le forti immagini di Vajont. Immagini di distruzione e morte, “dopo la notte di tregenda/ in cui migliaia di demoni sfrenati,/ squarciato il ventre della montagna muta,/ snidar l’inferno delle chete acque”.
Immagini illuminate da un “sole sciagurato” che foscolianamente brilla sullo scempio di quei poveri corpi. E sui vivi ormai morti dentro per i quali piange il poeta nello scagliare un impotente anatema alla vita. E la sua Domanda, che è poi una desolata constatazione della transitorietà di ogni cosa, della mancanza di ogni certezza, si risolve nell’angosciato interrogativo che il poeta pone soprattutto a se stesso. “Datemi un fiore/ che il capo non reclini”; “datemi un sogno/ che non sia svanito”; “datemi una certezza”. “Ma se ciò che vi chiedo/ non mi date/ né potrete mai darmi,/ è forse vano/ questo mio maledire/ all’Infinito?”. Neanche i sogni della giovinezza, Rimpianti di ciò che è stato, riescono a lenire la sua intima sofferenza, perché anzi è tanto stridente il contrasto tra quei sogni e l’amaro presente, misero mucchietto di “cenere spenta” nel cuore, da soffocare anche “la Fede in una vita oltre il sepolcro/ in cui Giustizia, Bene ed Uguaglianza/ non son false parole”. E da fargli desiderare di esser morto con quei sogni perduti: “Foss’io pur morto insieme con voi: ché, almeno, /felice avrei, per sempre, abbandonato/ questo vano soffrir”. Ma se questo è il destino dell’uomo, “Perché allora sognare una Patria che sia Amore? Perché desiderare di vederci fratelli/ nel sogno che, una volta fu già infranto,/ ai piedi della torre di Babele,/ dal Dio D’Abramo, con le cento lingue”? Perché dunque sperare ancora nell’uomo, capace di infinita tenerezza come di godere dell’altrui dolore; consapevole della propria miseria, eppure superbo al punto di rinnegare “l’Eterna Presenza”? Non esistono risposte: l’unica certezza è la morte, ribadita in due meste composizioni, Se l’anima stanca… e Tutto dovrà finire, nelle quali il poeta sembra ripiegarsi su se stesso, negandosi ogni consolazione che non sia l’ “orrido buio di una fossa. Tutto il resto è vano, come vano sembra essere stato persino il sublime Sacrificio della Redenzione. Cupa scende la notte sull’anima del poeta, ed avvolge, in Golgota, anche le tre croci piantate nella storia dell’umanità ad implorare/ inutilmente; – “Padre che sei nei cieli, /venga il tuo Regno” –.
Canti della speranza
A volte basta un raggio di sole per squarciare improvvisamente l’abisso di tenebra in cui l’anima si sente precipitare, senza riuscire a trovare appigli. È il “Sole di Speranza”, che in Pioggia, una delle sette poesie confluite in questa sezione, “fuga le nubi” della morte col suo “dolciastro odor di cimiteri”, le nubi del rimpianto e della sofferenza. Dopo le cupe e desolanti visioni dei Canti della disperazione,
l’anima comincia a rasserenarsi e timido germoglia il virgulto della speranza. Che non genera però una condizione di gioia libera e incondizionata, quanto piuttosto un senso di serena e distaccata accettazione. Ha un nome ben preciso la speranza che colora i versi del poeta: è la Fede, quella stessa fede che pure Renato Di Domenico era giunto a negare nei momenti di più sconsolata disperazione. Ma che ora torna a riemergere, a rafforzarsi e a dare un nuovo senso alla vita. “Ma tu risorgerai, Cristo adorato,/ dalla funesta tomba in cui gettato/ t’hanno color che amavi!”, scrive in Ritorno; “Ti troveremo, alfine, sulla strada/ del dolor nostro”, “noi che siamo nel pianto, nel peccato,/ noi che soffriamo sotto il giogo amaro”. Così, se pure il poeta paragona la propria anima ad una rosa, – che in Morte di una rosa avvizzisce nell’amarezza e nel rimpianto, in un “misero boccale,” affilando invano le sue spine che vorrebbero rispondere al male – improvvisa insorge la speranza della Fede. “Spine mie”, scrive Di Domenico, “voi la conoscete/ quella Santa Parola/ di un’altra dolce Rosa/ profumata d’amore,/ che fu inchiodata in croce!/Perdoniamo in suo nome!”. E ancora, “in Lui confidate!/ Come un Eterno fiume,/ la sua Giustizia scorre, lenta, a valle,/ ma giunge sempre al mare!”. E questa speranza riaffiora incrollabile anche ne La mia Patria. Malgrado il tono aspro, di condanna, del poeta nell’elencare i motivi di disprezzo che lo inducono a concepire questa vita come esilio (“La Patria vostra, non è la mia Patria!”), si avverte come in questa spietata requisitoria egli sia in realtà sorretto dalla certezza della Fede. “Lascerò questa prigione/ e correrò, lontano, a ricercare/ la vera Patria che mi fingo in cuore:/ Patria dell’intelletto e che ha per Legge/ la pura e santa Legge dell’AMORE”.
Al centro della poesia successiva, Quando col passo incerto…, è invece la morte, che già ne La mia patria era stata evocata quale la grande liberatrice dal capo cinto, di “Luce fiammeggiante”. Con lei il poeta intreccia un muto colloquio, con la confidenza che nasce da una lunga familiarità: “Quando, col passo incerto degli anni miei canuti,/ io busserò alla porta del tuo castello nero/ non mi fare aspettare”. Non lo angoscia l’idea della morte, che pure potrebbe rivelarsi annientamento (“Se pure io m’annientassi, non lo potrei sapere:/ e il non sapere è Bene, è il ritornare al Tutto”), o orrido baratro di sofferenza (Se pure vi trovassi le fiamme dell’Inferno/ altro non avrei fatto che traslocar di casa!”). Perché l’altra possibilità è che dopo essa, vi sia “quella Luce Divina cui nella vita ho dato/il nome di Giustizia, di Dignità, di Bene/ d’Amor che tutto dona, di Gioia senza dolore”.
Ma è nella lunghissima poesia dedicata A Giuda che questa speranza emerge in tutta la sua forza. Giuda è il traditore, l’uomo maledetto e condannato dagli uomini, al quale nulla viene perdonato. Da questa immagine Di Domenico prende spunto per un’appassionata difesa dell’apostolo, vittima del suo fato, che tardi per errore di comprensione e per eccesso d’amore. “La Divina Semenza/ che intorno a sé spargeva/ di Nazareth/ il Figlio, di paese in paese,/ il tuo cuor non intese/ nel suo Valore Eterno/. Tu pensasti/ad una troppo umana e vana gloria,/a un sogno di vittoria,/a un Davide risorto/dal passato”.
E quando intuisce la verità, nel vedere il Signore teneramente amato deriso, percosso e beffeggiato dalla folla, ecco la disperazione. Bellissima e commovente la descrizione di Giuda, che assiste impotente al calvario del Cristo: nei suoi occhi si riflette tutto l’orrore derivato dal suo gesto, l’anima è straziata dal rimorso, dal pentimento, dalla piena di quell’ amore che non può più raggiungere il suo oggetto, il Cristo in agonia. Solo la morte, forse, potrà dare un po’ di quiete al suo cuore.
Cala il silenzio della notte, per Giuda è la notte dell’anima. Ma a lui s’avvicina un’Ombra: “Quest’ è il Rabbi. Egli è per te, ti guarda silenzioso/e tu, su dal penoso/baratro della morte/già risali”. Dolcissime e sommesse risuonano le parole di Cristo, parole d’amore, di comprensione e di perdono. Per Giuda, simbolo di eterna condanna e maledizione, si spalancano le porte della misericordia divina: “Molto vien perdonato/ a chi molto avrà amato/ pur errando”. E l’invito a seguirlo è il balsamo prezioso capace di lenire l’angoscia, il dolore e la disperazione di una vita.
Li canti der core
Molti dei motivi, che sono alla base dell’ispirazione dei canti in lingua, ritornano nelle 108 composizioni in vernacolo, che tuttavia si distinguono dai primi innanzitutto per la loro brevità Quindi per l’assenza di toni aspri, di visione cupe. La grande varietà di motivi che vi compare appare filtrata da una sorta di bonaria saggezza popolare, di disincantata ironia, che dà origine a visioni più lieve e serene.
Questa caratteristica accomuna i tredici Canti der core, aperti da Era poeta, sorta di manifesto programmatico di Renato Di Domenico, che intende subito affermare la singolarità della sua esperienza di vita. Egli è un poeta, cioè “un omo poverello/ che vive come l’antri, ma che era core/cià fatto a’ nantro modo! Non è quello/de tutti l’antri! È fatto pe’ l’Amore” e per creare “bolle de sapone luccicanti/ che se chiamano sogni”, destinati immancabilmente ad infrangersi in mille gocce “piene d’amarezza”, come l’Autore scrive in Sogni svaniti, ma subito rimpiazzate da nuove evanescenti bolle, da nuovi sogni, che danno alla vita un tocco di calore e fanno palpitare il cuore.
Si snoda, in questi canti, l’intimo colloquio del poeta con se stesso. Anche quando sono strutturati in forma di dialogo, o sono dedicati ad una persona cara, riflettono in realtà stati d’animo del tutto soggettivi. Così, in Risvejo, il cuore del poeta si desta dal torpore dei sogni infranti e accelera i suoi battiti per affermare la certezza che amore, bontà, fede, costanza “so parole ancora buone” per tutti gli uomini, parte de “ ‘na gran Tela che Dio annoda!”. Quindi rammenta a se stesso la fuggevolezza dei sogni, degli ideali puri della giovinezza, paragonati a delicati fiori di campo (Li fiori), o a farfalle dalle ali variopinte (Le farfalle) che, strette tra le mani, muoiono lasciando sulle dita solo un po’ di polvere gialla.
Che queste poesie siamo il frutto di momenti di maggiore serenità è confermato da Befana 1963. Non c’è qui la dura ironia che aveva caratterizzato una simile composizione in lingua, ma solo un dolce e al contempo divertito rimpianto di fronte ad un sogno che si infrange.
Povera Befana! Anticipata di una settimana per permettere al ministro di “anni a sverni a Cortina”. Povera vecchia strumentalizzata dagli uomini ormai incapaci di sognare.
Ugualmente pacato è il tono di due composizioni, Pasqua senza rondini e Anniversari, dove il poeta si sofferma a meditare sul passare del tempo, che attenua anche i legami affettivi più forti (i figli, qui descritti come rondini che tornano sempre più raramente al nido), e fa tornare il cuore, con un sospiro forse un po’ amaro, agli anni passati, splendenti di sogni e di bellezza. Dunque una poesia fatta di piccole cose, di quotidianità d’affetti, a volte un po’ ingenua, ma coinvolgente.
Li sonetti pe’ l’emigrante
Alla figlia Annamaria “piccola e testarda emigrante Svizzera”, sono dedicati i 12 sonetti “pe’ l’emigrante”, vibranti di tenere note. È il cuore del padre che parla, servendosi degli argomenti della saggezza acquisita attraverso la sofferta esperienza, per colmare con questi versi la nostalgia per la lontananza della figlia, “passerotto emigrante” alla ricerca di un’impossibile terra promessa.
Celebrano, questi sonetti, gli affetti più intimi e cari (Partenza e Si voi cercà fortuna); esortano alla speranza (Pasqua 1963); mettono in guardia dal disinganno (Er mondo). E la voce del poeta si incrina per la tenerezza quando descrive quella figlia tanto giovane, eppure tanto giudiziosa nel far quadrare il suo bilancio (Li conti de Annamaria), nel risparmiare per il famoso orologio svizzero, destinato ad occupare il posto d’onore nella casa che la vedrà sposa e madre (L’orologio a pennolo).
Sullo sfondo Roma, luminosa e solare sotto il cielo azzurro, palpitante di vita e d’umanità. Roma con le sue contraddizioni, i disagi, i disservizi, la corruzione, eppure sempre bellissima.
Riflessioni
Un’umanità composita e varia popola queste Riflessioni, che hanno il sapore di favole antiche. Sono considerazione agrodolci che nascono dalle situazioni più varie, per muovere alla ricerca di un insegnamento, di una regola morale che possa essere valida per tutti. Un’altra caratteristica sembra accomunarle: la tendenza a dividere l’umanità in buoni e cattivi, o meglio in “Poeti” e realisti. Realisti sono coloro che si adattano, che scendono a compromessi, che rinunciano ai sogni per arrabattarsi, con i mezzucci più impensati, e così seguire il gregge che nella sua transumanza si dirige ormai verso un mondo sempre più povero di luce d’idealità.
È il caso de Li pesci piloti, “cristiani/un po’ vijacchi e un po’ fregnoni e idioti” che, nati “senza core”, aiutano i “pescicani” a procurarsi il cibo, accontentandosi delle briciole.
O ancora del povero marito che, in Corna e denti, si adatta alle circostanze per ricavarne evidenti vantaggi materiali: “Vedi, le corna so, pei poverini,/quello che da ragazzino, so li denti:/un gran dolore al principio, se sa,/le danno certo, ma dopo che quelli/so ben spuntati,/l’aiuto a magna”.
“Poeti”, invece, sono quelli che non rinunciano ai sogni e agli ideali: forse uomini di serie B per un mondo sempre più edonista e materialista; uomini certamente destinati a soccombere nella giungla della vita. Inutile dire che le simpatie del poeta vanno tutte a questi ultimi. Sono le persone oneste di Er compresso de la giustizia, che quando sono chiamate a giurare “tre meno tutte, mentre a dilinquente che conosce i segreti de mestiere,/de la Giustizia non je frega gnente”. Sono quelli che vivono come cicale, in La cicala e la formica: cantano nel sole e nell’azzurro un meraviglioso inno alla libertà e alla vita, non curandosi dell’inverno che le ucciderà, né preoccupandosi di “cumulà quadrini” come le prosaiche formiche.
La tendenza a trarre spunto da piccole cose, per poi generalizzare, è già evidente nella poesia che apre la sezione e le dà il titolo, Rifressioni appunto. “Ho visto jeri, a la televisione, / che l’omo da seicentomila anni/passeggia su ‘sta terra!”: è il punto di partenza per l’amara constatazione che, malgrado i progressi fatti, quest’uomo non è riuscito ad avanzare di un solo passo lungo “la via der Bene e der Divino”.
Ed ogni epoca ha i suoi mali: quello del tempo presente sembra essere il dilagante diffondersi dell’Arriccommannazione. Il mezzuccio cui si ricorre per ottenere al più presto vantaggi materiali: il merito personale non c’entra. Meglio allora, sostiene polemico il poeta in Er verme dritto, vivere come il verme, deriso perché costretto a strisciare e a mangiare terra, ma consapevole del proprio radioso avvenire: ”Sta vita nun dole,/si può servimmo a diventà farfalla”. Meglio star seduti in poltrona, che recitare sul palcoscenico di quel “Teatrone” che è la vita: finzione, inganno.
Certamente uno spettacolo vario e mai noioso quello della vita; ma in sostanza pochi tra gli attori sono uomini veri, quelli che Diogene ricercava col suo famoso lanternino, senza peraltro trovarli (L’ommini veri).
Tutti gli altri sono vane ombre che s’affannano, come lo scarabeo (Li stercorari), ad ammucchiare “li quadrini/che su ’sta terra so’ sortanto cacca”; ad inseguire effimeri successi in questo mondo “fatto a scale”, senza ricordare che per tutti, per chi scende e per chi sale, è fissato nella vita l’ineludibile appuntamento con la morte (Le scale).
Questo è l’essenziale: tutto il resto è fuggevole e transitorio. Tali sono i sogni. Ma tali sono anche le lusinghe del mondo, abituato a ricompensare più le apparenze del merito che il merito stesso. Penserà la morte, che pur comparendo esplicitamente qua e là proietta comunque la sua lunga ombra scura su quasi tutte le Rifressioni, a ristabilire la giustizia, è l’amara morale di queste favole lievi.
Epigrammi
Sono, i 34 Epigrammi, brevi componimenti poetici caratterizzati, nel solco della migliore tradizione classica, da un contenuto argutamente pungente e satirico. Spettatore disingannato e disilluso, il poeta intende colpire, con la sua critica sferzante e talvolta corrosiva, gli aspetti e i costumi meno edificanti della società, senza risparmiare qualche frecciatina anche alla religione. E così suoi bersagli diventano i moderni farisei, sepolcri imbiancati dal cuore di vipera, che svuotano la fede cristiana dei suoi contenuti più alti (Er padrenostro de li baciapile).
O anche i preti, di cui Renato Di Domenico traccia un ritratto spassionato e crudele ne “Er prete de qualunque religgione,/cià tre segreti grossi/ pe’ campà sempre in gloria e fotte i fessi:/vestisse differente/ pe’ dasse arie da granne sapiente;/nun lavorà e all’opposto,/fa lavorà, pe’ lui, la gente a posto;/ predicà er Bene, e invece,/fa sempre solo quello che je piace”.
Si tratta in alcuni casi di piccoli compendi di saggezza popolare che il poeta, uomo certo non privo di cultura fa sua con divertita ironia. Ne sono un esempio alcune lapidarie definizioni, come quella della Calunnia; della Cultura, “compreso/ de tutte quelle cose che se sanno/ pe fatte capì mejo che so’ tante/ quelle che tu nun saj, né mai saprai/ e che perciò sarai/ fin’a la morte un povero ignorante”; della Ricchezza; della Religgione; della Vedova, “automobile comprata/dar venditore de siconna mano”.
Altre volte quest’arguzia così popolaresca cede il posto ad una critica al vetriolo, soprattutto quando il poeta tocca gli argomenti che maggiormente gli stanno a cuore: la perdita di valori quali l’onestà (Li veri onesti e Punti di vista); la giustizia (Rincaro de la vita); l’amicizia (L’amichi veri).
Oppure quando sferza, con implacabile accusa, la corruzione dilagante nella pubblica amministrazione, come in Errori.
Ma non mancano, in questi epigrammi, delicate definizioni, nelle quali la vena poetica dell’Autore affiora più ingenua, liberata dai toni acri. S’apre il suo cuore nel descrivere La bellezza con le immagini eteree di mandorli fioriti, di foglie che vibrano “nell’incanto/de “na notte d’estate”, ammaliante e profumata. E disteso è il tono di Pe’ fa contento er core…, che conferma come Di Domenico sia soprattutto poeta di visioni serene.
Sonetti sporcaccioni
Pirotecnici e divertentissimi i 17 Sonetti sporcaccioni che, come Di Domenico avverte nella Dedica, “nun so dedicati/ all’orecchie gentili de le donne”. Sfila, dinanzi agli occhi, una galleria di personaggi, che rappresentano tipologie ben definite: l’anziana maestra che, sensibile al fascino della natura a primavera, ripensa con sospiro amaro ai bei sogni perduti di giovinezza e alle gioie dell’amore, a lei ormai negate, ma non certo sconosciute (La maestra zitella); il disincantato scolaretto, che forse già pregusta la soddisfazione che proverà nel suscitare l’imbarazzo dell’insegnante per l’ambigua risposta ad un quesito (Le riflessioni de Richetto); lo studente mangiapreti, fresco di collegio, cui non par vero di potersi finalmente prendere una piccola rivincita sui preti (Lo schiaffo); il prete gaudente, ma accorto nel valutare le “avances” dell’intraprendente parrocchiana (Er confessore dritto); le popolane maliziose, certo non insensibili ai richiami della carne (La confessione e Er diavolo scioto).
È un’umanità composita, ma allegra e divertente, che popola le strade di Roma, dandole un tocco di colore. Conscia delle proprie debolezze si lascia trascinare senza troppi rimorsi dalle passioni più terrene e materiali. Ma non c’è condanna nei versi del poeta: bonaria indulgenza, nel mettere alla berlina i suoi vivaci popolani, ed anche un pizzico di divertita comprensione. Perché, in fondo, la vita è anche questa.
postato da: laureato alle ore 03/11/2010 10:07 | Permalink |
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martedì, 26 ottobre 2010
copertina marina giudicissi angelini 2010
postato da: laureato alle ore 26/10/2010 04:44 | Permalink |
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martedì, 26 ottobre 2010
marina giudicissi angelini
Marina Giudicissi Angelini
Interpretazione esoterica dell’astrologia
saggio
Editrice Totem
Prefazione
Questo libro di Marina Giudicissi Angelini rivela una consolidata maturità dell’Autrice, che da anni indaga gli aspetti esoterici dell’astrale, e costituisce un fortissimo stimolo ad andare avanti nell’approfondimento di questa branca dell’astrologia, ancora così poco trattata ma destinata ad espandersi, e che risulta di fondamentale importanza per le persone che hanno a cuore la propria evoluzione spirituale.
Obiettivo dell’Autrice è quello di riuscire, in un certo senso, a familiarizzare e ad avvicinare noi tutti in modo concreto, pratico, a questa scienza nuova seppure antichissima nelle sue origini, perché, così come ancora la percepiamo noi, appare troppo astratta e talvolta lontana dalla nostra realtà quotidiana. Né posso sottacere una delle spiegazioni più logiche del perché l’Astrologia funzioni, nonostante la sua apparente irrazionalità: il principio o legge di sincronicità, formulato da Carl Gustav Jung.
Quindi le preziose incursioni nel serbatoio cosmico della memoria collettiva suggeriscono un potere terapeutico nei confronti del mondo moderno desacralizzato e in crisi, laddove l’uomo deve cercare altrove, nel suo profondo, le sorgenti della propria vita spirituale.
E per trovarle deve individualmente indulgere nelle meditazioni puntualmente indicate dall’Autrice con un paziente lavoro in filigrana, di sfumature, percezioni, intuito in un’opera di grande artigianato.
Astrologia e meditazione sono un binomio capace di portare armonia attraverso le forze archetipiche e sinergiche, intrinseche alle due discipline. La prima è la scienza che studia l’uomo in tutte le sue più affascinanti sfaccettature e ci insegna ad approfondire la conoscenza della nostra multidimensionalità. Citando Liz Greene, èuna lente che utilizza un genere particolare di immagini o modelli simbolici, per dare un senso a modelli di vita più profondi che sarebbe, altrimenti, difficile comprendere a livello intellettuale.
La meditazione è una tecnica che ci aiuta a vedere meglio dentro di noi, a contattare le energie del Creato e a collegarle al nostro mondo interiore, per trovare benessere, equilibrio e felicità, quali diritti inalienabili di ogni individuo nella sua interezza.
L’astrologia esoterica è intuitiva, perché solo con l’intuizione ci è dato di comprendere i misteri e i significati delle cose, e nell’avvicinarci ad essa dobbiamo sempre ricordarci che non siamo ancora in grado di comprenderla a fondo, a causa della nostra condizione evolutiva ancora permeata dall’illusione e dalla personalità.
Quindi, è inutile che chi si avvicina allo studio dell’astrologia esoterica parta con la presunzione di volere comprendere tutto, dato che un approccio efficace dipende dal grado evolutivo e iniziatico dell’individuo.
Pertanto, Marina Giudicissi Angelini esplicita i limiti che l’uomo troverà nel capire alcune delle innumerevoli relazioni e connessioni energetiche che interagiscono a livello cosmico, sistemico, planetario e individuale.
La ricerca intuitiva, quindi, sarà inizialmente dedicata a comprendere i 7 raggi e come si manifestano attraverso le costellazioni e i pianeti per arrivare fino a noi, così come le 7 note musicali, attraverso infinite sfumature e vibrazioni, riescono a creare armonia di suoni.
Di queste plurime combinazioni che pervadono l’universo, per ora questo libro prende in esame solo una parte, ovvero solo quelle energie che sono atte a manifestarsi sull’Umanità, e quindi sull’individuo, per aiutarlo nella sua evoluzione.
Gianfranco Cotronei
postato da: laureato alle ore 26/10/2010 04:38 | Permalink |
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martedì, 26 ottobre 2010
editrice totem
Marina Giudicissi Angelini
Interpretazione esoterica dell’astrologia
saggio
Prefazione di Gianfranco Cotronei
N. 35 COLLANA IMPORTANT
Editrice Totem
postato da: laureato alle ore 26/10/2010 04:20 | Permalink |
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mercoledì, 11 agosto 2010
angela di paola
Prefazione
La poesia di Angela Di Paola rientra nel solco di quella neolirica che in questo ultimo decennio ha ripreso insolito vigore traendo origine dai sentimenti forti e profondi che l’ispirano, modulandosi sul respiro ritmico, seguendo il percorso ondivago della memoria, delle manifestazioni del pensiero, che non rispettano l’ordine imposto dalla logica e dalla razionalità, ma si protendono ad ascoltare la voce segreta dell’inconscio ed anche le varie voci delle associazioni e delle analogie, che la fantasia creatrice suggerisce.
Questa prima raccolta, che segna un esordio letterario, contiene il diritto e il rovescio della vicenda umana, quello sul quale, a partire dalla propria, l’Autrice crea immagini belle in un fluire lento, melodioso di versi che raccontano e ci offrono il film di una vita apparentata alla poesia, luci e mondi che forse esistono… così giungono le poesie così… le vite…
Troviamo poeticamente vivo un simbolo quale solo l’immaginazione femminile può elaborare: la vita è una carta bianca che dopo essere stata imbrattata da inchiostri di tutti i colori diventa poesia – nello stesso tempo terrena e immortale – delicata e ignara fanciulla piccola potente dea dell’eternità.
L’uso polisemico dei vocaboli, la suggestione esercitata dal loro inedito e imprevedibile accostamento rinviano ad una più profonda riflessione, che il lettore deve conquistare laddove la parola suggerisce e anticipa, nella sua visiva immediatezza, resa più efficace dagli effetti incrociati, un percorso interiore che arde nell’infiammato crogiuolo di contrastanti emozioni, sensazioni, passioni. Ecco perché d’amore parla soltanto il silenzio capace di abbracciare l’immensità di un estro che vive nella breve distanza dei nostri sguardi. Incomplice, rispettoso, avvolgente, protettivo silenzio, il momento dell’unione intima, quella che si realizza nella fusione di due anime, quella che rende inconsistente qualsiasi distanza, viene così ad assumere una profonda sacralità, come se l’unione degli umani si estendesse, in profonda comunione, al cosmo intero.
Due le sezioni della raccolta: una dedicata ai piccoli, l’altra ai grandi. La prima naviga nel mare privilegiato di un’espressività autentica, con tenere scenette di dolcezza infantile, momento di ingenua e incantata verità che fa da scudo ad una realtà avvelenata dal rumore, dal consumismo, dall’indifferenza. Pertanto Angela Di Paola suggerisce che la sola verità possibile è quella che nasce dall’animo e che attraverso i suoi battiti accende di senso e significato ogni dato esterno.
Così gli elementi tratti dal mondo intimo e familiare, insieme privato ed universale, dal sapore domestico, dal gusto casalingo diventano i simboli di una stagione del cuore e della vita, che il bimbo o la bimba non dimenticherà mai. Anche in questa sezione dedicata ai bambini l’Autrice adotta senza esitazioni una metrica sciolta, libera da vincoli formali, dove la musica del verso viene fatta coincidere non con astratti schemi imposti dalla tradizione ma con lo scorrere del pensiero e delle emozioni.
èla giovialità, l’ottimismo della fanciullezza a far capolino, sono i colori dell’ingenuità; ciò che davvero importa è il messaggio positivo, la luminosa eredità affidata ai bambini, valido oggi più che mai nel nostro mondo in tempesta, che sovente avalla e legittima, variamente declinata, l’aggressione (sopraffazione, violenza, morte) come condizione estranea alle categorie del bene e del male.
Niente è superfluo in questo libro, dotato di una capacità espressiva sorprendente all’interno di metafore fra le più individuate e le più valide, vere implosioni del cuore che fanno da contro canto al silenzio dei pensieri. Vi è la nostalgia di un progetto utopico che conosce la funzione liberatoria e catartica della parola, fatta luce e mistero di un’avventura che si mostra senza scarti, senza sbavature, in un cammino interiore marcatamente sfrondato di residue scorie, dove le rivisitazioni appaiono talmente coinvolgenti che alcuni momenti possono diventare eterni… innalzare grattacieli nell’anima, ma vi è, anche, sottesa la speranza della gioia di vivere, nonostante tutto.
Monica Di Martino
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sabato, 24 luglio 2010
implosioni del cuore
EDITRICE Città di Anzio
TOTEM Assessorato Cultura
hanno il piacere di invitarla
alla presentazione del libro di
Angela Di Paola
Implosioni del cuore
poesie
venerdì 30 luglio 2010
ore 17,00
Sala degli Specchi
Paradiso sul mare
Anzio
Interverrà
Monica Di Martino
Voce recitante
Alberto Ruocco
Tel. 338/6521246 – 06.90286930
ingresso libero drink
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lunedì, 19 luglio 2010
angela di paola
Angela Di Paola
Implosioni del cuore
poesie
Prefazione di Monica Di Martino
N. 36 COLLANA CANTI
Editrice Totem
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martedì, 29 giugno 2010
teodoro cutolo
Renato Di Domenico
TUTTE LE POESIE
N. 11 COLLANA CANTI
Editrice Totem
1991
Prefazione
Renato Di Domenico, poeta sensibile ma soprattutto un uomo che ha dedicato grande parte della sua vita alla poesia; l’arte più vicina all’animo umano e che esprime i sentimenti più profondi dell’uomo.
Ed è dell’uomo che Di Domenico canta nei suoi versi con un linguaggio vivo ed animato, sostenuto da una scaltrita esperienza della tradizione della poesia romanesca. La sua è una sensibilità che potremmo definire “di uomini che sono quello che sono” e cioè anime sopraffatte dal dolore e a volte dalla disperazione ma capaci di riscattarsi per ritrovare serenità e compostezza in una realtà che in fondo non è ostile, anzi ci accoglie con un rassicurante abbraccio.
L’originalità del poeta sta nella capacità di tradurre in immagini altamente liriche i grandi temi legati all’uomo, con un linguaggio sempre ricco e privo di metafore.
Un poeta dalla singolare potenza, una forza traduttrice di quei suoni, di quelle sensazioni così concitate e piene di sincero abbandono.
L’adozione di una lingua viva come il dialetto romanesco, la presenza imperiosa del popolo, la vocazione realistica fanno di Renato Di Domenico un artista suggestivo, estremamente attento che legge la realtà contemporanea con sguardo benevolo ed affettuoso, anche quando la sua poesia assume toni aggressivi.
Nei suoi versi ritroviamo non solo l’uomo ma Roma con tutto il suo fascino particolare ed unico. Una città che spesso può risultare difficile per coloro che la vivono ma nello stesso tempo generosa, seduttrice con la sua atmosfera fatta di luci, ritmi e di grandi slanci umani. È la stessa Roma che Di Domenico amò e descrisse con cruda verità in tutti gli aspetti, anche i meno edificanti, con sofferenza, ma con amore profondo e senza remore. Un amore che diventa catarsi di un mondo a volte difficile da accettare.
La poetica di Renato Di Domenico rivela l’animo di un artista integro, che dietro la semplicità del linguaggio nasconde un uomo colto ma anche amareggiato e pessimista. Un pessimismo che alcuni hanno voluto paragonare a quello del Leopardi; diversamente però dal poeta recanatese, Di Domenico non si fa dominare da questo stato d’animo ma se ne serve come mezzo per comunicare le sensazioni dettategli da quella realtà- causa di tante sue sofferenze- che non rinnega, anzi continua ad amare e ad essa inneggia.
Teodoro Cutolo
Assessore alla Cultura Regione Lazio
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domenica, 27 giugno 2010
copertina alessia novara
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domenica, 27 giugno 2010
diletta di paola
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domenica, 27 giugno 2010
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domenica, 27 giugno 2010
- 475
Ada Rescigno
K. 475
Prefazione di Monica Di Martino
- 49 COLLANA CLAN
Editrice Totem
Prefazione
Ada Rescigno, al suo esordio letterario, attraverso le pagine di questo interessante romanzo lancia un invito a conoscere la vita anche tramite il sentimento del tragico e la seduzione del male.
La sequenza narrativa sempre lucida e rigorosa – quasi fosse una sceneggiatura per un film – si sviluppa sullo sfondo di un lager tedesco all’interno del quale si dispiega l’alternarsi dell’odio, foriero di violenza, e del desiderio che sfocia nell’attrazione: i due elementi chiave che si amalgamano nel rapporto in cui si trovano coinvolti i due protagonisti: Elenaè una giovane ebrea, Herman èun ufficiale delle SS.
I due subiscono reciprocamente una pulsione incontrollabile, che li porta ciascuno verso l’altro, trovandosi in un vissuto tanto sgradevole quanto lubrico, tanto più esecrabile in quanto funzionale a far emergere le prove dell’ambiguità della natura dell’uomo in unrapporto in cui odio e attrazione, stupore e crudeltà si intrecciano e i gusti perversi dell’aguzzino sono in qualche modo favoriti dalla voluttà autodifensiva-autodistruttiva della vittima.
L’esplorazione dell’inconscio e, per questa via, l’esame del nazismo come momento della storia in cui non la follia ma i meccanismi della violenza e dell’autopunizione esplodono fra quinte sinistre sono, infatti, condotti in K. 475 con una inesorabile forza di scandaglio. E fa bene l’Autrice a non lasciar posto alla pietà e nemmeno all’indignazione laddove il nazismo è un’occasione di cronaca, assunta nella torva contemplazione di un ribrezzo universale, pronto a ripetersi, oggi come ieri, ovunque dal sottosuolo emergano le radici inconsce dell’uomo.
Per raggiungere questo coinvolgente traguardo, Ada Rescigno ha percorso la storia di Elena ed Herman con grande drammaticità senza enfasi, in ambedue i suoi due versanti: lui e lei nel contrappunto del ricordo, all’ombra del turpe inferno che ha per sfondo una livida villa con vista sulle vergogne di un campo di concentramento.
Deportata a vivere una situazione agghiacciante, Elena vive l’orrore e la violenza di Herman come unica possibilità di contatto e come unica entità reale presente nel suo mondo e nella sua voglia di sopravvivere comunque.
Né possiamo sottacere fra le intenzioni dell’Autrice che K. 475 impone anche una lettura psicoanalitica e sociologica: si tratta, infatti, di una favola nera che è anche apologo sulla condizione della coppia nella nostra società. Soprattutto nella prima parte – quando parla Elena – il libro ha il timbro e il respiro di un piccolo classico; anche per merito di una narrazione densa che impegna allo spasimo in un duello che ipnotizza il lettore nell’affrontare la tematica di una trasgressione sessuale disturbante ed oscura.
L’incedere è veloce, fin dalle prime righe l’Autrice ci fa penetrare una corposa brutalità resa ancora più inverosimile dalle avvincenti descrizioni di una dolcezza insperata interrotta bruscamente da quelle di una feroce spietatezza. La logica assunta da Herman è quella di una costante verifica del suo dominio assoluto su Elena, nell’ambito di un progetto mirante alla distruzione fisica e psicologica della giovane ebrea, al totale annullamento della sua individualità.
Ma ecco che si introduce quell’anello di congiunzione, peculiarissimo, che sconvolge qualsiasi aspettativa: la musica. La sonata K. 475 di Mozart, quella che segna la svolta iniziale e la risoluzione finale, s’incunea nelle pieghe del romanzo in una maniera inaspettata attraverso l’interpretazione di Elena.
Tonalità, atmosfera, inquietudine e sofferenza accomunano la narrazione letteraria alla composizione musicale: il parallelismo tra il ritmo fisico e psicologico impresso dall’Autrice ai due protagonisti e quello di cui è permeata la sonata di Mozart scaraventa sul lettore una tale scarica inconscia dalla quale non si può venir fuori indenni.
Il che vale a dire che nessuno, dopo aver letto questo libro, può rimanere uguale a prima.
Straziante, malinconico il brano K. 475, in un’atmosfera silente interrotta solo dalla sua esecuzione, sembra inizialmente implorare al suo spettatore, sulle note di un mesto lamento, il perché della condanna inflitta per poi abbandonarsi ad innesti felici di antichi, vaghi ricordi e concludersi, finalmente, con il dileguamento di tutte le tensioni.
Raffinata e nuova è, dunque, la gestione narrativa da parte di Ada Rescigno di uno scabroso ménage a trois laddove fra la vittima consenziente e l’aguzzino gaudente si inserisce il pianoforte che assiste a sensuali sfioramenti e percepisce inconsce pulsioni erotiche. Lo strumento musicale abituato a vedere maestri e allieve dialogare con le note musicali, stavolta è complice di un dominio cercato da Herman e voluto da Elena.
Ben presto, infatti, la musica comincia a rappresentare per la giovane ebrea la possibilità di recuperare l’umanità perduta e di sentirsi viva. La consapevolezza che la propria sopravvivenza è legata al suo aguzzino si trasforma nella rivelazione del proprio innamoramento, nel desiderio tanto assurdo quanto inaccettabile di essere amata. In più, l’abbattimento progressivo di qualsiasi baluardo difensivo nel protagonista maschile, percepibile fin già dalla scelta della vittima, lascia intravedere un’intercambiabilità dei ruoli che svuota la consueta dicotomia vittima-carnefice fino ad invalidarla.
L’aver vestito i protagonisti di questa sessualità negli abiti di un nazista e di un’ebrea presuppone, sul finale, il momento in cui Elena è reinserita nel mondo civile ma si tratta di un movimento solo apparente: l’annichilimento patito è tale da non riuscire ad essere donna in alcun modo che con lui; ritrovando l’amore per Herman, in un contesto che permetterebbe di denunciare il proprio aguzzino, la passione tra i due è così forte e follemente lucida da trascinarli pian piano e con dolcezza verso una fine inevitabile e struggente.
L’epilogo ruota tutto sulla drammatica contraddizione dei sentimenti provati e ritrovati e la soluzione finale irrimediabilmente necessaria.
I personaggi di K. 475non si illudono di poter cancellare il passato e di poter camminare a testa alta senza rimorsi e senza dolore, bensì sanno di non poter sfuggire all’amore tragico e inaccettabile che li lega in un destino di morte.
Quel trapasso, allora, che chiarifica l’assenza, nel romanzo, di vinti e vincitori, è la metafora suggerita da Ada Rescigno di un lento delitto consumato dentro i protagonisti e l’emblema del loro suicidio interiore: l’uno come presunto carnefice l’altra come supposta vittima.
Monica Di Martino
postato da: laureato alle ore 27/06/2010 18:23 | Permalink |
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domenica, 27 giugno 2010
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domenica, 27 giugno 2010
Ada Rescigno
Ada Rescigno
K. 475
romanzo
Prefazione di Monica Di Martino
N. 49 COLLANA CLAN
Editrice Totem
Elena ed Herman, vittima e carnefice in un campo di prigionia polacco. La razza li divide come un muro insormontabile, la musica di Mozart li unisce e li coinvolge in una passione che, superando tutti i vincoli etici, li porterà inevitabilmente ad una discesa progressiva verso l’abisso.
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lunedì, 14 giugno 2010
anna galia
Anna Galia
Donna perversa
romanzo
Prefazione di Nicoletta Gigli
N. 47 COLLANA CLAN
Editrice Totem
ISBN 978-88-96690-04-8
©COPYRIGHT 2010 BY EDITRICE TOTEM
VIALE ACQUA MARINA 3
00042 LAVINIO LIDO – ROMA
TEL. 06/90286930 – 338/2441260
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TUTTI I DIRITTI RISERVATI
VIETATA LA RIPRODUZIONE ANCHE PARZIALE
Ottimizzazione redazionale di Monica Di Martino
Anna Galia nasce nel 1964 a Goblino, un piccolo paese dell’Ucraina. A 18 anni si trasferisce a Mosca per poter frequentare la scuola di recitazione e nel contempo dipinge e vende quadri in Via Arbat, una sorta di via Margutta, fino agli inizi degli anni ’90, quando il destino la fa approdare a Roma, dove vive tuttora. Attraverso le sue mostre riesce presto ad affermarsi in ambito nazionale ed internazionale. Alcune sue opere, sono esposte nella galleria londinese Christies Auction.
Artista a 360 gradi, debutta con questo libro che fin dal titolo promette sorprese…
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domenica, 13 giugno 2010
donna perversa – romanzo di anna galia – editrice totem
Prefazione
Chi è veramente una escort?
Si potrebbe definire la chiave di lettura di una società eretta sulla simulazione, istituita sull’ambiguità dei rapporti e sull’irriverente antinomia tra immagine pubblica e privata.
La escort è il confessore dei tempi moderni, che mette a nudo l’uomo accogliendone l’essenza indecente ben celata da sembianze pure e genuine, ove i decantati valori personali spesso sono solo fittizie cinture di salvataggio per mantenere il proprio posto in politica o in TV.
Una professionista del sesso racconta la sua attività costruita su macigni di incertezze, sofferenze, delusioni e disincanti, ma liberamente dichiarata: un’artista sensibile e raffinata che mette in vendita le sue opere, alcune strette da preziose cornici, altre da facoltose braccia, dipingendo autorevoli perversioni, potenti quanto discrete e anonime, legate al mondo del perbenismo italiano.
Amore, famiglia, maternità, costituiscono i desideri naturali di ogni giovane donna, nell’intreccio dei quali Anna Galia, protagonista di questo romanzo autobiografico, costruisce le sue passioni impossibili. Gli anni più freschi della donna si perdono nella ricerca della pienezza della sua vita alla quale donarsi con una totalità sconvolgente, elemento distintivo che tratteggia gli amori irrealizzabili, fonti di sofferenza, sacrifici e abdicazioni. Questa è però la strada da percorrere per uscire dal proprio mondo d’amore, da quel modo d’amare che pensa sia unico e universale, riconosciuto e affermato da tutti, al punto da ritenerlo la culla della felicità, l’essenza della vita.
Nel suo percorso catartico, che attraversa la malattia e poi nuota in un mare di bugie e di verità, Anna Galia si libera dai pregiudizi che schiavizzano la sua mente ed il suo corpo per sciogliere quella libertà che era nascosta nel suo cuore e proporre alla donna di oggi incrostata da secoli di divieti, di inibizioni e di ignoranza, di ricercare la medesima indipendenza, invece di prostituirsi perdendosi nelle maglie di amori legittimi ma di breve durata che molto spesso si trasformano in egoismo e in malvagità capaci di durare invece per tutta la vita.
Ognuno di noi mette in vendita qualcosa di se stesso nei luoghi di lavoro, in famiglia, con gli amici, e non necessariamente il proprio corpo: ma questo fa meno scandalo pur approdando spesso a meschinità e grettezze rivelatrici di bassa statura morale. E dunque, in un’ipotetica graduatoria, chi risulterebbe più dissoluto e licenzioso?
La libertà conquistata nasce dalla solitudine e da una nuova capacità di padroneggiare gli accadimenti che segnano il corso della sua storia, per lasciare spazio al dialogo con se stessa e al piacere scevro da coinvolgimenti sentimentali. Nell’arte pittorica così come in quella erotica, Anna Galia dà libera espressione di se stessa perché altri provino le medesime emozioni, penetrandole per meglio comprenderle e possederle, ritrovando poi gli equilibri della propria vita.
L’amore e la disillusione, i legami affettivi e la libertà. Un irriducibile dualismo attraversato da un unico nome, Paolo, incipit e explicit, un amore che a poco a poco svanisce e si dirada, per assumere le forme della passionalità e della perversione, fantastica prosecuzione di un amore finito.
Il romanzo, scritto in prima persona con un linguaggio semplice e scorrevole, appassiona il lettore che pagina dopo pagina è coinvolto nella vicenda anche grazie a vivide tecniche narrative: metafore e flash back lo rendono avvincente ed invitano ad avvicinarsi all’eccentrico finale, sorprendentemente provocatorio.
Nicoletta Gigli
postato da: laureato alle ore 13/06/2010 21:26 | Permalink |
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domenica, 13 giugno 2010
anna galia
Anna Galia
Donna perversa
romanzo
Editrice Totem
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mercoledì, 12 maggio 2010
Non c’è niente da ridere. È tutto vero. ISBN 978-88-96690-03-1
Prefazione
Michele Ianne, al suo esordio letterario, ha voluto in questo libro metterci a parte della sua ricca esperienza della specie umana proponendola in tutta la sua variegata molteplicità.Con pagine dense di narrazioni e riflessioni su questo scherzoso imbroglio che chiamiamo vita, l’Autore realizzail racconto ironico, e venato di acuta critica, della società contemporanea o, meglio, dei suoi rituali comuni.
Centrale, nello scritto, è lo sguardo sul mondo, considerato nella sua globalità e pluralità di suggestive atmosfere laddove l’io narrante, pur ponendo l’accento sui disagi e sui subdoli pericoli della nostra epoca, stimola l’immaginazione e attraversa perduti spazi di ironia letteraria. Non limitandosi ad essere un’antifrasi pura e semplice bensì avvalendosi di situazioni reali o retoriche gioca, talvolta, sulla permutazione di ruoli e sull’inversione di rapporti.
Il testo è composto di ventitré racconti che riferiscono fatti apparentemente irrilevanti della vita quotidiana e dei quali l’Autore si preoccupa di palesare la profondità, inducendo il lettore a considerare i diversi aspetti dell’esistenza e a concentrarsi sul particolare.
Proponendo una chiave di lettura irridente del mondo, traspare il lato disincantato dell’Autore che, anche in quegli episodi vissuti da spettatore, anziché da protagonista, segna il territorio di una vera e propria metafora del sociale, dove lui è spesso un outsider, volontario o costretto ad esserlo, che mantiene delle distanze, dei confini molto netti rispetto alle cose o a sé, manifestando, talvolta, una singolare capacità di essere, al tempo stesso, dentro e fuori le situazioni. I periodi sono ampi, abbondanti, resi con un linguaggio chiaro, schietto, senza giri di parole; talvolta, la concentrazione su piani d’osservazione circoscritti diventa strumento di penetrazione nelle logiche che sottendono i pensieri dell’Autore e che lo spingono a comportarsi in un certo modo.
Lo svago che ne deriva, la gradevolezza dello stile coinvolgono il lettore fin dalle prime pagine, tanto più laddove il linguaggio parlato e quello pensato si alternano con tale verosimiglianza che spesso ci si sorprende a sorridere durante la lettura, allorché la commedia umana tratteggiata da Michele Ianne inizia a farsi incalzante, riproponendo esilaranti situazioni, sicuramente, capitate a chiunque di noi.
Di fronte a certe pagine – che ci ricordano Ennio Flaiano – abbiamo ben chiaro il quadro della situazione e tutto quello che gli ruota intorno, senza infingimenti: l’Autore è diretto con ciò che vede e c’è un rapporto alla pari con la realtà, che in fondo non è mai una cosa seria.
Nella descrizione minuziosa di certi gesti, azioni, nella sua personale lettura degli episodi che lo coinvolgono e della psicologia dei personaggi con cui, di volta in volta, è alle prese, l’Autore, esibendo anche una componente auto ironica, ci rende partecipi dei suoi pensieri, talvolta anche delle sue debolezze.
L’ironia è un atteggiamento verso il mondo che può diventare uno stile di vita, un modo auto controllato e lucido della ricerca della verità, ma Michele Ianne, saggiamente, capisce che, per funzionare, deve essere riconoscibile ma non uscire troppo allo scoperto altrimenti, perde di efficacia e si avvicina all’amarezza del sarcasmo. Il discorso ironico gioca, allora, in questo libro un non facile equilibrio tra riconoscibilità e leggerezza.
I personaggi, gli oggetti, le azioni vengono, nel corso della narrazione, colti da diversi punti di vista. L’autore, muovendosi continuamente tra realtà e riflessione, si pone delle domande diversificate dimostrando, dunque, la sua versatilità e, soprattutto, facendoci appurare che la vita, quella che viviamo quotidianamente, non è mai così piatta come sembra, ma si presenta ricca di molteplici sfaccettature.
In qualche racconto, appare un po’ di nostalgia per un mondo più semplice e, per certi aspetti, più umano di quello attuale laddove l’indifferenza ha addormentato il cuore dell’uomo. Qualcosa di imprevisto, impensabile e imprevedibile può svegliarci da questo sonno, magari attraverso quei personaggi che l’Autore tratteggia con tanta efficacia, avendoli avuti vicini nella vita.
Questa realtà, dunque, può essere osservata e analizzata da diversi punti di vista; il mondo, quale si presenta in apparenza, con aria, magari, di compunta serietà, rivela, in un certo senso, la sua fallacia poiché, fra leintenzioni narrative del libro, c’è quella di far capire che il paradossale è, in effetti, più reale di quanto si possa sospettare e che, quindi, le storie comuni recano, talvolta, in loro il dramma, l’ironia, l’inquietudine dei grandi romanzi.
Monica Di Martino
postato da: laureato alle ore 12/05/2010 19:32 | Permalink |
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mercoledì, 12 maggio 2010
michele ianne
EDITRICE ISTITUTO
TOTEM SANTA MARIA
hanno il piacere di invitarla
alla presentazione del libro di
Michele Ianne
Non c’è niente da ridere.
È tutto vero.
racconti
giovedì 20 maggio 2010
h 17
Aula Magna
Santa Maria
Viale Manzoni 5
Roma
interverrà
generale Vito Caporaso
Presidente Nazionale
Associazione Amministrazione Militare
voce recitante
Antonella Pagano
attrice e scrittrice
Presidente dell’Associazione
La Tenda dell’Abbraccio
Tel. 065742128 –3382441260
ingresso libero drink
postato da: laureato alle ore 12/05/2010 19:22 | Permalink |
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sabato, 27 marzo 2010
ISBN 978-88-96690-02-4 Fragole notturne
Diletta Di Paola
Fragole notturne
Prefazione di Francesca Striano
-
35 COLLANA CANTI
Editrice Totem
postato da: laureato alle ore 21/02/2010 16:25 | Permalink |
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martedì, 02 febbraio 2010
forte sangallo – città di nettuno
EDITRICE Città di Nettuno
TOTEM Assessorato Cultura
hanno il piacere di invitarla
alla mostra personale del pittore
Valerio Giuffrè
La No-Art
dalla constatazione
alla contestazione
4 gennaio – 14 gennaio
2010
h 10-13 ◄► 15,30-19
Forte Sangallo
Nettuno
catalogo in galleria
Tel. 3382441260 – 3474444681
ingresso libero
postato da: laureato alle ore 10/01/2010 07:43 | Permalink |
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giovedì, 26 novembre 2009
ISBN 978-88-96690-01-7
Tito Cauchi
Arcobaleno
- 34 COLLANA CANTI
Editrice Totem
Prefazione
Questi versi, scritti con l’inchiostro della sofferenza e del dolore, sono intrisi della bellezza della vita laddove la poesia ha bisogno del suo spazio mentale perseguendo una quotidiana magia pratica che cerca di tradurre la svariante epifania del divino nell’umano.
Così, in Arcobaleno – così titola questo libro – il mare della vita e il cielo della scrittura si toccano sulla linea d’orizzonte della poesia che al grado più alto è la luce che li rende entrambi visibili poiché il “tempo” di Tito Cauchi non è storico ma biografico: un alternarsi di mattini, di notti, di primavere e di estati che raccontano storie d’amore.
In questa raccolta, che attraversa ben 40 anni di una vita, troviamo sillabe pascoliane e musicalità dannunziane fuse in una satura stilistica talmente aderente e affascinante nella sua fresca ingenuità, da far dimenticare ogni colpa letteraria o culturale che il Novecento delle poetiche e delle avanguardie parrebbe aver commesso.
In più, questo libro di poesia possiede il dono intrinseco di una preziosa sintonia di creazione lirica e riflessione critica derivando un carattere modernamente classico di scrittura, che sembra rivisitare, in certe cadenze, in certe clausole, gli sparsa fragmenta di un difficile vissuto.
Vi è, inoltre, qualcosa, intrinsecamente, di profondamente cristiano in questo “farsi tutto in tutti” allorquando l’Autore affronta il travaglio doloroso ed intenso del pensiero e della creazione per vivere in sé, per purificare e rendere più veri ed essenziali il dolore e il vissuto dell’umanità. Così Francesco può diventare un figlio del poeta che tracima una morte immatura per stupido bullismo in un alone immateriale e dolce che ricorda certe figure femminili montaliane.
Allora, la voce della poesia può insinuarsi con il suo impalpabile flusso melodioso nella trama della prosa riflessiva anche sotto la forma dell’eco, dell’allusione, del richiamo intertestuale, poiché in Tito Cauchi la sofferenza viva e calda dell’esperienza e della creazione esclude, di per sé, ogni possibilità di consolazione estetica, di sublimazione rassicurante, di catarsi o conciliazione definitive e pacificate.
postato da: laureato alle ore 26/11/2009 10:13 | Permalink |
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mercoledì, 25 novembre 2009
ISBN 978-88-966900-0-0
VALERIO GIUFFRÈ
LA NO-ART
DALLA CONSTATAZIONE
ALLA CONTESTAZIONE
Editrice Totem
postato da: laureato alle ore 09/11/2009 09:07 | Permalink |
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venerdì, 06 novembre 2009
VALERIO GIUFFRÈ
VALERIO GIUFFRÈ
LA NO-ART
DALLA CONSTATAZIONE
ALLA CONTESTAZIONE
Editrice Totem
Parte seconda
In principio era il verbo.
Il suo messaggio si concretizza in un lungo racconto ad occhi aperti, la prego di evitare con me parole che non conosco quali: fatica, lavoro, operosità, in cui il simbolismo si sposa alla surrealtà entro un impianto coloristico immediato, a larghe campiture, percepisce momenti di serenità, di pace interiore, di viaggi extracorporei, di visioni concepite da angoli della mente in una casa talmente umida che le rane girano con l’impermeabile: ad ambiziosi traguardi, con immagini costruite con sicuro istinto gestuale, in cui la propria intimità sessuale spinge a rivelarsi nel volo di donnine nude, di esplorazioni marine, di atti sensuali e di partecipazioni oniriche.
Spesso sono proiezioni dell’inconscio, nutrito di simboli personali, all’insegna di fantasie suggestive e di simpatiche allegorie sotto ricatti ed interventi di boss di svariate cosche che si risolvono in scossi mentali ricchi di situazioni liriche piacevolissime. Decide così il nostro professor Cipolla di fondare un nuovo movimento artistico ironico-concettuale, denominandolo Federazione Italiana Giovani Artisti “F.I.G.A” al quale potranno aderire tutti i creativi che sviluppano qualsiasi forma d’arte a tematica. Insomma, insieme al quadro, l’acquirente compra una biografia, quella dell’artista o del suo gruppo.
In principio era il verbo.
Talvolta una stella marina, una conchiglia, un riferimento floreale, una donna nuda, svela al fruitore una realtà poetica dipinta come una pagina di viaggio di ottimo colore, che appare con propria espressività, studio d’arte della sua città natale (ma aperto anche a Pasqua) per rendere l’afflato con la realtà, pur trincerandosi nel mito e nell’allegoria dove prevale sempre il sorriso, la prego di evitare con me parole che non conosco quali: fatica, lavoro, operosità, e il desiderio di realizzare le proprie segrete aspirazioni rese sulla tela con composizioni sublimi, passate indenni a numerosi tentativi di distruzione nel corso dei secoli, dai riferimenti metafisici dove assistiamo al divorzio tra la sfera estetica, che continua ad attenersi ai valori essenziali dell’arte, e la sfera artistica, che comprende qualsiasi attività assegnabile al dominio dell’arte novello pifferaio magico da quattro soldi,la produzione inoltre stava attraversando un periodo di dormia.
In principio era il verbo.
L’arte concettuale ha sempre goduto di una certa tollerabilità e di un sottointeso riconoscimento da parte della crema e panna cotta culturale la quale ha mancato di escludere da una autorevole valutazione critica molti fenomeni artistici di dubbia serietà e malcentrata psicologia.
Alcuni studenti di Manitoba desiderosi di disegnare assieme secondo la pratica del cadavre exquis cara ai Surrealisti, dell’associazione di immagine a immagine non motivata da una scelta ludico-pop consapevole, anche se i nostri sono totalmente indifferenti alle briglie teoriche dei precedenti illustri.
La gente comune viene così estromessa da meccanismi intellettualmente troppo raffinati di gente che orina negli angoli e accetta la propria inadeguatezza interpretativa e sconfortata delega ogni valutazione a perniciosi oracoli effeminati che si prendono maledettamente sul serio e alla fine ci prendono tutti per il culo.
Chi entra nella scena dell’arte concettuale ha un proposito chiaro, con la sua donna in burka che frigge con un grembiule occidentale: sovvertire il carattere di seriosità che fumosamente copre molti fenomeni artistici contemporanei, è sulla linea del dadaismo delle origini (non quello commerciale e furbesco del dopoguerra) che con sacrilegio investì il mondo dell’arte in un tempo, il 1917, in cui essa doveva apparire come il belletto sulle guance di un morto: qualcosa di superfluo. L’arte è una questione di coincidenze e ritmi lenti, come la vita.
Chi indossa l’abito provocatorio del dadaismo più irriverente: quello della dissacrazione, dell’ironia, della burla, lo fa con raffinato entusiasmo.
In principio era il verbo.
Tanti artisti si sono prodigati nella ricerca del brutto senza neppure fare fatica, non interessava la forma ma come essa veniva utilizzata, cioè la sua funzione. Secondo questa logica, se si pone un oggetto privo di interesse in un luogo deputato all’arte, esso può acquisire lo status di “opera d’arte”. L’esempio più noto è quello dell’orinatoio di Marcel Duchamp.
Brutto e bello sono categorie estetiche da superare verso le quali il professor Cipolla dichiara apertamente che l’arte fa schifo, è priva di bellezza, e se qualcuno la cerca è un cretino lirico che visse d’arte; è consapevole di tutto questo e perciò si sente libero di affermarlo con sincerità, senza scomodare illustri esegeti del brutto, senza inganni, senza menarselo, cioè senza fare sociologia. C’è un relativismo dissacrante che ricorre quando si pone a confronto con Alberto Burri e Lucio Fontana, quest’opera è talmente tanto concettuale che non la capisco nemmeno io che l’ho fatta.
In principio era il verbo.
Vi sono poi dei suggerimenti del professor Cipolla per riconoscere i principali elementi compositivi di un quadro, come quando è spinto da una irrefrenabile volontà di mettere in corto circuito ogni concezione seria dell’arte e per ottenere ciò deve delegittimare prima di tutti se stesso, offrendo allo spettatore un momento d’ironia, a volte sottile altre volte grossolana e volgare, ma sempre rispettosa e intelligente e a tratti geniale che ha fatto crescere in maniera indecente il valore di mercato dei pezzi realizzati dall’artista insignito di più d’una sessantina di riconoscimenti, italiani, stranieri e apolidi.
Capita a molti, visitando una galleria o una mostra d’arte contemporanea, di rimanere perplessi davanti alle opere esposte e di interrogarsi sul senso di ciò che vedono e se, per caso, l’artista (o il critico d’arte) non li stia prendendo in giro. La tempesta neuronica che si scatena dentro di noi di fronte a qualcosa che richiama in modo perentorio il nostro consenso, non è separabile dall’accumulo di esperienze, dalla capacità di fare dei confronti sperimentando piatti sconosciuti, come le unghie di topo al tegame in Laos. Talvolta è proprio quasi tutta l’arte del Novecento che viene guardata con sospetto, perché si allontana dai canoni estetici e figurativi a cui la grande tradizione italiana ci ha abituato. Eppure dovremmo ormai considerare tradizione anche il Novecento. In alcuni casi, si considerano gli impressionisti come l’ultima frontiera comprensibile dell’arte, in altri si apprezzano le avanguardie storiche (cubismo, futurismo, surrealismo e così via), dopo di che si pensa a un caos espressivo e a un’inaccettabile soggettività degli artisti, panacea non solo della mente ma soprattutto medicina della nostra paralisi emotiva..
In principio era il verbo.
Come l’adozione del colore ad olio nel Rinascimento ha permesso la simulazione delle tre dimensioni su una superficie a due dimensioni (il quadro), così l’introduzione dei colori artificiali, a partire dall’Ottocento, ad esempio, ha permesso lo sviluppo di tecniche di pittura assolutamente nuove e la combinazione di tonalità e timbri coloristici in precedenza sconosciuti. Ma non si tratta solo di colori: in un certo qual modo, il colore guida anche la forma e il cosa rappresentare. È la chimica industriale una delle madri della pittura contemporanea. Se qualcuno pensa che ciò non possa cambiare l’arte, è del tutto fuori strada.
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domenica, 01 novembre 2009
valerio giuffrè
In principio era il verbo, poi vennero i sostantivi, gli aggettivi e gli avverbi e la cosa diventò più interessante, soprattutto per la Terza Legge del professor Cipolla relativa alla persona stupida che causa un danno ad un’altra persona o gruppo di persone, senza nel contempo realizzare alcun vantaggio per sé o addirittura subendo una perdita.
Beccato al telefono a perorare la causa “artistica” di puttanoni di vario genere, il critico fece uno sfregio da prete di campagna (di quelli che hanno rovinato tanti affreschi preziosissimi per coprire tette e uccelli) creando un serio problema alla credibilità della critica d’arte in tutti i paesi del mondo, ma forse in modo più diretto da noi in Italia. Questa caratteristica della critica d’arte, che talvolta rasenta la soglia della diffamazione, potrebbe in parte essere ricondotta agli impulsi anti-intellettualistici che stanno prendendo piede nel nostro paese derivando una tendenza, presente in molti giovani artisti e giovani critici, a inventare un rapporto non dialettico con il mondo della rappresentazione, immaginando un collegamento rozzo e ingenuo che nasce dalla infatuazione o dallo slancio sentimentale.
In principio era il verbo.
È una sorta di corsa in avanti, a briglie sciolte e intenzionalmente priva di complessi, che rischia la saturazione dell’agenda artistica internazionale. È vantaggioso dire o scrivere due o tre cose moralmente ripugnanti, purché si parli di noi. È chiaro che la difesa e la spiegazione delle proprie motivazioni inconscie non corrispondono più ai criteri del marketing intellettuale. È pertanto ammissibile perseguire scopi abietti e provocatori, non per un intimo convincimento, ma per ossequio alla pubblicizzazione.
In effetti questa leggerezza mentale, penosa e contestabile, ha come rovescio della medaglia, per così dire, una levità di tipo diverso: una specie di miscuglio fatto di curiosità, impulsività, freschezza nella ricerca e nel lavoro intorno all’arte. È questo un aspetto vivace, curioso, aperto che ha caratterizzato la vita artistica dell’Italia durante gli ultimi dieci anni, dove pare che il giullare di corte, nel King Lear, sia la sola persona che dice ciò che sta veramente succedendo.
In principio era il verbo.
Lo stesso critico, che non è capace di distinguere un quadro di Caravaggio da uno di Mirò, ha potuto scrivere nei primi anni 60 che Picasso, a suo giudizio, segnava l’inizio della degenerazione dell’arte e che la scomparsa della figura umana in pittura era sintomo di una catastrofe culturale, di un profondo fallimento estetico.
Partendo da ‘fiasco’ e passando per ‘infamia’, proseguendo sul terreno del ‘ridicolo’, del ‘burlesco’ e dell’ ‘ingiustificabile’ il critico è quindi approdato al termine ‘idiozia’. Ne ha fatto la sua ossessione personale. L’etimologia di idiozia risale al termine greco che designa ciò che è semplice, unico, che non ha copie e si oppone alla duplicazione. Ma appunto ciò è l’arte nella sua evoluzione moderna: richiede ed esige dall’artista, per poterlo accogliere nell’ambito storico della propria disciplina, proprio che questi produca oggetti aventi il carattere primordiale di novità, unicità, singolarità, cioè oggetti che non hanno avuto alcuna esistenza antecedente.
In principio era il verbo.
Alcuni artisti hanno aggiunto alla definizione naturale di ‘idiozia’ delle loro opere anche un comportamento ‘idiota’, nel secondo senso di questa parola. Non possedendo una personalità, devono trovare dei modi per sopravvivere. Questo spostamento di prospettiva nella lettura della modernità suggerisce l’ipotesi che l’artista, obbligato a dare vita a oggetti necessariamente e essenzialmente idioti, si sia divertito a interpretare, per se stesso e in modo mimetico, la commedia dell’idiozia come forma di comportamento con una sovrapposizione dell’atteggiamento idiota dell’artista rispetto alla condizione idiota degli oggetti d’arte.
Che dire, allora, di quelli che continuano ancora a parlare di forma e poi a scrivere usando aggettivi del tipo “delizioso, si campisce con solenne semplicità” o “il suo lavoro rivela una sensibilità ed una delicatezza di espressione che raggiungono uno degli esempi più riusciti e brillanti della nostra epoca”.
In principio era il verbo.
Si può fare una storia dell’arte italiana senza citare nient’altro che élite. Accanto a Raffaello, c’erano gli ex voto o l’oreficeria popolare sarda, di un’importanza enorme perché rivela forme originali o derivanti da cose molto antiche non conservate al Gronigen Museum di Groninger – non a caso in Olanda – il cui catalogo 1993 era contenuto in una scatola da pizza secondo i dettami della critica delirante di Dalì, in base ai quali qualunque cosa può significarne qualunque altra.
Ogni vero artista ricava godimento dalla sua arte. Gioca con i materiali che adopera, permette che essi giochino con lui, che collaborino all’espressione finale e persino che gli dettino alcune delle forme che sembrano più personali.
In principio era il verbo.
Questa abilità a trattare senza imbarazzo il proprio io, senza falsi pudori, controlla e affina un alto ideale del proprio lavoro pervaso da una sensibilità delicata e competente e da sicura coscienza tecnica, in una nuova attualità della fantasia oracolare che su tacchi a spillo digrada a una sola soletta elegante ed affusolata che dimostra il latente assenteismo della materia che ora è solo effigie consapevole dell’artificio e dell’inganno in una sintesi di fascinosa seduzione dell’imbroglio della pittura.
Messaggi subliminali in cui alcuni si riempiono la bocca sulla presunta ignoranza degli americani incolti oppure colti-a-tutti-i-costi come troppa gente che circola dividendo le pitture e le persone in quelle che piacciono o non piaccionoe non sarà il giudizio altrui a far cambiare i loro modi.
Si può essere schiavi di qualcuno che dice che una cosa è colta e quindi deve piacere per forza? Se fa schifo fa schifo, al di là dei 4 critici mentecatti e così pieni di sé, che per qualche pippone mentale traducono in cultura una crosta micidiale.
In principio era il verbo.
Questa mania di cultura a tutti i costi di noi italiani è un brutto vizio che limita nei piaceri della vita e dopo la celeberrima Corazzata Potemkin di Paolo Villaggio non sappiamo più se è peggio un texano che pensa che il Louvre sia a Roma o il professor Cipollache si sforza di farci piacere qualcosa che fa veramente schifo solo perché qualcun altro ha deciso che è una cosa colta.
A questa domanda ricorrente, che è stata posta recentemente, gli specialisti dell’arte mi hanno sempre accolto con sguardi cisposi e arroganti: dove va l’arte oggi? Questo libertinaggio dilagante ha permesso l’ingresso nei sistemi di sedicenti curatori-critici-falsi teorici i quali emulando la massa e così scambiando un comportamento eticamente scorretto per segreto del mestiere ha sconvolto il sistema stesso lasciando libero accesso a quegli artisti che si facevano veicolare facilmente verso la direzione più urlata. Come un gregge di pecore segue il pastore, così i piccoli critici seguono la teoria che si è imposta con più efficacia, escludendo per forza di cose gli artisti indipendenti che invece, proseguono il loro lavoro (ma non sempre) nella più completa e autonoma ricerca personale. A chi attribuire la colpa di questo stravolgimento? All’America che fa tendenza? Ai galleristi che selezionano (forse per incapacità o convenienza) i curatori accessibili? Agli artisti che si lasciano deviare?
In principio era il verbo.
Secondo me a nessuno, perché questa tendenza comportamentale è stata delineata incoscientemente come globalizzazione, dove l’artista, il critico, il collezionista, la galleria privata interagiscono tra di loro per funzionare correttamente; indipendentemente dalla qualità dell’artista oggi contano più che altro le iniziative. E in base alle iniziative aperte da affamati di gloria non si può stabilire dove va l’arte oggi. Né lo si può fare seguendo le teorie di tal critico che pontifica da una realtà che non ci appartiene.
Finiamola, coi Ritrattisti, con gl’Internisti, con i Laghettisti, con i Montagnisti!… Li abbiamo sopportati abbastanza tutti codesti pittori da villeggiatura.
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domenica, 01 novembre 2009
VALERIO GIUFFRÈ
VALERIO GIUFFRÈ
LA NO-ART
DALLA CONSTATAZIONE
ALLA CONTESTAZIONE
Editrice Totem
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sabato, 10 ottobre 2009
A … punti di vita!
Alessia Novara
A … punti di vita!
romanzo
Prefazione di Valeria Medori
- 46 COLLANA CLAN
Editrice Totem
Prefazione
Le ragioni dei racconti di Alessia Novara, al suo esordio letterario, vivono nello spazio delle tensioni fondamentali di una vita umana, fatta di attese, umori inconsci,sentimenti e nervi. Lo stile asciutto nella ricostruzione dei personaggi alimenta una narrazione chiaramente vissuta e percepita dall’Autrice tanto da far pensare che la realtà quotidiana non è solo il luogo dove si svolgono le vicende ma è il vero protagonista della storia in quanto ci aiuta a comprenderne lo spirito intimo.
Il personaggio di Gioconda – nel primo racconto – è soprattutto una singolare esplorazione di tempi morti. Non inquadra il fatto, ma tutto quello che c’è prima, durante e dopo. Le interessa la minutaglia dell’esperienza umana non perché voglia riscattare in qualche modo le banalità dei suoi compensi affettivi ma perché sente in loro più verità che altrove.
Di cosa parliamo quando parliamo d’amore rappresenta per Alessia Novara l’invisibile movimento della vita: uno scarto, una disarmonia, il suono sgradevole del citofono, un imbarazzo, un’offesa mandata giù a forza creano un sottile effetto anacronistico che modifica le nostre percezioni e conferisce al testo un fascino particolare.
L’Autrice non concettualizza. Il suo racconto scopre la realtà, non la inventa. Tanto che le zone emotive, le stazioni sentimentali, i rendiconti esistenziali presenti in Gioconda sono anche dentro di noi.
Così anche in Cugini, la scrittura ricerca l’infinito della vita, che è un dipanarsi senza filo logico e utilità sociale, che comunica semplicemente i labirinti del proprio sé interiore e il desiderio di raccogliere in un giro di frase un’intera situazione esistenziale.
Quindi, la lingua viene ridotta a puro meccanismo formale, a sistema di segni con un’esistenza in sé. Non è strumento di comunicazione e tanto meno di comprensione della realtà, non serve per dire qualcosa sul mondo e tanto meno per riordinarne il caos, semplicemente crea il proprio universo di relazioni formali, è gioco della mente, esplorazione delle possibilità combinatorie di una prosa colloquiale che si rifà al linguaggio quotidiano.
Il testo – sfrondato da ogni elemento linguistico superfluo e con l’ausilio di pause e spazi bianchi – aiuta il lettore a concentrarsi sulle singole frasi e parole, anche le più banali, favorendo una lettura più consapevole e attenta. In definitiva, Alessia Novara usa un linguaggio rastremato per andare diretta all’essenza delle cose, della realtà, adombrando il dramma che in essa si nasconde.
I “riti” della vita di tutti i giorni, al di là di eventi occasionali, sono gesti quotidiani intenzionalmente svuotati dall’Autrice del loro valore originario. Eppure ci si alza, si va a fare la spesa, si prende l’autobus, si va a lavorare, si mangia e si dorme. La vita continua, seguendo meccanicamente un cliché ormai radicato ma che ha perso sapore e sostanza.
All’origine di questa crisi c’è fondamentalmente l’incapacità dei cugini, protagonisti di un esacamerone moderno, di evitare lo sgretolarsi di un proprio linguaggio precedente e parallelo a quello della famiglia estesa della loro adolescenza felice. Il che si riflette inevitabilmente sui moduli narrativi che diventano scarni, in alcuni casi ai limiti della referenzialità, intercalati da silenzi durante i quali viene acceso un numero indefinito di sigarette, da dialoghi brevissimi che ricalcano i modi affascinanti dello scambio intimo, creando un forte senso di tensione, di lacerazione di quel tessuto che l’Autrice conclude con una sospensione finale.
Allora, il non detto, le premesse poste e non sviluppate danno alla narrazione una connotazione di eterno presente, dove passato e futuro confluiscono, sottolineando la mancanza di una dialettica degli eventi. In effetti ognuno dei sei cugini percorre un suo raggio di un’ipotetica circonferenza così da aprire la strada alla permeabilità dell’amore degli altri e per gli altri.
In Gioconda, i concetti di vittoria e di sconfitta vengono volutamente sfumati da Alessia Novara: lei ci spiega con un sorriso che siamo tutti integrati nella società globale senza alternativa di comportamento, liberi di fare ciò che vogliamo ma schiavi della nostra incapacità di esprimere quei preziosi rapporti d’amore capaci di superare una mera esteriorità, magari adottando nuove strategie esistenziali.
Né dispiace, in questi racconti, la presenza di pagine un po’ materiche, un po’ grumose, come quando in un quadro si vede la vernice, la pennellata, il gesto dell’artista. L’Autrice sembra così rispondere ad un’esigenza di avvicinamento affettuoso ai suoi personaggi in preda talvolta a scarti relazionali perché incapaci di accettare il passaggio della soglia dei quarant’anni, laddove la maturità sembra imporsi come forza fisiologica ad un io narrante recalcitrante e incerto nell’abbandono della piacevole condizione di eterno fanciullo.
postato da: laureato alle ore 09/10/2009 07:59 | Permalink |
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venerdì, 09 ottobre 2009
Alessia Novara
Alessia Novara
A … punti di vita!
romanzo
Prefazione di Valeria Medori
- 46 COLLANA CLAN
Editrice Totem
postato da: laureato alle ore 09/10/2009 07:28 | Permalink |
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domenica, 20 settembre 2009
domenica, 20 settembre 2009
VERSI DI PRIMO MATTINO
Marina Giudicissi Angelini
VERSI DI PRIMO MATTINO
Prefazione di Giampiero Linardi
- 33 COLLANA CANTI
Editrice Totem
Prefazione
Documento sorprendente questa seconda raccolta di poesie di Marina Giudicissi Angelini, che definisce la personalità di una donna e della sua maturazione profonda, attraverso appassionate ricerche antroposofiche e profondamente spirituali, assemblando dolorose esperienze, nel continuo contrasto tra il periglioso rapporto tra volontà e possibilità di comunicare: consapevole presagio dell’altrui rifiuto, fatalmente seguito dall’isolamento, dell’angoscia della solitudine, del pericolo dell’emarginazione.
È un continuo altalenare tra fantasia e realtà, religiosità ed ateismo, il dialogare con se stessa: con le icone che il suo ES costruisce nelle tortuose gallerie della memoria, l’Autrice determina la riscoperta e la rivalutazione delle intime essenze emozionali dei momenti vissuti con magica pienezza, traducendo il tutto in una poesia dinamica e di indubbio spessore.
È già poesia l’elenco ordinato dei titoli della presente raccolta: basta provare a leggerlo, dimenticando la definizione di “indice”…
Nella sua nuova silloge, c’è tutto l’amaro sapore dell’incomunicabilità, del desiderio di comprensione, che gestiscono, caratterizzandola, la vita di ogni artista, costretto a percorrere strade diverse affinché ogni tentativo di dialogo non resti, poi, monologo, pagina ripiegata su se stessa.
È bene ricordare anche Marina pittrice, magari solo per evidenziare la combinazione per immagini della sua poesia, atte a produrre un effetto “moviola” del verso, in sequenze dal tessuto cinematografico.
Ed è in questo tessuto che l’Autrice esplicita le sue verità: laddove la poesia è essenzialmente luogo di verità, nell’ambito di un discorso intimista, tuttavia aperto al divino, al soprannaturale, alla partecipazione alla vita cosmica, alla ricerca di quell’energia pura, sinonimo dell’Essere Supremo nello squisitamente umano tentativo di capire il senso della vita.
Ma la vita non ha senso, ed è questo il senso della vita: siamo noi che dobbiamo darle un senso: con azioni improntate dall’amore per tutte le creature dell’universo, laddove la “grande conoscenza” ci suggerisce che “anche le pietre si amano fra loro”!
In questo continuo percorso tra essere/non essere, costellato da ricerche religiose, slanci spirituali e da quelle vibrazioni dell’ES, a volte sollecitate da canti Bajans, Marina lancia, infine, la sua perentoria sfida: la rivendicazione al diritto di vivere liberamente, di esistere, di “essere”!
Lasciatemi libera
di esistere.
Guardo il cielo
stellato
e cerco la mia
stella.
Quante notti
ancora
e quanti giorni
nell’attesa di trasfigurare
questa materia!
I campi sono arati
e i profumi
li porta il vento.
Lasciatemi libera
di essere.
La sete di conoscenza, spinge continuamente l’Autrice verso nuove esperienze, in uno slancio d’amore verso tutti e tutto, nell’affannosa ricerca della integrazione cosmica.
Troppo facile tacciarla di irrequietezza, di fronte alla accuratezza con la quale seleziona i tasselli della ricerca per costruire, intorno e dentro di sé, l’entusiasmante, magico mosaico del suo universo.
Una storia, un padre, un gatto, un amore, una zolla, una luce… Marina è parte di tutte queste cose, di tante altre cose, dell’intero universo: proprio in virtù di quell’amore universale, prossimo al pensiero induista, che riconosce un’anima anche agli esseri inanimati, e che compendia nell’ “insegnamento Eterno” gli sforzi per organizzare l’individuo nel pensiero e nel modo di vivere una società organizzata religiosamente, ma che rifiuta e rigetta una “religione organizzata”.
Così la poesia pratica e vive le tensioni, gli orientamenti tra fede e filosofia dell’essere, nel rispetto delle personali credenze.
Farò della mia vita
un’arte
piena di
Bellezza
Verità
Bontà
In questi primi versi de La triade Divina, un suggestivo imperativo ci invita alla sublimazione dell’essere ed è, allo stesso tempo, atto di fede e dichiarazione dell’amore omnicomprensivo, quello che integra gli esseri e i misteri dell’universo.
Questo nuovo florilegio di Marina ci conduce per mano in un mondo di concretezza e spiritualità, dove la vita non è quella alla portata di tutti: quella dello specchio. È alla portata di tutti, invece, il suo codice organizzativo della spontaneità e della ritualizzazione del segno, tale da suscitare profonde emozioni e da sollecitare a una serena meditazione.
Giampiero Linardi
postato da: laureato alle ore 20/09/2009 17:25 | Permalink |
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lunedì, 31 agosto 2009
salvatore iadicicco
EDITRICE Città di Anzio
TOTEM Assessorato Cultura
hanno il piacere di invitarla
alla presentazione del libro di
Salvatore Iadicicco
Aporie del
primo teorema
di Euclide
domenica 28 giugno 2009
ore 17,00
Centro Ecumenico
parrocchia SS Anna e Gioacchino
Via Valle Schioia 157
Lavinio – Anzio
Interverrà Tito Cauchi
Tel. 06.9870674 – 06.90286930
ingresso libero drink
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lunedì, 18 maggio 2009
EDITRICE TOTEM
in corso di pubblicazione
SALVATORE IADICICCO
APORIE
SUL PRIMO TEOREMA DI EUCLIDE
prefazione di Tito Cauchi
EDITRICE TOTEM
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lunedì, 04 maggio 2009
euclide è nato a gela – sicilia
il testo sottoriportato è tratto dal libro in corso di pubblicazione
SALVATORE IADICICCO
SUL PRIMO TEOREMA DI EUCLIDE
EDITRICE TOTEM
Euclide
Matematico greco, nacque a Gela in Sicilia e pare sia morto intorno al 310 a. C.
Forse durante una delle tante guerre che si svilupparono in Sicilia a quei tempi, per la conquista del territorio, non sappiamo se con la famiglia o con dei parenti, emigrò in Grecia per sfuggire alle persecuzioni a cui i vincitori sottoponevano i vinti.
Euclide ad Atene non parlò mai con nessuno delle sue origini forestiere sia, forse, perché non ricordava nulla della sua patria siciliana di origine sia perché voleva vivere sullo stesso piano dei suoi amici e non da esule.
Tanta era l’oscurità in cui si avvolgeva la sua vita che per lungo tempo fu confuso con Euclide di Megara, discepolo di Socrate e nato quasi un secolo prima del nostro.
Geometra e padre della geometria moderna delle superfici a curvatura nulla, scrisse, tra le altre cose, una vasta opera che intitolò Elementi, che riscosse grande fortuna presso i greci, i romani, nel Medio Evo e nel Rinascimento. Si tratta di ottimi studi per l’apprendimento della geometria e della matematica. Cicerone parla di lui con entusiasmo nel terzo libro De oratione.
Gli Arabi tradussero i suoi libri di geometria che acquistarono all’autore una popolarità e una fama non ancora diminuita da più di venti secoli.
Gli Elementi di Euclide non sono soltanto la maggiore e più antica opera matematica greca che ci sia pervenuta, ma costituiscono anche il più autorevole manuale di matematica di tutti i tempi. L’opera, composta verso il 300 a.C., fu copiata e ricopiata ripetutamente, con l’introduzione di errori e variazioni: ad esempio Teone di Alessandria (IV secolo d.C.) cercò di perfezionarne l’originale. Tuttavia, fu possibile farsi un’idea abbastanza precisa del contenuto della originale versione euclidea attraverso il confronto tra più copie manoscritte greche risalenti per lo più al periodo tra il X e il XII secolo. In alcune edizioni compaiono anche un XIV e addirittura un XV libro, ma si tratta in entrambi i casi di opere apocrife. Copie degli Elementi sono arrivate fino a noi attraverso traduzioni arabe, che in seguito vennero tradotte in latino nel XII secolo e nel XVI secolo nelle varie lingue nazionali. La prima edizione a stampa uscì a Venezia nel 1482 e fu uno dei primi libri matematici stampati.
Per eventuali approfondimenti:
Vito Amico (1697-1762), Dizionario topografico della Sicilia, 1858.
Benedetto Candioto, Saggi storici di Sicilia.
Salvatore Damaggio Navarra, Memorie Gelesi, 1896, pag. 38.
Francesco Maurolico (1494-1575), Storia di Sicilia, libro I, pag. 21.
Carlo Filiberto Pizolanti, Delle memorie istoriche dell’antica città di Gela, (XVIII sec.), pag. 204.
Enciclopedia UTET del 1879, curata da Gerolamo Boccardo.
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martedì, 07 aprile 2009
Zuleima Wever
Zuleima Wever nasce in Colombia il 31 maggio 1968. A cinque anni si trasferisce ad Aruba, isola natale del padre, nelle Antille Olandesi, dove frequenta la Reina Beatrix School per poi diplomarsi presso la Juliana School M.A.V.O. Durante il liceo conosce Carlo, che sposerà nel 1989 e con il quale poi si trasferisce in Toscana, prima a Firenze poi a Carmignano, per gestire alcune attività insieme al marito. Nel frattempo si specializza in amministrazione di biblioteche e archivi. Nel 1996, con la nascita della seconda figlia, decide insieme alla famiglia di trasferirsi nuovamente ad Aruba, dove inizia a scrivere delle favole ispirate ad antiche leggende del luogo: in un primo tempo solo per le figlie, successivamente le sue storie vengono pubblicate da un settimanale locale per bambini, il Bon Dia Aruba. Nel 2008 torna in Italia, stabilendosi a Nettuno (Roma), dove attualmente vive e lavora.
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martedì, 07 aprile 2009
Editrice Totem
ISBN 978-88-903699-4-0
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VIALE ACQUA MARINA 3
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Disegni di Maria Teresa Marchese
Ottimizzazione redazionale di Valeria Medori
Zuleima Wever
Favole e leggende
Disegni di Maria Teresa Marchese
Introduzione di Valeria Medori
- 5 COLLANA FAVOLE
Editrice Totem
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martedì, 07 aprile 2009
Valeria Medori
Zuleima Wever
Favole e leggende
Disegni di Maria Teresa Marchese
Introduzione di Valeria Medori
- 5 COLLANA FAVOLE
Editrice Totem
Introduzione
Zuleima Wever, originaria delle Antille Olandesi, nel Mar dei Caraibi, nei suoi scritti porta con sé la bellezza e i retaggi della lunga tradizione del suo paese, da sempre crocevia di civiltà e culture diverse.
Favole e miti non sono solo il racconto di eventi e situazioni eccezionali, dietro ognuno si cela un’ampia complessità di significati e interpretazioni, specchio delle concezioni e delle credenze su cui si impernia la civiltà che li ha prodotti.
In questo senso i racconti di Zuleima Wever ci propongono una visione della vita trascendente e terrena allo stesso tempo, i cui protagonisti, uomini, piante e animali sono legati da uno stesso destino creaturale, un invisibile ma solidissimo filo magico che rende fantastica la realtà e reale la fantasia.
Leggere favole ai bambini è molto più che occupare il loro tempo, significa trasportarli in mondi e luoghi lontani, insegnando loro a viverli ed interpretarli. Queste favole e leggende dal sapore internazionale, amalgamano personaggi della mitologia autoctona e santi cattolici, per una lettura semplice e significativa, adatta ad un pubblico curioso e dalla mentalità aperta, pronto a cogliere il messaggio di tolleranza e rispetto dovuto alla nostra e altre culture.
Valeria Medori
postato da: laureato alle ore 07/04/2009 18:35 | Permalink |
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martedì, 07 aprile 2009
Zuleima Wever
Zuleima Wever
Favole e leggende
Disegni di Maria Teresa Marchese
Introduzione di Valeria Medori
- 5 COLLANA FAVOLE
Editrice Totem
postato da: laureato alle ore 07/04/2009 18:29 | Permalink |
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mercoledì, 25 marzo 2009
vincenzo ancona
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mercoledì, 25 marzo 2009
vincenzo ancona
«Esercito un mestiere che è sporco e difficile: la pittura. Se non fossi quel che sono non di-pingerei».
Vincent Van Gogh,
1887
Parole scritte da più di cento anni da una delle personalità artistiche più difficili e controverse che ben ricalcano il pensiero del Maestro Vincenzo Ancona sull’arte e sull’essere artista: curiosità e fantasia, pazzia, essere e sentirsi diversi sono le molle che spingono ad indagare il mondo e a raccontarlo con un linguaggio proprio, intimo e personale.
Inizia a dipingere molto giovane seguendo sempre un proprio filo emozionale che lo conduce ad uno stile figurativo, più adatto alla resa della sua personalità.
«Ho sempre prediletto una pittura che contenesse un linguaggio forte, per esempio nella mia Donna alla Finestra gli stimoli provengono dalla Scuola Romana, come anche in alcuni paesaggi, più che altro in una serie di studi proprio da ritrattistica. Questa mia voglia di arrivare ad un linguaggio pulito, fatto di colori chiari, poi mi ha portato più in là verso le avanguardie: ad esempio un Balla, un Boccioni prefuturista, nell’attimo prima della rivoluzione pittorica, nel momento di parossismo di un linguaggio vecchio che poi sfoga in uno nuovo. Questo mi ha sempre entusiasmato: tornare a vedere un oggetto con occhi nuovi e uno spirito nuovo».
L’entusiasmo non è per il singolo artista o per la specifica opera, non c’è volontà di emulazione, si tratta di una passione che si accende per le storie che popolano ogni quadro e che raccontano, ognuna, chi lo ha dipinto, e per tutto quello che una pennellata può nascondere: un uomo che ha deciso di mettersi in gioco, di esporsi, portando alla luce tutto il suo essere.
Ogni persona ha un suo modo di raccontarsi, il Maestro, schivo e non certo a suo agio con le parole, lascia questo compito alle sue opere. La tela è la materia prima con cui costruire il resoconto della sua vita dedicata alla pittura come mezzo espressivo di quella sensibilità con cui egli reagisce al disagio sociale nel quale è immerso.
Non è raro nelle parole di Vincenzo Ancona trovare dei paralleli tra le diverse forme di arte, la pittura, la poesia, la musica. Ogni artista ha un modo particolare di vivere, agire e reagire al mondo: dipende da come la realtà oggettiva, la forma, viene percepita e trasformata definendo così la modalità originale dell’espressione.
«Il pittore, come il musicista, il poeta eccetera, deve essere una persona molto curiosa oltre ad avere attitudine al disegno e al colore: bisogna sentirselo dentro. Però, poi, ci vuole la curiosità quasi infantile, quasi morbosa, quasi paranoica che crea i presupposti dell’opera pittorica. E ci si rimette in gioco di volta in volta».
Per quanto riguarda il pittore, il Maestro parla di una predilezione per le immagini mentali, di un entusiasmo per il colore, di uno sguardo, un gesto, una particolare rifrazione della luce su un oggetto che si trasforma in un’idea, un’immagine nella mente del pittore con cui egli gioca per un puro piacere edonistico. Solo successivamente arriva il momento di rendere visibile al mondo ciò che egli ha nel suo interno, ed è in questo momento che inizia la sfida, prima con la tela, così bianca, immacolata, perfetta nel suo candore, poi con se stesso. La sfida è nel riuscire a rendere fedelmente ciò che egli ha immaginato con tanta vividezza, una trasformazione che coinvolge l’artista in tutto il suo essere, che esplicita la sua essenza in un percorso per la maggior parte in salita. Da questo processo dipende il grado di autostima dell’autore, a volte tanto coinvolto nella riuscita del lavoro da sentirsi preda della sindrome di Stendhal, e infine dal grado di comprensione di chi lo guarderà.
«Si parte da un progetto mentale seguito da una serie di schizzi e di bozzetti; un’opera è sempre complessa e il pittore, molto spesso, non sa dove andrà a finire sviluppando il quadro. A volte si parte da un certo progetto per arrivare a una cosa completamente diversa, perché l’idea iniziale essendo in sintonia con lo stato d’animo dell’artista, si trasforma. Succede anche che andando avanti con una determinata gamma di colori poi si senta, ad un certo punto, l’esigenza di cambiare. Forse perché in quel momento manca qualcosa al necessario equilibrio armonico dell’opera».
Il percorso di Vincenzo Ancona inizia principalmente da una sorta di pulsione emozionale, quasi un’esigenza fisica, di capire chi è e qual è il suo ruolo nel mondo.
Due autoritratti, elaborati a soli due anni di distanza, evidenziano con quanta tenacia il Maestro scavi dentro di sé, alla ricerca di quelle risposte alle tante domande che un giovane artista pone a se stesso e al mondo in cui si trova a vivere, dimostrando, soprattutto, come solo l’arte, in quel momento, possa aiutarlo in questo cammino. Nelle due opere citate sono presenti disarmonia e armonia di sensazioni di uno stesso viso visto in epoche e con prospettive diverse. Esse si rivelano nell’uso delle gradazioni cromatiche, l’una che esprime un inconscio in movimento alla ricerca di un qualcosa che viene alla luce solo nei colori tenui e delicati del secondo autoritratto, la cui più evidente differenza con il primo risiede nello sguardo sereno che non indaga più chi lo guarda ma che anzi lo accompagna con la sua delicatezza verso un orizzonte lontano. Il turbinio cromatico del primo autoritratto è il corrispettivo pittorico del disagio con cui Vincenzo Ancona percepisce il mondo che lo circonda, un disagio che prima lo attanaglia e lo schiaccia, a cui poi egli, con il tempo, e soprattutto attraverso l’esercizio dell’arte, reagisce. Un percorso artistico e personale che si palesa nell’Autoritratto seduto, che celebra il trionfo dell’uomo-artista e tutto quello che il Maestro vuole esprimere. Nell’immagine è come se fossero sintetizzate la sua vita e la sua concezione dell’arte attraverso l’accostamento della sua persona, soggetto principale del quadro, agli elementi che lo circondano.
La pittura si impone come l’unico mezzo a disposizione di Vincenzo Ancona per naturalizzare il proprio modo di vedere e sentire in una società che ben poco concede ad uno spirito artistico. Dapprima l’arte è una sorta di passaporto per esistere, per giustificare di sentirsi diverso e lontano dagli schemi e dai paradigmi che ci impone la nostra società. Questo è il momento in cui è più affascinante l’idea di «essere artista» e ci si pone di fronte alla tela senza pregiudizi, si dipinge di getto cercando risposte alle tante domande ed iniziando a relazionarsi con sé e con il mondo. Solo successivamente si comprende la reale difficoltà di questa scelta, si smette di cercare risposte fuori e si capisce che solo guardando dentro di sé e alla propria esistenza attraverso il lavoro pittorico si possono risolvere i tanti quesiti rimasti sospesi.
Fu Pietro Annigoni, considerato da Vincenzo Ancona come uno tra gli ultimi miti sacri della pittura, a spiegargli cosa significa fare il pittore. Poche e semplici parole, che all’epoca egli, ventenne, non comprese in tutto il loro potenziale.
«Conobbi personalmente Annigoni mentre stava lavorando a Montecassino. Lo andai a trovare e gli parlai; una persona disponibile, un gigante umile, vestito da muratore con un cappello di carta affrescava quelle volte altissime. Le prime parole che mi disse: “Attenzione sotto, che ti sporchi tutto”. Poi scese, tutto pieno di polvere e di macchie, e mi disse ancora – e questo è bello perché al momento avevo 20 anni e non capii – “vuoi fare il pittore? Lascia perdere, perché ti devi mettere una croce sulle spalle e portarla fino al calvario, lascia perdere figlio mio”. La croce è metafora delle difficoltà di riuscire a dipingere come si vorrebbe e anche dei pregiudizi del mondo». Le parole di Annigoni non furono sufficienti a soffocare la spinta del Maestro a mettersi in gioco e a raccontarsi e a dipingere la sua vita attraverso le immagini, mettendo sulla tela se stesso, le sue esperienze, la sua esistenza.
Quando Vincenzo Ancona ha cominciato appena a padroneggiare il mezzo della pittura, ha iniziato, come ogni artista, a costruirsi un mondo, una realtà intima e privata, nella quale sentirsi sicuro, un luogo speciale in cui racchiudere e mantenere integri i suoi affetti, le sue paure, le sue speranze, la sua stessa essenza di uomo e di artista.
I volti e le figure umane dipinte si spingono al di là del loro essere materiale, vanno oltre il loro orizzonte più prossimo; la passione è spostata al limite, quasi all’esterno. Una tecnica omologa a quella descritta da Freud come spostamento dell’accento psichico ove l’impaginazione si evolve e la tecnica acquisisce nuovi contenuti, in una sorta di paradosso emozionale che rende la figura una forma di energia, un’azione psicologica che oltrepassa i limiti del tempo e dello spazio per rimanere intatta e essere compresa nell’archivio visivo, tattile e sensoriale dell’autore, e di chi, come lui, riesce ad intuire l’eternità della rappresentazione. I volti guardano dentro l’anima, sono il racconto di una vita che scorre, non sempre come si vorrebbe o come si era previsto, che lascia dei segni, più o meno profondi, più o meno indelebili in chi la vive e la vuole raccontare attraverso la sua arte. L’elegante ritratto della sorella Rossella è la rappresentazione della vita personale che si estrinseca sulla tela nella sua totalità, racchiudendo in ogni tratto le sue mille sfaccettature: una donna che si rapporta al suo ruolo di modella interpretandolo con composta ieraticità, allegramente sdrammatizzato dalla festosa vitalità della cagnolina Stella. Questa è la peculiarità di Vincenzo Ancona, vivere e rappresentare il suo vissuto in ogni sua piega, tutta la sua vita diviene componente fondamentale delle sue opere: questo modo di intendere il lavoro pittorico gli ha reso difficile il rapporto con il pubblico e con i giudizi estetici o critici. Fu a proposito di uno dei ritratti dei suoi familiari, Mio padre, che Vincenzo Ancona ebbe uno degli incontri meno graditi con il mondo della critica.
«Era la prima volta che dipingevo esplicitamente qualcosa dedicato a mio padre. Il lavoro di preparazione fu piuttosto lungo e lo coinvolsi in tutte le fasi della lavorazione. A quadro finito ne fu talmente entusiasta ed emozionato che a mia insaputa chiamò un critico d’arte piuttosto in voga all’epoca per mostrargli le mie opere. All’inizio fu
ben impressionato ed elogiò molto il tutto. Fece dei riferimenti a caposcuola pittorici dei primi del Novecento citando Casorati, dicendo che c’era un legame coloristico con quella che poi sarebbe stata chiamata la Scuola Romana. Dapprima ci trovammo d’accordo su molti punti, molti riferimenti erano coerenti; continuò poi a citare questo e quell’altro pittore, in special maniera alcuni ritratti di Casorati, che però io proprio non ricordavo (nonostante fosse vero che sia i colori che l’impostazione geometrica erano molto simili); mi dette dell’ignorante, ci lasciammo freddamente e non si fece più vivo. Non c’è dubbio che un pittore si formi anche sulle esperienze a lui precedenti, ma io quando dipingo seguo l’istinto che mi conduce verso un determinato colore o una certa impostazione, ma anche, e soprattutto, un preciso intento emozionale. A venti anni ero ancora molto ingenuo, tutto preso a costruire il mio mondo interiore, e non pensavo di trovare dei punti di riferimento che mi aiutassero ad esternarlo, e non ero certamente pronto ad affrontare il mondo della critica. Troppo spesso arte e critica parlano due lingue diverse, troppo spesso la critica si interessa più del mercato che dell’opera, fuorviando il messaggio oppure inventandolo completamente dove non c’è. Penso che là dove c’è una critica sana e costruttiva, espressa in maniera intelligente, che supporti un’opera che già parla da sola, con un suo linguaggio chiaro, anche se semplice, si crea una fusione di intenti al solo fine di aiutare l’arte ad esprimere e diffondere il suo messaggio. Il mercato dovrebbe essere rispettoso dell’operato di entrambi».
Nelle sue opere il Maestro si racconta, lascia una traccia del suo essere, del suo modo di concepire il mondo e quindi si aspetta di essere compreso dal suo potenziale spettatore e che venga individuato e capito l’intento comunicativo espresso in ogni tela, frutto di un discorso che scaturisce da una sintesi molto personale che l’artista fa di tanti e differenti elementi che popolano il suo inconscio. È, soprattutto, questa grande parte del suo essere che egli racchiude in ogni suo lavoro a renderlo scettico nei confronti di tanti sedicenti critici d’arte, opinionisti e tuttologi che, troppo spesso, dedicano maggiore attenzione alla ricerca di definizioni, influenze, raggruppamenti stilistici piuttosto che a cogliere la personalità e l’originalità di ogni autore e di come esprime il suo essere nel suo lavoro.
Vincenzo Ancona ha contratto un patto di mutua lealtà e contemporaneamente di indipendenza con l’arte e tale patto ha la sua colonna portante nell’ onestà.
«Per me in pittura è importante l’onestà con se stessi ed è inutile inventarsi uno stile o un genere pittorico. Ci sono situazioni e personaggi – come ad esempio il Caravaggio – che si sono espressi in un linguaggio rimasto inalterato attraverso i secoli e che suscita ancora oggi, con la stessa straordinaria potenza, le stesse sensazioni: tutto questo è dovuto all’onestà.
Caravaggio aveva privilegiato la cultura del vero, del reale, dell’onesto e molto spesso i committenti si trovavano in imbarazzo con lui proprio per questa sua peculiarità».
L’approccio di Vincenzo Ancona con l’arte è molto serio, lontano da metodologismi e classicismi. Onestà verso se stessi e verso il proprio operato, libertà dalle convenzioni e dalle costrizioni del mondo moderno che ci propone ossessivamente una enorme quantità di immagini fin troppo spesso artificiali e false. Egli pensa che la pittura non abbia bisogno di eccessi o alterazioni coloristiche e tematiche ma che nasca dall’osservazione delle immagini che il nostro mondo ancora conserva; immagini belle, poetiche,
ricche di colori e sfumature meravigliosi da cogliere come realtà oggettiva e trasformarla in realtà personale e soggettiva. La sua è una libertà intrinseca e formale che si esprime attraverso una tecnica strutturata e un grande rigore coloristico che gli permette una grande gamma di possibilità espressive.
In La vita è altrove, che elabora una tematica già affrontata da Gregorio Sciltian, crea un gioco che si innesta sul movimento dei corpi e degli elementi che, insieme alle coloriture pastello dagli accenti incandescenti, esprime con luminosa intensità le ansie e le paure del nostro tempo riguardo alla fine di questo mondo, in un momento, il 1989, che già sentiva l’arrivo del nuovo millennio e ne temeva la novità. Vincenzo Ancona esprime questo sentire attraverso la movimentazione degli elementi secondo direzioni opposte: in primo piano gli uomini, terrorizzati, che tentano di sfuggire alla liquefazione del loro mondo correndo verso il mare, in basso i pesci che cercano rifugio, invano, sulla terra ferma. Il quadro è tutto giocato sui contrasti e sul paradosso: risultato reso possibile grazie all’affinamento della tecnica pittorica, esaminata, elaborata, condotta al servizio dell’autore, e all’uso del colore, rigoroso e realistico, che gli permette di rendere i suoi soggetti con impressionante carica emozionale.
«Il colore: cos’è il colore? È luce. Per il pittore è quindi un linguaggio, usare il colore alterato significa usare un linguaggio alterato perché concepiamo una realtà alterata e questo succede anche a me ogni volta che uso gamme di colori insolite. In genere il pittore si stabilizza nel tempo su una certa gamma di colori».
Il colore, come la luce, è energia che scaturisce dal colore che condiziona la forma, in questa circostanza il compito del pittore è di incanalare l’energia nel modo giusto, nella forma giusta, tanto che lo stesso Vincenzo Ancona parlando dei colori dice: «è importante procedere sempre con armonia tra forma e colore».
Il rapporto con la tela, e quindi con se stesso, con il passare degli anni e con l’esercizio della pittura è diventato meno problematico, meno drammatico, più personale e diretto, Vincenzo Ancona sembra aver trovato la sua strada, quella che gli permette di esprimersi al meglio e con maggior disinvoltura.
«La sperimentazione è un’esigenza che percorre tutta la vita, in alcuni periodi è più vivida che in altri. Un momento in cui ho sentito particolarmente la provocazione dell’arte è stato tra i 20 e i 30 anni, mi sentivo un vulcano di idee e attivismo, di manualità, di operatività. Sentivo l’esigenza di nuove esperienze, di nuovi linguaggi, di modi nuovi e innovativi di espressione. È proprio in questo periodo che si colloca la mia prima esperienza espositiva: io e altri quattro artisti, tre pittori e uno scultore, creammo Etrarte, nome che simboleggia l’arte e il suo contrario, era una mostra concepita come un contenitore dove potessero confluire diverse idee di arte, qualsiasi espressione si proponesse con un animo artistico, perché non esiste una sola Arte con la ‘A’ maiuscola, l’arte è tale proprio perché è tutto e il contrario di tutto, è un processo di fusione in continua evoluzione. L’esperienza fu breve e meravigliosa, e comunque il mio concetto di arte è rimasto lo stesso: questo mi ha portato, nel 2005, a riproporre Etrarte, un laboratorio-contenitore dove gli artisti possano esporre le proprie creazioni e parlare d’arte. Ho scelto Lavinio non casualmente, la mia volontà è ancora quella di quando ero ragazzo, e scegliere questo posto è stata una sfida in primis verso me stesso, poi con il luogo, dove non succede mai nulla, ma allo stesso tempo, tutto potrebbe accadere. In un certo senso un luogo magico».
Non solo esperienze nuove ma anche linguaggi nuovi: Vincenzo Ancona si confronta anche con l’astratto, all’inizio degli anni Novanta risale una serie di lavori nei quali l’Autore intraprende una nuova strada di armonizzazione di forme e colori, che però viene presto abbandonata a favore del linguaggio figurativo, più idoneo ad un’espressione libera e totale. Questi lavori rispondono ad un’esigenza di ordine alla quale l’autore risponde imprimendo sulla tela un rigore geometrico alle linee. Non si tratta di un allontanamento o di uno stravolgimento di ciò che egli ha sempre prodotto, piuttosto della riprova che ormai è da considerarsi scavalcata l’ancora perdurante distinzione tra astratto e figurativo. Questo perché non è tanto cosa è materialmente presente sulla tela a definire il prodotto, bensì cosa e quanto di sé l’autore mette in gioco, il discorso artistico di cui è permeata l’opera. È il completo connubio tra la totalità dell’essere artista e l’opera che diviene trascrizione immediata di quello stesso essere, due esistenze, due enti separati, che tendono ad incontrarsi in un rapporto che mantiene intatte e sempre presenti le due identità. Come in tutti gli altri lavori prettamente figurativi anche questa parte di produzione, ad esempio il quadro che porta il titolo di Armonia astratta, materializza l’essenza del Maestro e la sua idea dell’arte: linee geometriche, stilizzazioni, accostamenti coloristici ancora legati al periodo sperimentale della ricerca del sé e dell’angoscia interiore, come nell’Autoritratto del 1984, a cui vengono accostate linee più morbide, colori meno forti, che estrinsecano un ulteriore passo avanti nella ricerca della sua via artistica.
«Si inizia sempre con una gran voglia di dire, di raccontarsi e si finisce con lo scavarsi dentro, ottenendo sempre diversi punti di riferimento. Si cerca un’identità e un percorso di vita. Con gli anni il linguaggio diventa sempre più complesso anche se il filo conduttore rimane lo stesso. Indubbiamente ci si conosce meglio poiché la pittura è un mezzo per conoscersi ed almeno per me è sempre stata una sfida con me stesso».
La definizione del linguaggio proprio di un pittore è un processo in continua evoluzione, si arricchisce continuamente di nuovi elementi e nuovi innesti che egli, grazie alla crescente esperienza che ottiene attraverso la pratica, impara a sintetizzare ogni volta con maggiore efficacia espressiva ed emotiva, sempre in accordo con le pulsioni che lo spingono ad esprimersi attraverso la modalità pittorica. L’arte è un fatto puramente personale, intimo, l’ispirazione che soggiace alla creazione di un’opera è frutto dell’impatto che le forme manifeste del mondo fenomenico hanno su un intelletto sensibile, ma non si tratta qui di una semplice rappresentazione del vero, si tratta di un’elaborazione che ha come punto focale il lavorio di uno spirito che prova ad estrinsecarsi in forma tangibile. Se l’identità tra rappresentazione e rappresentato era il punto di arrivo nell’arte classica, l’allargamento degli orizzonti umani, la conoscenza spinta molto oltre le proprie Colonne di Ercole, l’evoluzione intellettuale, psicologica e tecnologica, hanno cambiato il ruolo dell’espressione artistica che oggi più che mai si configura come agente di trasformazione della realtà e, più a monte, dell’esperienza che l’uomo ne fa, artificio umano al servizio dell’uomo alla ricerca di una nuova Verità contro le crescenti e incalzanti tendenze alla mistificazione e all’alienazione.
Ai giorni nostri l’arte proclama la sua indipendenza: tanti, forse troppi strumenti, abbiamo a disposizione per conoscere ciò che ci circonda, nulla ormai risulta incontrollabile; tutto fuorché l’essere umano stesso, fonte inesauribile di nuove esigenze, di nuovi bisogni e di nuovi interrogativi. Il discorso artistico si fa complesso, agisce su due livelli: la realtà esterna continua a fornire elementi di ispirazione, ma ciò che si materializza non è la sua copia, più o meno fedele, ma è l’animo di chi la percepisce che si manifesta, dando vita a nuove forme che esulano dalla forma stessa, perché prodotto di una condensazione psicologica che non necessita una somiglianza al reale, anzi la rigetta a favore di una creazione originale e geniale. Un esempio fra i tanti di questo nuovo proporre artistico è sicuramente l’arte informale, movimento che rispecchia profondamente il turbamento dell’uomo posto di fronte alla sua possibile fine che egli ha creato con le sue mani, che cambia totalmente il sentire e il creare artistico. L’informale abbandona la necessità di rappresentare l’esistente e uno dei principali scopi dell’artista diviene quello di rendere oggettivamente presente nella realtà il suo rapporto con i mezzi e la pratica dell’arte e attraverso questa operazione testimoniare l’opinione disperata che anche l’uomo ha di sé, ormai privo di qualunque orgoglio umanistico e disilluso sulla possibilità di interrogare sia gli spazi della natura che la voce interna della psiche.
Non c’è ormai più scampo alla stigmatizzazione dell’uomo in base alla sua sola immagine; ma la pittura, che paradossalmente è l’arte dell’apparire, attingendo all’esperienza umana più profonda diviene l’unico mezzo per scoprire davvero il nostro essere, l’unica verità a cui ancora aggrapparsi. La pittura sola può impossessarsi dell’anima delle cose, ed è questa volontà di possesso che muove la mano dell’artista che si ripropone di renderla manifesta, tentando di ridurla ad un simbolo che possa evocarla. Ed è qui che nasce un potere quasi divino: durante il percorso di trasformazione dall’idea originale al simbolo acquista una sua propria anima, che lo rende unico e originale e sostanzialmente altro dal suo referente primo. Maternità attraverso le pennellate di colori dense di sfumature pastello rivela una bellezza velata che si impone come una celebrazione del femminile nel suo compimento più alto, quello di madre. Il quadro fu dapprima concepito come una Madonna, in corso d’opera il suo significato si è esteso per abbracciare un concetto prettamente femminile di donna come Madre Natura da cui traggono origine sia la vita che la morte, elementi non contrapposti ma complementari e necessari. La sottile sfumatura liberty che colora lo sfondo imprime alla tela una sorta di tessitura d’arazzo, ricamata da una grande gamma di diversi tipi di piante e fiori, alcuni commestibili e altri velenosi, da cui emerge la donna, che qui sembra trarre origine solo da se stessa a celebrazione del dono tutto femminile di donare vita e morte, in un respiro di sospesa eternità. Il quadro è costruito su una complessa simbologia interna che richiama la mitologia egizia, sumera, classica e la tradizione cristiana, in un gioco di affinità e contrasti: il serpente, forse l’animale che per primo ha popolato la fantasia degli uomini, rubò a Gilgamesh la pianta dell’immortalità, la mangiò e cambiò pelle, iniziando così il suo continuo processo di rigenerazione e segnando il destino di eterna mortalità dell’uomo. Gilgamesh era figlio di una dea e di un mortale, un eroe umano che simboleggia l’artista nella sua continua sfida alle leggi della fisica e della natura alla ricerca dell’immortalità, meta tanto agognata quanto evanescente. Il serpente, metafora di continuo rinnovamento, si trova qui in perfetto sodalizio con il ragno, protagonista di tanti miti e leggende, che qui si incarna come tessitore delle vite e dei destini umani, che, come l’artista, crea la sua opera e da essa dipende per la sua rigenerazione. Una celebrazione della vita in tutti i suoi aspetti, la dolcezza delle sfumature, la quiete di una madre che abbraccia il figlio, la forte presenza di una natura da cui la donna è creata ma che è fonte di eterna rigenerazione, sono lo specchio di una personalità che si è riappacificata con l’esistenza, se ne sente parte e ne comprende la magnificenza.
Questa nuova esistenza non è una creazione originale dell’autore, ma è il risultato di uno sguardo che indaga sotto l’apparenza scostante della realtà quotidiana per restituirle, almeno sulla tela, quella che Vincenzo Ancona definisce la vera imago mundi, ossia la vera immagine del mondo una volta eliminata quella pellicola, creata dall’uomo e dal suo accecato operare, che nasconde «…un mondo meraviglioso, stupendo, di colori bellissimi: dobbiamo imparare a vedere la realtà oggettiva e anche quella soggettiva». Nel suo operare è indubbia una forte tendenza al realismo dei modelli, ma, nella continua ricerca mirante ad estrinsecare l’essenza delle cose quotidiane trova la possibilità di creare, attraverso le forme e i colori, per ogni oggetto indipendente un’altra modalità di esistenza che è tale solo perché scaturita dalle sue mani, che trova spazio nella «zona interiore», un’oasi di quiete e stabilità, su cui si poggia il mito di una pittura felice. Questa volontà prende particolarmente vigore nei paesaggi in cui la natura rivela la forza dei suoi stessi colori e si mostra nella sua pienezza diventando quasi un emblema. La resa paesaggistica è un evidente omaggio alla grande tradizione impressionista, elaborata in modo personale dal Maestro, che si discosta dall’intento di resa precisa, quasi scientifica, propria soprattutto del primo impressionismo, per lasciare spazio ad una pennellata più libera e a un tratto più istintivo nella volontà di resa sensoriale di uno stato d’animo o di una suggestione ambientale, per donarle nuovamente il ruolo di protagonista che ha perso nella nostra era. Al di là dell’immagine totale che vediamo, esiste un mondo a parte, in cui ogni singolo particolare, ogni frammento di un qualsiasi oggetto gode di una propria vita, definita dal particolare tipo di luce che lo investe e da come questa crea ombre e rifrazioni, non dipendente dall’oggetto primo ma che al tempo stesso ne è componente fondamentale. I paesaggi di Vincenzo Ancona sono percorsi da una volontà di sintesi delle diverse esistenze che popolano la realtà, si ripropone di gettare uno sguardo totale che comprenda la natura nella sua sostanza, tralasciando il superfluo, trasposta sulla tela come perfetto connubio di percezione sensoriale e suggestione emozionale, soggetto rappresentante e oggetto raffigurato che non possono prescindere l’uno dall’altro. Il volo ci restituisce l’immagine di una natura vergine e benevola che attira l’uomo a rendersene di nuovo parte, che vuole essere guardata con lo sguardo senza malizia di un bambino e si propone come inizio e meta di un viaggio alla riscoperta del vero. Luce e colore sono le componenti necessarie a questo tipo di resa, e l’autore si avvale delle tecniche impressioniste di ombreggiature, non usa il nero ma i colori complementari per ottenere la sensazione di positiva luminosità anche quando la natura viene colta nei suoi momenti più drammatici e violenti. Il colore viene sfruttato in tutte le sue potenzialità per scoprire di volta in volta effetti e suggestioni nuove, di particolare efficacia è la rielaborazione tutta personale ed originale che l’autore fa delle influenze della Scuola Romana, di cui vengono evidenziate la nitidezza del segno e la colorazione per campiture, e del primo Futurismo che già si propone come una provocazione, come uno shock poetico ma non ancora totalmente libero dai suoi retaggi impressionistici.
Queste influenze diventano nell’operato di Vincenzo Ancona la volontà di raffigurare gli aspetti più immediati ed emotivamente carichi della realtà, senza la necessità di ricorrere a precetti estetici rigorosi: questi riferimenti sono più che mai vivi in alcune figure che, pur dimostrando notevoli passi avanti nella strutturazione del proprio linguaggio, si pongono ancora in una fase di transizione, che, abbandonate le tonalità incandescenti, solo successivamente sperimenta nuove tecniche e pratiche, che si illumineranno di una brillante chiarezza.
Saper estrapolare i giusti insegnamenti, la continua ricerca insieme al lavoro portato avanti con tenacia hanno creato le basi sulle quali poter assestare un linguaggio proprio, personale, originale, ricco di commistioni ma mai banale.
«Da qualche anno mi sono dedicato ad un figurativo mio, molto onirico, privato, intimo e penso che questo vale un po’ per tutti gli artisti: oggi ci si chiude non ci si apre a un dialogo collettivo, non cerchiamo più la pietra filosofale in un laboratorio aperto al pubblico. È l’epoca che è così. Si parla pochissimo, ognuno dice la sua secondo un proprio canale intimo e consolidato con il tempo. Tutto è stato detto in arte, però non tutto è stato detto da me, da te o da un pittore nuovo. Attraversiamo in campo artistico un periodo abbastanza strano, abbastanza confuso, oggi si fa molta sperimentazione, forse perché manca una tendenza o uno stile che racconti un’epoca che ancora non ha saputo inventare tutto. Il ventunesimo secolo ancora lo dobbiamo costruire dal punto di vista poetico, artistico e letterario e andiamo avanti con i retaggi di un secolo fa».
Nell’epoca confusa e incerta che stiamo attraversando la pittura di Vincenzo Ancona getta uno sguardo selettivo sulla realtà, i suoi soggetti, le scene da lui dipinte si propongono come metafore di speranza, piacevoli sublimazioni di una realtà che lascia poco spazio alle emozioni, appigli per non perdere il ritmo inconscio di una sua certezza creativa che accompagna la malinconica solitudine della modernità.
postato da: laureato alle ore 25/03/2009 07:24 | Permalink |
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martedì, 24 marzo 2009
zuleima wever
Zuleima Wever
Favole e leggende
Disegni di Maria Teresa Marchese
Introduzione di Valeria Medori
- 5 COLLANA FAVOLE
Editrice Totem
Introduzione
Zuleima Wever, originaria delle Antille Olandesi, nel Mar dei Caraibi, nei suoi scritti porta con sé la bellezza e i retaggi della lunga tradizione del suo paese, da sempre crocevia di civiltà e culture diverse.
Favole e miti non sono solo il racconto di eventi e situazioni eccezionali, dietro ognuno si cela un’ampia complessità di significati e interpretazioni, specchio delle concezioni e delle credenze su cui si impernia la civiltà che li ha prodotti.
In questo senso i racconti di Zuleima Wever ci propongono una visione della vita trascendente e terrena allo stesso tempo, i cui protagonisti, uomini, piante e animali sono legati da uno stesso destino creaturale, un invisibile ma solidissimo filo magico che rende fantastica la realtà e reale la fantasia.
Leggere favole ai bambini è molto più che occupare il loro tempo, significa trasportarli in mondi e luoghi lontani, insegnando loro a viverli ed interpretarli. Queste favole e leggende dal sapore internazionale, amalgamano personaggi della mitologia autoctona e santi cattolici, per una lettura semplice e significativa, adatta ad un pubblico curioso e dalla mentalità aperta, pronto a cogliere il messaggio di tolleranza e rispetto dovuto alla nostra e altre culture.
Valeria Medori
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martedì, 24 marzo 2009
zuleima wever
Fa vole
e leggende
Zuleima Wever
Disegni di
Maria Teresa Marchese
Introduzione di
Valeria Medori
Editrice Totem
Zuleima Wever
maggio 1968. A cinque anni si trasferisce ad
Aruba, isola natale del padre, nelle Antille
Olandesi, dove frequenta la Reina Beatrix
School per poi diplomarsi presso la Juliana
School M.A.V.O. Durante il liceo conosce
Carlo, che sposerà nel 1989 e con il quale
poi si trasferisce in Toscana, prima a Firenze poi a Carmignano,
per gestire alcune attività insieme al marito. Nel frattempo si
specializza in amministrazione di biblioteche e archivi. Nel 1996,
nasce in Colombia il 31
con la nascita della seconda fi glia, decide insieme alla famiglia
di trasferirsi nuovamente ad Aruba, dove inizia a scrivere delle
favole ispirate ad antiche leggende del luogo: in un primo
tempo solo per le fi glie, successivamente le sue storie vengono
pubblicate da un settimanale locale per bambini, il Bon Dia
Aruba. Nel 2008 torna in Italia, stabilendosi a Nettuno (Roma),
dove attualmente vive e lavora.
!
10,00
ISBN 978-88-903699-4-0
6183 – 207681
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mercoledì, 18 marzo 2009
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mercoledì, 18 marzo 2009
editrice totem
Vincenzo Ancona
Profilo d’autore
a cura di Valeria Medori
editrice totem
© COPYRIGHT 2009 BY EDITRICE TOTEM
VIALE ACQUA MARINA 3
00042 LAVINIO LIDO – ROMA
TEL. 06/90286930 – 338/2441260
e-mail [email protected]
sito internet www.editotem.it
TUTTI I DIRITTI RISERVATI
VIETATA LA RIPRODUZIONE ANCHE PARZIALE
In copertina: Autoritratto (part.) 1984
Ottimizzazione redazionale di Valeria Medori.
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mercoledì, 18 marzo 2009
editrice totem
Celestina Grimaldi
Celestina
Prefazione di Valeria Medori
- 45 COLLANA CLAN
Editrice Totem
ISBN 978-88-903699-5-7
6183 – 207681
© COPYRIGHT 2009 BY EDITRICE TOTEM
VIALE ACQUA MARINA 3
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TEL. 06/90286930 – 338/2441260
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TUTTI I DIRITTI RISERVATI
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In copertina: Foto dell’Autrice vestita da ciociaretta.
Ottimizzazione redazionale di Valeria Medori.
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venerdì, 06 febbraio 2009
Celestina Grimaldi
Celestina
Prefazione di Federica Spaziani
- 45 COLLANA CLAN
Editrice Totem
Prefazione
Si sa che la memoria enfatizza i ricordi, specialmente quando si riferiscono al lontano periodo dell’infanzia. Eppure, immergendosi in essa, si provano le stesse emozioni di un tempo, difficili da descrivere. Rivedere poi, anche solo per immagini, i luoghi dove abbiamo giocato da fanciulli, dove abbiamo trascorso momenti spensierati, quando tutto ci sembrava bello e amico, significa sentirsi diversi dal solito. La realtà che ci circonda non è più tale, non ci pesa più sulle spalle con il suo carico di vita vissuta lottando e sempre in salita.
L’età dell’innocenza è una dimensione a sé stante, unica e magica e per questo indimenticabile. Anche a mille anni di distanza (magari fosse possibile!) vivremmo i momenti della fanciullezza come fatti accaduti ieri. Ed è proprio dai primi anni di un’esistenza intensa e ricca di avvenimenti che inizia il racconto autobiografico di Celestina Grimaldi. Attraverso alcune vecchie foto, l’Autrice mette ordine tra i suoi ricordi e con abile maestria accompagna il lettore in un viaggio a ritroso nel tempo, tra i ricordi di famiglia, in un mondo fatto di giochi, di risate, di scorribande di ragazzini che si apprestano a conoscere la vita con curiosità ed entusiasmo, regalandoci un po’ delle sue stese emozioni, ci descrive paesaggi, quasi colorandoli, come fossero affreschi.
All’inizio degli anni 1940 i fatti narrati sono segnati in modo indelebile dagli avvenimenti storici del tempo, dapprima vissuti sullo sfondo della II Guerra mondiale e poi travolti da essa, dalle sue brutture e dai suoi orrori. Tuttavia, il tempo trascorre e il rumore assordante dei bombardamenti, le perquisizioni, le retate lasciano presto spazio alla vita stessa che, prepotente ed inarrestabile, va avanti e Celestina approda alla lunga stagione dell’adolescenza, alle prese con episodi di vita densi di nuove emozioni, in cui l’incanto dei sogni prende forma di progetti.
Scorrendo queste pagine, si entra in punta di piedi in un passato che rivive in tutta la sua sofferta, ingenua bellezza. Lo stile di Celestina Grimaldi è spontaneo, intimo, familiare. Il suo è un discorrere colloquiale e aperto, che regala al lettore la sensazione di trovarsi seduto nel salotto dell’Autrice sorseggiando una tazza di te, commentando insieme un album di vecchi ricordi, proprio come solitamente avviene tra amici.
Certamente un romanzo autobiografico, ma pervaso dei colori di un artista capace di dipingere in campiture semplici ma sostanziose il suo vissuto. La narrazione si snoda sotto l’onda dei ricordi che si rifrangono nella mente in mille rivoli e che, accavallandosi e mischiandosi, riportano alla luce momenti, circostanze, sensazioni di un passato ormai scomparso del tutto nel caotico quotidiano della vita odierna. Queste pagine-ricordo conquistano e diventano, nonostante il ristretto ambito in cui si svolgono (quello familiare, della via, del borgo), testimonianza di un vissuto irripetibile.
L’Autrice giunge alla determinazione di rivisitare alcuni episodi della sua vita per una duplice ragione: per il naturale desiderio, che tutti coltiviamo, di non disperdere la memoria di ambienti, fatti e personaggi a noi cari ed emotivamente significativi; per provare una scrittura non costruita asetticamente a tavolino, magari con abilità tecniche ed inventive mutuate da una lunga consuetudine di letture, ma disancorata dalla realtà vera effettivamente vissuta, dalla vita che ha attraversato piena di sensazioni, esaltazioni, sconfitte e successi, gioie e dolori, amori e amicizie, delusioni e risentimenti, conflitti, frustrazioni e sogni.
Celestina Grimaldi ritiene che questa scelta risponda ad un bisogno di verità e di sincerità che il mondo in cui viviamo oggi, così consumato dal delirio del denaro e del successo, ha smarrito nei meandri di una coscienza estesa spesso messa a tacere.
L’Autrice immerge le mani nel tesoro custodito per lunghi anni nello scrigno della memoria tirando fuori poche monete luccicanti in un lento ricamo che cresce mediante aggiunte ed intersecazioni successive, tracciando un nuovo percorso e un nuovo tempo che saranno motivo di resistenza e di vita.
Le delicate liriche, impalpabili versi che condensano un fatto o un’emozione, sono degno corollario, come le foto, a un volume che vale la pena di leggere e conservare.
Federica Spaziani
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venerdì, 16 gennaio 2009
vito caporaso
VITO CAPORASO
…STO CERCANDO DI SMETTERE
racconti
prefazione di Michele d’Andrea
- 44 COLLANA CLAN
Editrice Totem
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venerdì, 16 gennaio 2009
sbarco di Anzio
Comune di Anzio
16 GENNAIO 2009
È tutto pronto per celebrare il 65º anniversario dello sbarco di Anzio
Operazione Shingle
Sabato 24 gennaio 2009 – Ore 10,30 Convegno “Dallo Sbarco alla Battaglia di Anzio” – Cinema Astoria – Via Matteotti presentazione dei libri di Patrizio Colantuono “Dallo Sbarco alla Battaglia di Anzio” e di Gianfranco Cotronei “Lo Sbarco di Anzio e Nettuno – 1944 – foto, personaggi, curiosità” – Editrice Totem.
Intervengono, oltre agli autori, lo storico Gianni Bisiach ed il giornalista Felice Borsato.
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mercoledì, 14 gennaio 2009
lo sbarco di anzio
Lo sbarco di Anzio e Nettuno
1944
foto personaggi curiosità
a cura di Gianfranco Cotronei
L’operazione Shingle
“ciottolo di spiaggia”
- 29 COLLANA IMPORTANT
Editrice Totem
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martedì, 06 gennaio 2009
Francesco Buscemi
Genesi dell’Estetica Moderna
confessio metaphysici
prefazione di Valeria Medori
- 30 COLLANA IMPORTANT
Editrice Totem
ISBN 978-88-903699-6-4
6183 – 207681
© COPYRIGHT 2009 BY EDITRICE TOTEM
VIALE ACQUA MARINA 3
00042 LAVINIO LIDO – ROMA
TEL. 06/90286930 – 338/2441260
e-mail [email protected]
sito internet www.editotem.it
TUTTI I DIRITTI RISERVATI
VIETATA LA RIPRODUZIONE ANCHE PARZIALE
In copertina: Vincenzo Ancona – Mio Padre – olio su tela – 1988.
Ottimizzazione redazionale di Valeria Medori
Indice nomi
Anassagora 59
Anassimandro 58
Anassimene 58
Aristotele 5, 12, 28, 54, 58, 59, 61, 62, 63
Avicenna 50, 51
Baudelaire C. 6
Baumgarten A.G. 7, 9, 10, 11, 12, 14, 15, 16, 22, 23
Bergman I. 14
Berkeley G. 17, 36, 37
Bourdieu P. 6
Cartesio R. 18
Chisholm R. 14
Croce B. 7, 10, 23
Democrito 58
Empedocle 58
Eraclito 58
Frede M. 62
Giovanni Paolo II 50
Hasseveldt R. 44
Hegel G.W. 17
Heidegger M. 7
Herbart J. F. 14
Herder J. G. 22
Kant I. 6, 11, 12, 22, 23, 36, 37, 56, 63
Leibniz G. 12, 16
Lowell R. 41
McLuhan M. 5
Mendelssohn M. 22
Montini, Paolo VI 51
Paolo Apostolo 33
Parmenide 58
Patzig G. 62
Platone 54, 57, 58, 59, 63
Plotino 7
Rorty R. 15
Rostagni A. 60
Saitta G. 63
Schelling F. 11, 19, 23
Schiller F. 19
Schopenhauer A. 6, 19, 28, 37
Smith Adam 53
Spiller C. N. 52
Talete 58
Tommaso san, d’Aquino 49
Tricerri D. 41
Vivenzi G. 53
Wackenroeder W. 19
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mercoledì, 31 dicembre 2008
Francesco Buscemi
Genesi dell’Estetica Moderna
confessio metaphysici
prefazione di Valeria Medori
- 30 COLLANA IMPORTANT
Editrice Totem
ISBN 978-88-903699-6-4
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In copertina: Vincenzo Ancona – Mio Padre – olio su tela – 1988.
Ottimizzazione redazionale di Valeria Medori
Prefazione
Francesco Buscemi, giovane filosofo catanese, dipana in questo saggio una ricca messe di cesellature intellettuali che percorrono un affascinante viaggio alla scoperta delle sorgenti dell’estetica moderna. Dalla rappresentazione, sempre imperfetta, dell’idea del Bello di derivazione platonica alla sua materializzazione concreta con Aristotele, l’esplosione dell’Illuminismo mette in luce la controversia del rapporto tra Techné e Poiesis.
Controversia che diviene necessità di ripensamento e di riflessione sull’identità dell’estetica: urge una nuova definizione che apra l’estetica ai nuovi orizzonti del nostro tempo da indagare con una dotazione metodologica flessibile in grado di avvicinare realmente tutta quella vastità di fenomeni complessi e differenziati, ormai lontani dall’Idea e dalla sua rappresentazione, che coinvolgono la sfera del sentire contemporaneo.
In questa epoca del mondo ogni stile, ogni poetica sono simultaneamente presenti nel villaggio globale ma non migliorano le ricerche sulla genesi dell’estetica moderna e le condizioni del suo attuale consumo di massa.
L’era elettrica, così denominata da Mc Luhan, con la saturazione tecnologica che ne è conseguenza, ha cambiato il nostro modo di sentire, agire e reagire. Ciò che prima era reale, l’armonia di una tela, la vox di un eloquio, la dolce malleabilità della materia, l’incontro di musica e poesia, la spontaneità degli affetti, questi antichi luoghi hanno perso consistenza, sono spinti oltre il loro senso primo, sono divenuti irreali se non addirittura illusori o devianti.
L’estetica è così privata dei suoi tradizionali oggetti d’indagine, lasciando spazio piuttosto a quella che Bourdieu definiva teoria dei beni simbolici, o scienza degli artefatti culturali.
Può l’esperienza artistica resistere alla conquista della tecnica? L’estetica contrappone al pensiero intellettuale, analitico, logico, disgiuntivo la sua barriera di pensiero sintetico, analogico, accumulante: unica resistenza possibile – come suggerisce l’Autore – all’onda anomala e altrimenti irrefrenabile della tecnica.
Se la sensazione è reversibile, e teoricamente è reversibile, dalla coscienza, luminoso punto singolare della partecipazione universale, si potrebbe tornare alla «tenebrosa e profonda unità», come dice Baudelaire, quindi all’inconscio. L’apparire, l’arte, è il luogo della nostra esperienza più profonda (Schopenhauer), è l’arte che dona chiara brillantezza alla volontà che governa il mondo, e l’esperienza dell’arte e del bello ha a che fare solo con l’apparenza; proprio nel mondo dell’apparenza noi scopriamo qualcosa che è la verità più vera del vero, il senso del nostro essere (Kant).
La mimesis dei greci non consiste in una mera riproduzione della realtà sensibile ma nell’«idealizzazione» di essa che implica la centralità del valore della somiglianza tra raffigurazione e raffigurato: l’arte e la riflessione estetica moderne spostano il loro baricentro, in una perdita di consistenza della dipendenza della rappresentazione dal rappresentato. Nel nostro tempo è lo spirito il nuovo soggetto-oggetto protagonista dell’arte, e ciò sicuramente rende più arduo il compito dell’artista: rendere manifesta l’autonomia dell’arte in quella che Croce definisce intuizione-espressione. Accettare l’arte come fatto spirituale, interiore comporta l’abbandono delle forme manifeste a favore di una creazione che ha come punto focale ciò che è dentro di noi, una creazione tanto personale quanto compartecipata. Le nuove forme sono l’essenza del poietes che egli stesso estrinseca solo attraverso il suo estro creativo e la sua genialità.
Salvo, poi, notare che l’estetica moderna ha forse dimenticato il rapporto essenziale – quello tra arte e tecnica – che invece il mondo greco aveva ben compreso.
Il pregio di questo studio di Francesco Buscemi è proprio quello di essere una riflessione molto di parte sull’estetica e sui destini attuali della sensibilità e dell’arte. La nascita settecentesca dell’estetica – all’interno di un assunto storiografico heideggeriano – con Baumgarten porta a termine il lungo processo di interiorizzazione del sensibile iniziato da Plotino e che ha conferito dignità teorica al fatto fondamentale della modernità, per cui l’esperienza dell’arte si ritira progressivamente nel medio della rappresentazione e della soggettività. Pertanto, è un’estetica colpevole di aver costruito il suo discorso attorno al nucleo centrale della coscienza riflessiva, capace di provare piacere di fronte alle opere d’arte. E Heidegger è forse responsabile di una linea «romantica», legata alla tradizione filosofica tedesca, colpevole di considerare l’opera d’arte come messa in opera della verità.
Valeria Medori
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domenica, 14 dicembre 2008
postato da: laureato alle ore 14/12/2008 18:47 | Permalink |
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domenica, 14 dicembre 2008
GABRIELLA BALESTRIERI
Il gregge, i giullari e il pastorale
MARIO BANELLA
Al passar della luna
MARIO BANELLA
Chiara e le altre
AUGUSTO BASTIANINI
Scattering
SONIA SELENE BURZAGLI
Castelli di sabbia
VITO CAPORASO
Toglietemi il vino
VITO CAPORASO
L’ora del lupo
MARIA LUISA CAPUTO
Le storie di Mizar
MARIO CHIRICO
Pettinengo e dintorni
MASSIMO DI ZIO
L’onorevole Sparacani
FRANCO FASCETTI
Ultime romanze
FRANCO FASCETTI
Seconde romanze
FRANCO FASCETTI
Nuove romanze
FRANCO FASCETTI
Romanze del terrore
MIRIAM FERRI
Ma solo con tanto amore
UMBERTO GATTI
Appunti di mare
FRANCESCO GAZZÈ
Piovve su Emilia
CATERINA GEMMA – QUINTINO DI MARCO
Ti manderò una lettera rosa
MASSIMO GRECI
I mercanti del tempio
ANGELO GUACCI
Odio le donne
LUCIO ISABELLA
La figlia della strega
LUCIO ISABELLA
Il canto del gabbiano
PIETRO LEVANTESI
E i birilli stanno a guardare
MAURO LORENZINI
Il succubo
LIA LUPRÈ
Corsa ad ostacoli
MAURIZIO MANICCIA
I tre volti di un destino
MAURIZIO MANICCIA
Sotto l’ombra della luna
MARCO MANIGAS
L’assassino dai piedi di piombo
GIOVACCHINO MARIMPIETRI
Sogno d’amore
DONATO MARTUCCI
Schegge di storia
GINO PENNACCHI
Dall’Etiopia in poi
PERVIO
Romanze
JOANA ROMAN
Una vita vera
LINA SAVATTERI
La vita è pathos, è lirismo
SERENELLA SCIPIONI
Trionfo d’aurora
GUGLIELMO SPOLETINI
La ballata di un campione
MELI
GABRIELLA BALESTRIERI
Il gregge, i giullari e il pastorale
MARIO BANELLA
Al passar della luna
MARIO BANELLA
Chiara e le altre
AUGUSTO BASTIANINI
Scattering
SONIA SELENE BURZAGLI
Castelli di sabbia
VITO CAPORASO
Toglietemi il vino
VITO CAPORASO
L’ora del lupo
MARIA LUISA CAPUTO
Le storie di Mizar
MARIO CHIRICO
Pettinengo e dintorni
MASSIMO DI ZIO
L’onorevole Sparacani
FRANCO FASCETTI
Ultime romanze
FRANCO FASCETTI
Seconde romanze
FRANCO FASCETTI
Nuove romanze
FRANCO FASCETTI
Romanze del terrore
NA VARVO
MIRIAM FERRI
Ma solo con tanto amore
UMBERTO GATTI
Appunti di mare
FRANCESCO GAZZÈ
Piovve su Emilia
CATERINA GEMMA – QUINTINO DI MARCO
Ti manderò una lettera rosa
MASSIMO GRECI
I mercanti del tempio
ANGELO GUACCI
Odio le donne
LUCIO ISABELLA
La figlia della strega
LUCIO ISABELLA
Il canto del gabbiano
PIETRO LEVANTESI
E i birilli stanno a guardare
MAURO LORENZINI
Il succubo
LIA LUPRÈ
Corsa ad ostacoli
MAURIZIO MANICCIA
I tre volti di un destino
MAURIZIO MANICCIA
Sotto l’ombra della luna
MARCO MANIGAS
L’assassino dai piedi di piombo
GIOVACCHINO MARIMPIETRI
Sogno d’amore
DONATO MARTUCCI
Schegge di storia
GINO PENNACCHI
Dall’Etiopia in poi
PERVIO
Romanze
JOANA ROMAN
Una vita vera
LINA SAVATTERI
La vita è pathos, è lirismo
SERENELLA SCIPIONI
Trionfo d’aurora
GUGLIELMO SPOLETINI
La ballata di un campione
MELINA VARVO
Germogli
CARLO LUIGI ZANNI
L’ombrello verde
CARLO ZAPPULLA
Un uomo qualsiasi
Germogli
CARLO LUIGI ZANNI
L’ombrello verde
CARLO ZAPPULLA
Un uomo qualsiasi
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domenica, 14 dicembre 2008
editrice totem
prefatori e critici
Walter Pedullà
prefazione a
AUGUSTO BASTIANINI
Scattering
Luigi De Nardis
prefazione a
PAOLO PROCACCINI
Er patto – stucco
Giuseppe Jovine
prefazione a
LIA LUPRÈ
Corsa ad ostacoli
Giovanna Marini
introduzione a
CRISTIANO MARIA CARTA
Resistenza
Maria Pia Miscio
prefazione a
RENATO DI DOMENICO
Tutte le poesie
Gianfranco Cotronei
prefazione a
MAURIZIO MANICCIA
Sotto l’ombra della luna
Vincenzo Balzamo
prefazione a
RAFFAELE ROMANO
Giacomo Matteotti
Carlo Artusi
prefazione a
- FEDELI – G.C. COLOMBO
Compendio di uno studio di fattibilità
Francesco Pisciotta
prefazione a
MARIO DEL NOCE
Un cuore… una città
Gianfranco Cotronei
prefazione a
CONCETTA IMMORDINO
Scampoli di un anno
Mara Ferloni
prefazione a
SERENELLA SCIPIONI
Trionfo d’aurora
Lucio Anzalone
prefazione a
RAFFAELE GAMMAROTA
Miraggi
Fiorella Belpassi
prefazione a
PERVIO
Romanze
Giuseppe Catapano
prefazione a
MIRIAM PELLEGRINI FERRI
Ma solo … con tanto amore
Francesco Tirone
prefazione a
MARIO DEL NOCE
Pazzianno… pazzianno…
Monica Vagnucci
introduzione a
UMBERTO GATTI
Appunti di mare
Gianfranco Cotronei
prefazione a
FRANCO FASCETTI
Nuove romanze
Ugo Berardi
prefazione a
ROSARIA TRENTA
Epifanie
Quintino Di Marco
analisi critica a
RENATO DI DOMENICO
Tutte le poesie
Francesco Punzo
prefazione a
MARIO DEL NOCE
La voce dell’anima
Augusto Giordano
prefazione a
ROSARIA TRENTA
Escerti di vita
Giulio Butticci
nota introduttiva a
MARIA TERESA LUCCI
Il Fucino: un lago scomparso
Adriana Lioi
prefazione a
MARCO MANIGAS
L’assassino dai piedi di piombo
Gianfranco Cotronei
prefazione a
LUCIANNA ARGENTINO
Gli argini del tempo
Guido Antonangeli
analisi critica a
RENATO DI DOMENICO
Tutte le poesie
Gianfranco Cotronei
prefazione a
FLAVIO NICOLO’ SALE
I giardini di Lascaux
Corrado Schreiber
recensione a
MARIO VENUTI
Aerodinamica oggi
Zoe Dumitrescu Busulenga
introduzione a
ACCADEMIA DI ROMANIA
Roma trajanea – la romanità orientale
Ugo Berardi
prefazione a
FRANCO FASCETTI
Seconde romanze
Aldo Manganaro
prefazione a
GUIDO ANTONANGELI
Maestro di vendita
Ilaria Giovinazzo
prefazione a
UMBERTO GATTI
Appunti di mare
Silvia Roia
introduzione a
MARCO MANIGAS
L’assassino dai piedi di piombo
Teodoro Cutolo
introduzione a
RENATO DI DOMENICO
Tutte le poesie
Rachele Chiurco
prefazione a
GABRIELLA BALESTRIERI
Il gregge, i giullari e il pastorale
Augusto Bastianini
analisi critica a
RENATO DI DOMENICO
Tutte le poesie
Dante Fontana
presentazione a
SALVATORE ACANFORA
Il cittadino e il parlamento
Gianfranco Cotronei
prefazione a
FRANCO FASCETTI
Romanze del terrore
Luigi Parrinello
note biografiche a
SILVIO NICOLODI
La mia vita per la pittura
Dante Fontana
analisi critica a
RENATO DI DOMENICO
Tutte le poesie
Liliana D’Ambruoso
prefazione a
- LOLIVA D’AMBRUOSO
Luci e ombre
Gianfranco Cotronei
prefazione a
AMLETO DE ANGELIS
Sul gradino del cuore
Anna Rita Cosi
analisi critica a
RENATO DI DOMENICO
Tutte le poesie
Augusto Giordano
prefazione a
MARIA CRISTINA AMICI
Le leggi dell’universo
Pino Blasone
prefazione a
CRISTIANO MARIA CARTA
Resistenza
Massimo Gualdi
collaborazione scientifica a
ALESSANDRA CIAURI
Miopia, addio
Gianfranco Cotronei
prefazione a
FRANCO FASCETTI
Ultime romanze
Mikhail Pojaritski
prefazione a
ALESSANDRA CIAURI
Miopia, addio
Paolo Allegrezza
analisi critica a
RENATO DI DOMENICO
Tutte le poesie
Cristiana Piròla
Introduzione a
MARIA LUISA CAPUTO
Il canto del nomade
Nicola Bietolini
prefazione a
VALERIA MARIOTTI
Soffio di vento
Fausto Carotenuto
prefazione a
MARINA ANGELINI
Verso la luce
Gianfranco Cotronei
prefazione a
MARINA ANGELINI
Frammenti di vita
Monica Vagnucci
prefazione a
FRANCESCO BUSCEMI
Metafisica della malattia mentale
Vito Caporaso
prefazione a
MARIO CHIRICO
Pettinengo e dintorni
Adriana Lioi
prefazione a
CARLO ZAPPULLA
Un uomo qualsiasi
Leonardo Scorza
prefazione a
VITO CAPORASO
Toglietemi il vino
Anna Stella Giampà
prefazione a
GIOVACCHINO MARIMPIETRI
Sogno d’amore
Adriana Lioi
prefazione a
ANDREA ZANCHINI
Numeri e nuvole
Gianfranco Cotronei
prefazione a
GESUALDO BROUSSARD
Alt! Qui l’amore
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giovedì, 04 dicembre 2008
Lo sbarco di Anzio e Nettuno
1944
foto personaggi curiosità
a cura di Gianfranco Cotronei
L’operazione Shingle
“ciottolo di spiaggia”
- 29 COLLANA IMPORTANT
Editrice Totem
Indice dei nomi
Alexander Harold 66
Anderson Evelyn 187
Angelita 1, 16, 17
Army Air Force 99° Fighter Squadron 85
Aurness James K 149
Barbarigo battaglione 13
Barry Joseph D. 33
Bauchspies colonnello 122
Bertin Emile – incrociatore francese 98
Biscayne USA Navy 41
Blewitt Bill 27
Bonner Bernice 182
Borghese Valerio 13
Bosco di Foglino 29
Breshears William 174
Briggs Milton 14
Brooklyn incrociatore 14, 84
Bruiser nave britannica 50
Butterfly bomba 115
Byrd Edward 174
Canaris Wilhelm 5, 184
Carroceto 127
Carroll Davis Hugh 57
Cerreto 38
Churchill carri armati 131
Churchill Winston 6
Clark Mark W. 26, 69, 86, 197
Cole Jack 72
Conde Jack 46
Conwell Frank 199
Coy W/Shops 514° 25
Di Carlantonio Martin 138
Eichorn Earl 141
Evers Horace 202
Faggioni Carlo 110
Fallschirmjaeger divisione 11
Farrell John 166
Fezell George 63
Fighter Squadron 99° 89
Finnerty John 52
First Special Service Force canadese 123, 144
Fracassini tenente 8
Goliath Tank 62, 178
Goring Hermann divisione 7, 146
Griff soldato USA 208
Gustav linea 22, 166, 185
Hawks Lloyd 120
Hayes Christopher 16
Heller Bill 213
Highlanders Gordon 116
Huff Paul B. 195
Inglefield cacciatorpediniere 12, 183
Isola Bella 100
Janey aereo 213
Janus cacciatorpediniere 6, 162
Jerwis nave 162
Kauff Carl Frederick 151
Keicher William 101
Kemp James L. 157
Kesserling Albert 5, 13, 37, 60
Laforey cacciatorpediniere 76, 162
Landman Henry 2, 179
Leopold cannone 11, 68, 187, 214
Linea Gustav 22, 177, 197
Los Marcellos Ferial 16, 223
Lucas John 5, 12, 36, 48
Lyle Bernard 143
Mackensen Hans Georg 7
Moss James B. 95
Mussolini Benito 47
Mussolini canale 8, 53, 59, 75
Nembo battaglione 13
O’Daniel John 73, 86, 197
O’Neill Hugh 78
Ouerbach comandante presidio tedesco 23
Panebianco Albert R. 35
Panzerschreck lanciarazzi 12
Penelope incrociatore 10, 14, 156
Pink Floyd 18
Pucci Joe 147
Pyle Ernie 133, 217
Raley Nathaniel 129
Rarey George 164
Robins Clarence 174
Royal Scots Fusiliers 16
Ruppert John K. 189
Russell Pasqua Wilton 176
Russman Karl 146
Savoia Marchetti Sm. 79 – (Sparviero) aereo 97
Sheaffer Vera 175
Sherman carri armati 186, 190
Sparks Felix 136
Spartan incrociatore 8, 14
Spitfire aereo 140
Squires John C. 2, 179
Stubbs F. 171
Studnitz Helfrid 154
Thatcher Bob 208
Tiger carro armato 154
Tor Astura 88, 92
Tor Caldara 39
Truscott Lucian 12, 49, 91
US Horse Cavalry 167
Waters Eric Fletcher 18
Waters Roger 18
Williamson H. 171
Winburn Bob 208
Wolff Walter 103
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mercoledì, 12 novembre 2008
L’operazione Shingle
Lo sbarco di Anzio e Nettuno
1944
foto personaggi curiosità
a cura di Gianfranco Cotronei
L’operazione Shingle
“ciottolo di spiaggia”
- 29 COLLANA IMPORTANT
Editrice Totem
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mercoledì, 12 novembre 2008
sbarco di anzio 1944 – 2008
Indice dei nomi
Alexander Harold 63
Anderson Evelyn 175
Angelita 1, 16, 17
Army Air Force 99° Fighter Squadron 85
Aurness James K 141
Barbarigo battaglione 13
Barry Joseph D. 33
Bauchspies colonnello 115
Biscayne USA Navy 41
Borghese Valerio 13
Breshears Willia 163
Briggs Milton 14
Brooklyn incrociatore 14, 79
Bruiser nave 49
Butterfly bomba 109
Byrd Edward 163
Canaris Wilhelm 5, 172
Churchill carri armati 124
Churchill Winston 6
Clark Mark W. 26, 66, 82, 185
Cole Jack 69
Coy W/Shops 514° 25
Di Carlantonio Martin 132
Emile Bertin incrociatore 94
Faggioni Carlo 104
Fallschirmjaeger divisione 11
Farrell John 156
Fezell George 60
First Special Service Force 116, 137
Fracassini tenente 8
Goliath Tank 59, 167
Goring Hermann divisione 7
Griff soldato USA 194
Gustav linea 22, 166, 185
Hawks Lloyd 113
Hayes Christopher 16
Heller Bill 199
Highlanders Gordon 110
Huff Paul B. 183
Inglefield cacciatorpediniere 12, 171
Janey aereo 199
Janus cacciatorpediniere 6, 153
Jerwis nave 153
Kauff Carl Frederick 143
Kemp James L. 149
Kesserling Albert 5, 13, 37, 57
Laforey cacciatorpediniere 73, 153
Landman Henry 2, 168
Leopold cannone 11, 65, 175, 200
Los Marcellos Ferial 16, 209
Lucas John 5, 12, 36, 48
Lyle Bernard 136
Mackensen Hans Georg 7
Moss James B. 91
Mussolini Benito 46
Mussolini canale 8, 51, 56, 72
Nembo battaglione 13
O’Daniel John 70, 82, 185
Ouerbach comandante presidio tedesco 23
Panebianco Albert R. 35
Panzerschreck lanciarazzi 12
Penelope incrociatore 10, 14, 148
Pink Floyd 18
Pucci Joe 139
Pyle Ernie 126, 203
Raley Nathaniel 122
Robins Clarence 163
Royal Scots Fusiliers 16
Ruppert John K. 177
Russell Pasqua Wilton 165
Savoia Marchetti Sm. 79 – (Sparviero) aereo 93
Sheaffer Vera 175
Sherman carri armati 174, 178
Sparks Felix 130
Spartan incrociatore 8, 14
Spitfire aereo 134
Squires John C. 2, 168
Studnitz Helfrid 146
Thatcher Bob 194
Tiger carro armato 154
Truscott Lucian 12, 48, 87
US Horse Cavalry 157
Waters Eric Fletcher 18
Waters Roger 18
Winburn Bob 194
Wolff Walter 98
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martedì, 28 ottobre 2008
come polvere sottile – presentazione libro
Editrice Totem Istituto Santa Maria
hanno il piacere di invitarla
alla presentazione del libro di
Giulia Winckler Rasa
Come polvere sottile…
la ruota della vita
poesie
sabato 8 novembre 2008
h 17
viale Manzoni 5 – Roma
Aula Magna
voce recitante Lia Onda
Tel. 06 90286930 – 3382441260
ingresso libero drink
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martedì, 28 ottobre 2008
Giulia Winckler Rasa
Prefazione
Giulia Winckler Rasa è una giovane pittrice nota al pubblico romano, accolta di recente anche nel panorama delle mostre collettive internazionali. La sua pittura è personalissima, pur rivelando una chiara ascendenza dechirichiana, capace di sublimare metafisica, surrealismo e astrattismo.
Esiste un chiaro e profondo legame tra i quadri e i componimenti poetici, qui raccolti per la prima volta in un’edizione che propone il suo esordio letterario.
Cosa è la vita? Come possiamo andare incontro al nostro destino? Come affrontare il dolore? Queste sono le domande che attraversano sottilmente tutta la raccolta e delineano il percorso poetico di Giulia Winckler Rasa.
La realtà viene indagata attraverso i sensi, l’Autrice chiude gli occhi e si lascia attraversare dai suoi pensieri e risolve il problema ontologico della conoscenza attraverso le sensazioni corporee, che sembrano offrire una percezione del mondo circostante molto più autentica rispetto alla razionalità.
Il sipario è ampio.
Con lui i suoi colori
i suoni melodici
i suoi profumi d’antico.
Nel vuoto e nel buio dell’esistenza l’inconscio si orienta attraverso i colori, i suoni, i profumi e ricava un’impressione del mondo in cui concreto e astratto si confondono, nella libertà e varietà della forma poetica.
Le cose non si toccano, sono aria e polvere, mentre la vita, il dolore, il destino acquistano consistenza, peso.
Ogni oggetto, il nostro stesso corpo, perde densità, si disgrega come polvere sottile nell’aria rarefatta e all’interno di questo pulviscolo inconsistente ci muoviamo, nell’incertezza:
accanto al mio corpo
che prende il colore della polvere
e vola col vento
Inventato, vuoto, sospeso, fatto d’aria in movimento, lo spazio è una stanza spoglia dove il senso della solitudine riecheggia tra le pareti nude e tutte uguali; quella stanza è metafora del nostro profondo e siamo soli con i nostri pensieri, con la nostra coscienza.
La forza della vita è una mano così potente da piegare le colonne d’acciaio delle nostre certezze e sradicarne le fondamenta, è un boomerang emotivo che cerca di colpire come un pugnale che solo la nostra indomabile speranza trasforma in piuma. È un animale feroce che va addomesticato, che bisogna piegare ai nostri voleri, anche se non ci capisce.
Il volto della vita è senza tratti somatici.
In questo libro, che ha la parvenza di uno scrigno prezioso, Giulia Winckler Rasa ha riposto la trama intessuta delle sensazioni ineluttabili che avvolgono la nostra vita che non conosce la nostra lingua ed è essa stessa incomprensibile: il suo volto non è delineato, non è riconoscibile, non ci guarda, non ha occhi, non ci ascolta, non ha orecchie, non ci parla, non ha bocca.
Tra noi e il destino che ci è stato riservato, l’Autrice sembra trovare una frattura insuperabile e se cerchiamo di creare il nostro domani, il suo percorso, di costruire il nostro futuro, la vita si abbatte su di noi. E quella strada che avevamo immaginato di poter percorrere non conduce da nessuna parte.
Le ali si chiudono
dietro la tua schiena
portandoti brividi che
infliggono paura
Pensavamo di poter volare alto per vedere da lontano, cogliere la prospettiva della nostra esistenza, ma le ali si chiudono e rimaniamo ancorati a terra, senza la possibilità di guardare oltre, senza poter conoscere ciò che ci circonda e che ci aspetta.
Con l’asfalto l’Autrice ha cercato di ricoprire le falle della sua esperienza, di seppellire i ricordi e improvvisamente l’asfalto si spacca, sotto i colpi della vita, e tutto riemerge.
L’asfalto, l’armadio sono luoghi dove chiudere i propri sentimenti e il proprio dolore ma l’armadio è pieno e la forza devastante del destino prima o poi spalancherà le sue ante e lascerà traboccare fuori tutto quello che avevamo cercato di celare nell’ombra.
Perché poi volersi disfare delle proprie esperienze, delle amarezze, delle emozioni? Nessun ricordo può rimanere silenzioso e così non si può fare altro che offrirsi come scudi e barriere ai colpi del destino e farsi avvolgere, trasportare dall’aria, nella quale i pensieri si sono disciolti in un pulviscolo.
Mentre una furtiva lacrima riga il nostro volto, veniamo attraversati da mille domande cui l’Autrice offre una possibilità di risposta: la speranza.
È l’alba che rischiara la notte, tirandoci fuori dal buio e mostrandoci la via, è una persona dalle spalle larghe e le braccia forti, in grado di sostenere qualunque peso.
Così il destino può diventare complice e possiamo proseguire la marcia verso la vita.
Eveline Iacobone
domenica, 12 ottobre 2008
BIOGRAFIA
Giulia Winckler Rasa nasce a Roma nel 1973.
Giovanissima scrive le sue prime poesie mostrando da subito una particolare sensibilità ed un talento innato.
Appassionata dei grandi poeti, considera la poesia uno strumento per esprimere al meglio sensazioni, emozioni, sofferenze e sfumature di una vita a volte troppo dura e materiale.
La sua visione viene inoltre espressa con passione ed istinto attraverso una pittura travagliata, sofferente che trasmette lo stesso messaggio presente nelle poesie dove sentimenti come paura, solitudine, ansia, vengono contrapposti a speranza e sublimazione dell’io.
Partecipa dall’anno 2002 a numerosi concorsi aggiudicandosi spesso premi e pubblicazioni a livello nazionale e vari riconoscimenti.
1° Premio vinto con il concorso del “Il Telescopio” patrocinato dal XIII Municipio di Roma nell’anno 2002 e menzionata anche sulla rivista “Zeus”.
Nelle successive edizioni si classifica al 4° e al 3°posto.
Nel 2006 al concorso della 7a edizione del Premio letterario del Centro Culturale Antonianum di Milano le viene conferito un Attestato di merito.
Nell’aprile 2007 partecipa al concorso letterario “Trofeo Penna d’Autore” presso l’Associazione letteraria italiana di Torino, vincendo il quinto premio e la pubblicazione di un’antologia contenente poesie di autori contemporanei tra le quali le sue tre poesie vincitrici. (trastullo psicologico/ momento d’ispirazione/ tu e il mondo)
Nel maggio 2007 partecipa presso l’Associazione culturale della Tuscia ”La Fenice” per il concorso Foto e Poesia dove viene premiata e selezionata per la pubblicazione di una raccolta antologica di poesie di autori contemporanei.
Nel luglio 2007 con la Aletti Editore vince il concorso ”Una poesia per ricordare” pubblicando “Sentimento speciale” in una successiva raccolta antologica.
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lunedì, 29 settembre 2008
presentazione libro editrice totem
Marina Giudicissi Angelini
Iniziazione
alla nuova era
saggio
Prefazione di Gianfranco Cotronei
- 28 COLLANA IMPORTANT
Editrice Totem
Teatro Arciliuto
Piazza Montevecchio, 5
00186 Roma
venerdì 26 settembre 2008
h 18
Tel. 06 6879419 – 333/8568464
[email protected]
ingresso libero drink
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venerdì, 05 settembre 2008
marina giudicissi angelini
Marina Giudicissi Angelini
Iniziazione
alla nuova era
saggio
Prefazione di Gianfranco Cotronei
- 28 COLLANA IMPORTANT
Editrice Totem
Prefazione
Tutto ciò che ci circonda non è altro che la manifestazione di qualche tipo di energia. Anche ciò che appare solido ai nostri sensi non è altro che energia anche se ci sembra assolutamente stabile nella sua forma. Il calore, i suoni, i nostri pensieri, l’elettricità, gli istinti, le emozioni, e tutto ciò che ci circonda, è null’altro che energia manifestata in forme diverse.
Questo fatto è dimostrato anche dagli studi della fisica moderna: basta pensare che gli atomi sono in continua vibrazione per il moto degli elettroni attorno al nucleo e dalla trasformazione, enunciata da Einstein, per cui l’energia può trasformarsi in massa e vice versa. Pertanto dovremmo considerare tutto ciò che cade sotto i nostri sensi, compreso il nostro corpo, come formato da un insieme di cariche energetiche in continuo movimento.
Da qui parte la considerazione di Marina Giudicissi Angelini per cui ogni problema che ci affligge, sia esso di natura fisica, emotiva o mentale, dovrebbe essere considerato come una disarmonia nella distribuzione e nella circolazione dell’energia vitale (chiamata “prana” dagli Indù).
Se la lotta per l’esistenza è la necessità primaria dell’organismo vivente, la perfezione è la sua meta finale. Vale a dire, lo stimolo alla perfezione è la principale forza motrice della vita.
Un livello più alto di coscienza permette di sentirsi parte del tutto che ci contiene (Dio) e comprendere pienamente il detto biblico: “In Lui noi siamo, viviamo ed abbiamo il nostro essere”.
La pratica della iniziazione è spiegata in questo libro con grande accuratezza e l’Autrice ci ricorda continuamente che Dio è dentro di noi, e che una preghiera non è sufficiente a venirne a conoscenza ma è necessaria la meditazione, che si rivolge all’interiorità di ogni individuo, il quale è sede e insieme antagonista del Dio.
Le Upanishad, opportunamente citate da Marina Giudicissi Angelini, testimoniano l’esperienza positiva del domare la mente e l’arrivo allo stato di non pensiero. L’uomo è immerso in un sogno più o meno profondo, cioè la sua ignoranza e i condizionamenti che essa dà; eppure dentro alberga uno spirito incondizionato e incontaminato che col suo risveglio ridesterà anche colui nel quale alberga. Lo spirito non dipende da condizionamenti; pertanto la risposta per sapere chi siamo e da dove veniamo è dentro di noi, è la piccola parte di brahman che c’è in ogni individuo.
Pertanto, possiamo inserire questo saggio metafisico come prezioso e colto contributo alla soglia del millennio. Infatti, sempre più frequentemente l’attuale e totalizzante tendenza alla desertificazione spirituale costringe l’uomo occidentale all’affannosa ricerca di suggestioni compensatorie bilancianti l’incipiente consapevolezza della perdita di senso dell’esperienza quotidiana.
Il consumismo tecnico, trasformando il “regno dei fini” in un “universo dei mezzi”, ha abolito la storia in un appiattimento dell’interiorità dissolta da un bombardamento mediatico che impedisce, di fatto, la solitudine e il raccoglimento.
Gianfranco Cotronei
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martedì, 02 settembre 2008
lavinio lido storia
Dante Serra
Lavinio, impressioni di narratori, poeti, pittori
1954
Lavinio ieri e oggi
Una domenica di agosto del 1947 eravamo anche noi dentro una delle tante carrozza bestiame che formavano allora il treno viaggiatori Roma-Anzio. Accatastati come pecore nello sferragliante convoglio, in mezzo ad un bailamme di fagotti e di gioventù allegra e rumorosa che sciamava al mare, noi andavamo all’avventura, alla scoperta di un lido sconosciuto di cui qualcuno ci aveva parlato con entusiasmo. Un’ora di viaggio e il treno si fermò ad un casello ferroviario. Una voce annunciò: Lido di Lavinio.
Scendemmo. Un relitto di grosso camion, impiastrato di calce e di terra, accolse i pochi coraggiosi turisti per trasportarli fino al mare. La sgangherato colosso si mise faticosamente in moto e imboccò un viale lungo e dritto, ronfando e traballando sul terreno cosparso di buche e di sabbia come una carovaniera. I viaggiatori, attanagliati alle sconnesse fiancate facevano sforzi sovrumani per reggersi in piedi.
Il sole d’agosto picchiava in testa e la polvere mozzava va il respiro.
Ai fianchi della strada si stendeva, a perdita d’occhio, una densa boscaglia scura e bassa; un vero Eden per gli accaniti e impenitenti cacciatori che ne conoscevano i più riposti segreti.
Dopo una buona mezz’ora di camion ecco in fondo, davanti a noi, un abbagliante arco di mare, di un azzurro terso e scintillante come una coppa di Murano, che s’ingrandiva man mano che ci avvicinavamo.
Finalmente, percorsi circa tre chilometri, il camion si fermò su un largo spiazzo dominante la spiaggia e il mare dall’altezza di una cinquantina di metri.
Spettacolo grandioso, meraviglioso! Una selvaggia Posillipo alle porte di Roma. Non per nulla Enea, sbarcando su queste coste, volle proprio qui fondare la città dedicata alla figlia di Latino, sua terza consorte! Il protagonista delle favolose imprese doveva avere amato molto la sua Lavinia e chissà che ad ispirargli tanta passione non avesse concorso la suggestiva bellezza di questo boscoso altipiano spinto fino ai margini del mare.
Ma ora Lavinio cosa era? Un nome sognato e tracciato soltanto sulla carta da alcuni geometri, una zona, se pur bella e imponente, deserta, ignorata, senza strade, senza acqua e senza luce, con poche costruzioni sparse, qualche trattoria o qualche dispensa per dare ristoro ai cacciatori.
Chi aveva lanciato la pretenziosa idea di ridare vita ad una Lavinio balneare?
Una società aveva acquistato dai principi Borghese una ampia fascia di terra costeggiante il mare, e l’aveva divisa in tanti piccoli lotti che vendeva a prezzi modesti.
Noi, che in tanti anni di lavoro non avevamo potuto farci una casa a Roma, e la sorte non aveva data la fortuna di conoscere la voluttà del possesso di un solo metro quadro di terra, fummo presi dal richiamo allettante di questa zona e osammo, acquistando un piccolo lotto sul quale, la fantasia, ci faceva già scorgere una casetta ospitale, guardante il mare, adorna di fiori, ove avremmo potuto, accanto alla fedele campagna, trovare serenità e riposo.
E’ cosi che divenimmo i pionieri, i tifosi, i primi abitanti solitari di Lavinio, camminando tra la sabbia alta delle strade, bevendo acqua di pozzo e andando a letto, appena notte, con i lumi a petrolio.
E’ cosi che i pionieri di Lavinio, tutti professionisti, impiegati, operai, artigiani, emularono inconsapevolmente il grande Enea e rinnovarono, nello spirito della bellezza e dell’amore, il mito di Lavinio, dedicando alla propria consorte una modesta casetta che a noi “sembrava una abbadia”.
Il tifo per Lavinio si propagò poi in forma epidemica e i pionieri si moltiplicarono di anno in anno.
Alcuni, più coraggiosi, più volenterosi, animati da tanta abnegazione, costituirono un consorzio che in una sconcertante alternativa di speranze e di delusioni, attraverso difficoltà di ogni genere, ottenne finalmente, a premio di tante non dimenticate fatiche, la soluzione dei più importanti problemi costituenti le basi della vita e dello sviluppo di un centro balneare, climatico, idrotermale che si trova ad appena 50 chilometri da Roma e 7 da Anzio.
Così vennero la luce, le strade, di cui alcune asfaltate ed alberate, per cui la zona cominciò subito ad assumere un aspetto civile ed abitabile.
Oggi, trascorsi pochi anni, Lavinio è un ricercato centro di villeggiatura; lo confermano chiaramente le statistiche degli ospiti, fra i quali molti stranieri, che di anno in anno si moltiplicano ed affollano la ridente spiaggia coronata di modernissimi stabilimenti che offrono tutte le comodità.
Oggi Lavinio ha la sua piazze principale con la grande chiesa e l’alto campanile, una quadrata ed imponente torre da medioevo destinata ad albergo, i suoi portici, i caffè, i ristoranti e negozi d’ogni genere.
E nel vasto comprensorio sorgono grandi alberghi, ristoranti, pensioni, ville, villini, modeste casette, nascoste tra il verde dei boschi, occhieggianti sul mare.
Oggi Lavinio ha l’ufficio postale, il telefono, il cinema, le scuole, gli ambulatori, e numerosissimi e rapidi servizi automobilistici e ferroviari che la collegano ad Anzio e a Roma.
Come non ricordare oggi quel 1947 in cui per la prima volta, per avventura, sbarcammo, anche noi, in questa incantevole, suggestiva Lavinio.
Noi non vogliamo guastare con le solite immagini fiorite la bellezza spettacolare di questa lembo di terra e di mare, di questo riposante e salubre luogo di pace, che per il suo fascino, per la sua attrezzatura turistica, gareggia già con i più decantati lidi d’Itala e del mondo; noi vi diciamo soltanto: andate a Lavinio; dopo quello che vi abbiamo raccontato, direte che è un paradiso – un miracolo – e vi ritornerete.
Giulio Travaglini
Da “La Giustizia”.
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mercoledì, 27 agosto 2008
lavinio lido storia
Dante Serra
Lavinio, impressioni di narratori, poeti, pittori
1954
Visioni di Lavino
L’attenzione del turista o del gitante in genere, che per la prima volta si reca a Lavinio, è subito colpita da un paesaggio eccezionalmente vario e pittoresco che gradatamente, lentamente si manifesta in un succedersi di vedute panoramiche delle più suggestive e delle più inedite. Egli difficilmente potrà sottrarsi a una forza prepotente e misteriosa che lo rapisce mano a mano per via delle molteplici bellezze e dal carattere squisitamente poetico che esse emano. E sarà assai difficile, per lui, una volta conosciuto Lavinio nei suoi svariati aspetti, non farvi ritorno con rinnovato desiderio e con manifesta simpatia.
Effettivamente questa antica, e pur giovanissima spiaggia, esercita sul visitatore, anche il più frettoloso o superficiale, un fascino imperioso che si sprigiona, ripetiamo, a tratti, e dinanzi al quale ben pochi resistono. Il fascino (questo fascino che ha un potere quasi di magia, penetra nell’animo e lentamente, inesorabilmente accende il sangue di passione) sta nelle memorie del suo fastoso passato, palpita nelle cose, vive nelle sue incomparabili bellezze che adornano e nobilitano questa località dai cento volti e dai centro scenari quasi di fiaba. Bisogna vederla, conoscerla intimamente, questa mitica spiaggia, lucente perla incastonata nel Tirreno, per apprezzare in un crescendo di meraviglia, le sue caratteristiche, le sue peculiari virtù che vanno dal paesaggio tappezzato di pini a quello del mare azzurrissimo, dalle case civettuole e bianche che paiono modelli di gesso, alle grandi e sontuose ville le cui facciate variopinte danno un tono perfettamente aderente all’ambiente.
Lavinio, tanto antico e pur tanto giovane, si è saputo conquistare, a prezzo di durissimi sacrifici, una notevole rinomanza nel breve volgere di tempo. Infatti undici anni or sono, quando si può dire l’eco dei cannoni non si era ancora spenta, Lavinio non era che una selvaggia sterpaglia, meta preferita degli appassionati della caccia. Era una vasta plaga deserta e desolante circondata solamente dal mare, unico e grande dominatore in quello squallido mondo senza vita.
Fu così che un manipolo di audaci, veri quanto oscuri pionieri, superando difficoltà di ogni sorta e animati solo da una volontà incrollabile, si avventurò in questa zona pressochè ignorata ai più.
Enea, secondo la leggenda, guidato dal fato, circa trenta secoli fa, approdò a Lavinio recando con sé i segni della grandezza e della civiltà. Questi audaci pionieri, invece una diecina d’anni addietro, sia pure guidati da idee e da interessi ben differenti dal loro grande predecessore, piantarono le tende per dare l’avvio a quello che doveva essere più tardi un ridente luogo residenziale convenientemente attrezzato e rispondente a tutti i requisiti della vita moderna.
Attratti della mitezza del clima, dalla singolare posizione e dalla magnificenza del panorama, questi generosi lavoratori, dopo una iniziale fase di incertezze e di perplessità, riuscirono a dare l’avvio a quella lenta, ma sicura e prodigiosa opera di bonifica e di edilizia.
Oggi, è doveroso darne atto, in virtù proprio di questi iniziatori, di questi fautori di un’opera mirabile e che resterà nei secoli, nel breve volgere di un decennio, Lavinio è una lussureggiante plaga e un ottimo centro di attrazione e di soggiorno. Questa località, infatti, vanta diecine e diecine di eleganti ville, capaci e comodi alberghi, ristoranti, stabilimenti balneari dotati alla perfezione, cinema arene e infine, poco distante dal centro, l’ormai famoso Villaggio dei giornalisti ove sorgono una trentina di villini eleganti ed accoglienti.
Questa, a larghi tratti, la storia e il cammino di Lavinio che forse, non ha riscontro in nessuna altra regione d’Italia.
Chi poteva mai pensare che questa spiaggia, tanto ambita e tanto diversa dalle altre consorelle vicine e lontane, per la sua invidiabile conformazione e per le sue singolari caratteristiche potesse raggiungere in si breve tempo un ruolo di primaria importanza? E, soprattutto, che mai poteva vaticinare per essa, dopo solo un decennio di vita, un chiaro destino e un luminoso avvenire?
Non possiamo chiudere ora queste note senza invocare l’intervento dell’Ente Provinciale per il Turismo, benemerito per la sua nota e proficua attività, onde intervenire in favore di questa nuova e promettente località, avendo essa i requisiti necessari per essere consacrata col crisma ufficiale della notorietà. Bisogna adoperarsi in modo di farla conoscere e apprezzare sempre più e sempre meglio, non solo tra gli italiani, ma anche tra gli stranieri quale meta serena di riposo e d i svago.
Noi, ribadendo una nostra antica e salda convinzione, siamo sicuri che il predetto Ente, che tante simpatie si è conquistato in Italia e all’estero, nulla tralascerà per la completa valorizzazione di Lavinio (allacciatissimo nel modo migliore con la Capitale da cui dista circa cinquanta chilometri) il quale, orgoglioso del suo leggendario passato, saprà perpetuare nel presente e nell’avvenire le sue mirabili tradizioni e le sue romane virtù.
Dante Serra
postato da: laureato alle ore 27/08/2008 09:51 | Permalink |
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martedì, 26 agosto 2008
lavinio lido storia
Dante Serra
Lavinio, impressioni di narratori, poeti, pittori
1954
Passato e futuro di Lavinio
In un afoso meriggio della scorsa estate, fui chiamato al telefono da un mio amico addetto di ambasciata che non vedevo da qualche anno, il quale volendosi recare a Lavinio con alcuni suoi amici del corpo diplomatico, mi chiedeva notizie ed indicazioni per la strada da percorrere e ragguagli sulla zona.
La favorevole circostanza di potermi godere un po’ di frescura in piacevole compagnia, mi spinse ad offrirmi da guida. Partimmo così in lieta promiscua comitiva, verso l’ “esplorazione” come l’amico chiamava, con malcelato senso di ironia l’oggetto dei miei entusiasmi.
Lungo il viaggio fui prudente, anzi circospetto nel qualificare i pregi della nostra meta, e lo confesso, ero quasi preso da un complesso d’inferiorità nei confronti dei miei compagni di viaggio che parlavano famigliarmente delle più belle spiagge del mondo, come il potrei parlare delle cose di Roma. Ma allorché lasciata la Via Anziate, imboccammo la strada ombrosa di secolari lecci, che conduce al nuovo Lido, mi resi conto che un improvviso mutamento si stava determinando fra i miei improvvisati compagni di gita. Furono dapprima brevi svagati domande, poi la curiosità di conoscere la storia e la nascita di quel centro climatico; poi quando superata la Litoranea, ombrosa di pini e fiorita d’oleandri, raggiungemmo la piazzetta di Lavinio tutta presa nel fervore delle nuove costruzioni e ci arrestammo sulla terrazza del Miramare, le espressioni di ammirazione per la bellezza del luogo e la richiesta di nuove informazioni si accavallarono; chè tutti volevano sapere qualcosa di più di Lavinio, della sua storia, della sua nascita.
E quando ad essi narrai la leggenda di Enea e feci loro presente che migliaia di anni dopo, anche gli americani sbarcarono proprio in quella fascia costiera, ritenendola più sicura per l’approdo dei loro mezzi da sbarco, e per l’accantonamento delle truppe, data la folta selvaggia vegetazione, l’americano della comitiva esplose in fragorosi OK! E ripetute manate sulle mie spalle, interessandosi anch’egli della storia di Lavinio che io, improvvisato “cicerone” dovetti riassumere; propinando loro, in una dizione mista di italiano e di inglese le mie modeste nozioni.
Volli anzitutto premettere che, dopo l’oscuro medioevo, che di quei luoghi aveva fatto macchie e foretti e bandita per cinghiali, anche lo scempio della guerra si era abbattuto su tutto il retroterra, ove case, strade, ferrovia restarono distrutti. Da quella zona informe, deturpata anche nella sua naturale bellezza, nonostante tutto, per un miracolo di volontà e di fede (insopprimibile vitalità di questa nostra gente italica dalle mille vite) sorse Lavinio, la perla delle spiagge Laziali.
Ad essa fu dato il nome di Lido di Lavinio, ritenendo a ragione che ivi sorgesse un tempo la città marinara di Lavinium. In quel tratto di spiaggia Laziale che si estende da Anzio ad Ostia, dai latini aborigeni furono fondate infatti due città che assorbirono la civiltà degli etruschi dai quali appresero la scienza del mare e quella dell’agricoltura, rendendo prospera e feconda tutta la zona. La prima di questi Città fu “Laurentum” – forse prossima all’attuale Tor Paterno, – la seconda fu “Lavinium”, la cui fondazione per altro la leggenda fa appunto risalire ad Enea che volle dare al luogo dove approdò il nome della sua consorte.
Narrai così che “Laurentum” in conseguenza della sconfitta marittima del suo comandante Postumio decadde, e la sua popolazione, portando seco la sacra ed i penati di Roma, si trasferì a Lavinium che prese allora il nome di “Lauro-Lavinio”. I Romani gli concessero la cittadinanza e costruirono la nuova strada affinché questa Città fosse congiunta all’Urbe. I Lauro-Lavinati, per secoli, costituirono quindi uno dei più importanti nuclei agricoli di Roma.
Rispondendo alla insinuante domanda di una bionda inglesina, feci presente che, veramente è riasto tuttora incerto il luogo dove esattamente sorgeva Lauro-Lavinio; che alcuni ritengono dovesse trovarsi più a Nord, verso Pratica di Mare, mentre per una somma di considerazioni, ero personalmente propenso a ritenere che sorgesse proprio nella zona dove attualmente è il Lido di Lavinio: anche perché, il terreno, sopraelevato sul mare, ove si affaccia come da un bastione e la naturale protezione del promontorio, costituito dall’attuale Tor Caldara, ne facilitavano la difesa.
Molte notizie si hanno delle Ville Romane di Anzio, che si affacciavano, splendide, sul mare; ma precisai che esse occupavano appunto la zona posta a ponente di Anzio, dove si svilupparono, alternandosi con giardini ed orti, prolungandosi lungo tutta la Via Severiana, fino all’attuale Castel Fusano ove appunto ritroviamo le tracce di quella antica strada.
Plinio il giovane narra la bellezza di quei luoghi, la ricchezza delle acque, l’opulenza degli orti. Sei miglia a ponente di Anzio – perciò proprio al centro dell’attuale Lido di Lavinio Mecenate ebbe la sua residenza; e il presso Cicerone ebbe la sua dimora estiva, dove andò a riposarsi dopo le fatiche del processo di Milone; Caio Cesare Caligola nacque nella Villa di Germanico che si trovava a ponente di Anzio nell’attuale zona laminata.
Con la decadenza dell’Impero, il territorio, soggetto alla invasione dei pirati e dei saraceni fu abbandonato; e onde difendersi dall’approdo delle navi pirate il porto di Anzio fu demolito. Nel 1565 il Papa Pio IV ordinò la costruzione della “Torre delle Caldare” che, con le altre torri litoranee (Tor S. Lorenzo, Tor S. Anastasio, Tor Vaianica, etc.) costituiva un pilastro della difesa di Roma contro l’invasione dei pirati barbareschi.
La zona rimasta abbandonata ed incolta per molti secoli, si inselvatichì, formando la cosiddetta “selva di Nettuno” che fino ai primi dell’ottocento si estendeva da Tor S. Lorenzo alle paludi di Foce Verde.
Nel 1813 Camillo Borghese acquistò per 400.000 scudi il feudo che comprende il territorio da S. Anastasio a Torre Astura, acquistando il titolo di Principe di Nettuno.
Dell’antico Lauro-Lavinio e delle sontuose ville, non rimasero tracce. Volli giustificare, per onor del vero, che la scomparsa delle antiche vestigia doveva attribuirsi alla erosione dovuta alle correnti marine che, contrariamente a quanto è accaduto per Ostia (dove la corrente ha apportato terreno facendo della città marinara terraferma) nella zona a ponente di Anzio hanno eroso il terreno eminentemente sabbioso, facendo rovinare nel mare i resti delle vetuste residenze romane. E di ciò ne è data conferma dai frammenti che giacciono sul fondale, ove fino ad alcuni anni or sono era ben nota ai pescatori la esistenza di alcune colonne marmoree giacenti in prossimità della riva del litorale lavinate.
Priva di strade di comunicazione, tutta questa zona rimase inaccessibile e sconosciuta, fin quando, in applicazione al piano regolatore stradale per la bonifica dell’Agro Romano,dal passato Regime, venne data esecuzione alla strada litoranea che avrebbe dovuto collegare Anzio ad Ostia.
Esaurita la mia modesta erudizione in materia, la gita si concluse svagatamene. Ma a torto ritenni che Lavino avesse destato nei miei amici scarso interesse, perché al contrario, ognuno d’essi divenne a sua volta ciò che io ero stato per loro, guida ad altri amici e frequentatori affezionati di Lavino.
Ma a me, malato di “latinismo” piace indugiare ancora della descrizione delle particolari caratteristiche di questo nuovo centro, oggi balneare, che in un prossimo domani sarà luogo termale, turistico e residenziale.
Infatti, la singolare amenità del luogo è data particolarmente dalla altimetria della zona, che dal mare al retroterra per oltre due chilometri è costituito da un altipiano che dolcemente da quota 50 s. l. m. scende uniformemente verso la riva dove si arresta, affacciandosi come un bastione a picco sul mare. L’arenile sottostante ha le caratteristiche delle nostre spiagge adriatiche, la sabbia è bianca e pulita, il fondale non ha sorprese: gradualmente esso aumenta per qualche centinaio di metri costituendo una sicurezza per i bambini e gli inesperti; l’acqua è limpida e trasparente.
La fascia costiera di Lavino, compresa fra il mare e la Via Litoranea che oggi congiunge Ostia ad Anzio, ha una profondità di circa 600 metri ed una lunghezza di oltre sei chilometri; essa è rivestita da una vegetazione rigogliosa ma relativamente bassa che mentre dà il refrigerio dell’ombra, non ostacola la visibilità del mare e dell’arco visuale che va dal Cieco a Tor Vaianica. La strade nel groviglio selvaggio dei lecci e dei pini, sboccano con improvvise inquadrature verdi sullo sfondo del mare, o costeggiano il crinale dell’altopiano in amene passeggiate.
Ma la particolare caratteristica della zona è data della ventilazione che delizia anche nelle ore più calde dei mesi estivi; in quando, la evaporazione dell’aria calda sulla superficie del mare e la natura boscosa del luogo, determina un giro di correnti d’aria sopra il mare con una conseguente costante ventilazione su tutta la zona litoranea; per contrario, d’inverno, essa diviene particolarmente temperata, cosicché anche nelle più fredde giornate, sostare sull’arenile di Lavino è come trovarsi in una tiepida serra.
Il Lido propriamente detto, si estende a cavallo della Via Litoranea, rigogliosa di pini e di oleandri, per una lunghezza di circa sei chilometri; ma ciò che rende ancora più gradevole il soggiorno in quella zona è il territorio che la corona e la fascia. Non è il Lido di Lavino, come altre zone laziali, una “oasi” nel contorno di una campagna brulla od incolta; esso è al centro di un anfiteatro popolato da ville, orti, vigne, che orni giorno di più si vestono di verde e di colore.
In una zona dove dieci anni orsono non esisteva nulla, non una casa, non una capanna, solo relitti di guerra sparsi tra il verde della macchia ed il mesto asfodelio delle brulle radure, oggi è un fervore di vita e di iniziative. Sono circa seicento ormai le ville spesso sontuose, i palazzi, i villini, tutti lindi e vivaci nella loro architettura e nei colori. E vi sono oramai tutti i servizi: posta, telefono, carabinieri, Chiesa, spacci, negozi, Banca, stabilimenti, ristoranti, alberghi. Questa esplosione di vita e di iniziative, realizzatasi in un momento in cui Anzio era distrutta e tutto intorno erano i segni della battaglia, della morte e della distruzione, è più che un miracolo. Lascia perplessi ed ammirati e dimostra le vitalità e la ineluttabile certezza nello smagliante avvenire del Lido di Lavino.
Ma ancora molto, ed ancora di più può dare e darà Lavino come stazione turistica, balneare e climatica. Esistono a Lavino le sorgenti di acqua sulfurea e di acqua ferruginosa che attendono di essere valorizzate; esse si trovano nel cuore della zona. Si tratta di sorgenti di acque sulfuree calde che i Romani avevano convogliato in Terme a scopo medicamentoso. Da esse prese nome la già citata “Tor Caldara” o “Tor Caldana” come volgarmente si chiamava.
La zona termale è oggi sconvolta per l’indiscriminato sfruttamento commerciale dello zolfo, fattone da Marcantonio Colonna che nel 1865 l’ebbe in concessione da Papa Sisto IV. Le sorgenti di acque ferruginose, attendono invece di trovare oggi la loro applicazione terapeutica.
Questa è “Lido di Lavino” o “Lauro-Lavinio” – come vorremmo fosse chiamata ormai tutta la zona che si estende fino a Tor Lorenzo.
Galileo Scavizzi
Da “Il Popolo Italiano”.
postato da: laureato alle ore 26/08/2008 08:47 | Permalink |
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lunedì, 25 agosto 2008
lavinio lido storia
Dante Serra
Lavinio, impressioni di narratori, poeti, pittori
1954
Voluttà di Lavinio
Si può correre come si vuole. La campagna romana sta sempre estatica con il suo tono pianeggiante, le sue distese senz’alberi, con quell’atmosfera panica da pastori e da fauni, quel biondo d’oro bruciato dell’autunno caldo, che la veste senza distanze, per cui vien fatto di sognare che non finisce mai.
L’auto scivola in un tappeto dagli ondeggiamenti molli in cui gli odori e gli stessi colori, hanno qualcosa dei sapori e una sensualità quasi immota accarezza nel profondo le forze latenti di tutti gli istinti.
E più si corre verso il mare, più quel senso di contatto e di unità con la terra trabocca, ed è tale la sua potenza che rimane pacato, olimpico, per cui vien fatto di pensare facilmente e quasi di risolvere in modo spontaneo il mistero della nascita di Roma fra quelle selve basse, il respiro lontano del Tevere e la vaporosità d’un cielo favoloso, che dominava e domina tutta la terra intorno. Perché la stranezza qui è proprio questa. Il vero protagonista è il cielo.
È un cielo che non sta solo in alto, come in tutti i paesaggi, o come sfondo, o limite, ma prevale come paesaggio, come essenza, come respiro, come espressione dell’immensità sulla polvere romana. E però è una immensità piena di carezza. Niente ha uno sfondo terreno. Tutto si vede contro il cielo. Nasce così la festa pura di questa terra alternata di selvatiche distese di boscaglie che sorgono solo negli avvallamenti come dalle ferite della pianura, di zolle rosse, di pascoli saporosi, di lande grigie, di ortaggi grassi, di riserve di caccia, che scendono sotto il livello dell’orizzonte. Il cielo rimane protagonista.
E questa sensazione dilaga, né si disperde avanzando verso il mare. Il mare qui non ha alcuna importanza estetica, non dà una fisionomia particolare. È come una continuazione di quel dominio del cielo che fa il miracolo e la fantasia di Roma. Non è come nel nord e nel sud d’Italia, dove il mare è protagonista, dove il mare fa la superbia delle coste selvagge, il ricamo di quelle più voluttuose, le meraviglie delle città più celebri. Qui le spiagge sono uniformi, distese per decine di chilometri senza un profilo, e la loro fama, la loro eleganza, la loro grazia, da Fregane ad Ostia, è solo perché partecipano dei cielo di Roma, dei suoi colori, delle sue avventure, della sua umanità, e della sua terra così densa di contrasti e madre sempre feconda di passioni.
Ma dopo una lunga corsa nella pianura, dopo Pomezia, Ardea e altre località dai nomi classici, ecco inatteso, sorprendente, un palcoscenico sul mare apre bruscamente sulla costa di Lavinio uno scenario a picco in cui il mare ridiventa protagonista. Sembra un lembo di costa calabra, inserito capricciosamente in quella distesa piatta di spiagge. Il mare, visto dall’alto, sale verso il cielo. La terra gli fa da anfiteatro. Il sole che tramonta in un rosso vivo proprio nell’acqua, popola di riflessi viola la sponda, lo strapiombo, e l’orlo dei giardini alti e verdissimi di Lavinio.
Rimane ancora più sorprendente lo scenario della costa. È impossibile, guardandolo, non pensare al periplo e al mito di Enea. Sembra proprio l’ultimo quadro di una serie di scene tempestose, di cui il mare è stato il grande protagonista, quasi la conclusione visiva d’un approdo difficile. Una spiaggia ampia, protetta, quasi nascosta nella sua parte centrale, sotto la costa a picco coi suoi lati naturalmente difesi e visibili.
È molto probabile, infatti, secondo molti scrittori dell’antichità e prima che i grandi poeti e politici di Roma costruissero in tutti i dettagli la leggenda quale ci è stata tramandata dal canto di Virgilio che Enea sia sbarcato, sulle coste del Lazio, proprio qui, dove fondò Lavinio, dando alla città il nome della figlia di re Latino da lui sposata.
Dell’antica Lavinio non v’è traccia. Forse l’unico punto di incontro con Lavinio moderna è l’immagine piuttosto favolosa dell’approdo, la terrazza sull’orizzonte, quell’inserimento scenico del mare come, protagonista.
Ed è stata forse questa condizione geografica che ha richiamato improvvisamente, in un modo direi misterioso, nell’immediato dopoguerra, un’attenzione, inizialmente antieconomica, di costruttori, di bonificatori d’una antica, melanconica palude, per cui in dieci anni, intorno a una prima antichissima trattoria sul mare sono sorte miracolosamente case, giardini, frutteti e infiniti elegantissimi ville, villette e “cottages”, un rione centrale, una chiesa, un mercato, una piazza alta sul mare.
Non è una città, non è un paese, non è un lido. È un po’ tutto, in una maniera capricciosa, senza limiti, pronta per diventare lido alla moda, periferia estrema di Roma, cittadina a sé, con le sue caratteristiche di un dovizioso trionfo di verde, in cui bisogna cercare lietamente le sue strade nascenti, le sue cose colorate, i suoi itinerari segreti di racconto cittadino ancora da scrivere.
Ora ha il sapore del lido fra selvaggio e libero in quel meraviglioso scenario omerico, e con l’invito voluttuoso dei suoi tappeti di sabbia soffici e bianchi. Domani forse sarà agghindata e perderà quel suo bizzarro carattere di rivelazione, di incontro fra il mare de Enea e il cielo di Roma, e quel senso dell’approdo e della più antica avventura italica. Ma se anche la folla riuscirà a trasformare questo lido in una spiaggia mondana, a darle quella frivolezza graziosa, che tuttavia dà festa e cancella certe fantasie dello spirito, nelle notti più solitarie, fatalmente quasi in un modo magico, riaffiorerà il ricordo di quell’avventura che corre ancora sotto il cielo di Europa.
Icilio Petrone
Da “La Gazzetta del Popolo”
Itinerari Virgiliani: Lavinio
Tra le magie del Mediterraneo, nella storia o leggenda, cioè, di questo mare che fa sovente pensare ad un periplo fiabesco, rabescato di suggestivi ed iridescenti, occupano il primo posto i luoghi cari a Virgilio, le tappe segnate da Enea, l’intrepido navigatore figliuol d’Anchise.
Tra queste, campeggiano per prischi accenti, Palinuro, nonché Lavinio. La prima nell’ubertoso e storico Cilento, ricorda la scomparsa del nocchiero che dette il nome al paese marino, nonché a tutto il promontorio dello “capo”, la seconda (maggiormente ricca di fantasiosi episodi), rievoca gli amori di Enea e della soave figlia di Re Latino: Lavinia. Due distinti siti, quindi, due marine virgiliane, benché il primo legato alla luttuosa scomparsa di Palinuro, il secondo, invece, all’amore per Lavinia, principessa che determinò il nome alla località fondata dal nauta.
Qui, infatti Enea pose fine al suo peregrinare; da cui – risalita la corrente del Tevere (aiutato dallo stesso dio Tevere che mitigò la forza delle acque) – ascese al Palatino.
E la leggenda (poiché così è da ritenersi il canto virgiliano, storico e cronistico) vede in quest’approdo di Enea tutta una previsione alla stessa fondazione di Roma. Certo gli è che il figlio d’Anchise, a sua volta figliuol d’Assarco, re dei Troiani, (come riscontrasi dall’Iliade anche re di Dardano), discendeva da stirpe italica, avendo i suoi antenati rifatto il periplo all’inverso nel recarsi a Troia. E’ per questo che l’eroe riporta in Italia anche i Penati, onde “ritrovar la loro casa”.
Ma le vicende di Enea, figlio di Venere e quindi semidio come tutti o quali gli eroi mitologici, son certamente sconosciute dai più, restando severo studio dei giovanetti delle medie, nonché attenta lettura da parte di sparuti studiosi. Sarebbe, invero, naturale ed educativo riportarne nomi, fatti e leggende stesse sulle strade, sulle smaglianti ville e nelle piazze della ubertosa zona. Essa resta a pochi chilometri da Roma, sul litorale che da Ostia – Tor Vajanica porta a Nettuno, ricca di chiaro verde, lambita da un mare azzurrissimo, siccome azzurro è il suo cielo. È meta di quanti sortiscono dalla città in cerca di quiete, ma sarà anche – tra breve – meta turistica di prim’ordine. Nel piano, infatti, di costruzioni, è annunziato uno sviluppo edilizio notevole, nonché la costruzione di altri posti recettivi quali alberghi, pensioni, ecc… Sita com’è, Lavinio tende a divenire zona di turismo selezionato e collettivo, avendo una radura verdeggiante ed un litorale prospiciente assai vasti, idonei, quindi, ad accogliere camping ed attendamenti.
Oggidì è alla ribalta della stampa per la seconda edizione del Premio Lavinio, manifestazione artistico-letteraria che ha richiamato elementi da ogni dove e specialmente dalla Capitale. È questa una manifestazione che per serietà di impegno e selezione di opere, gareggia con le principali della penisola, e vale a presentar Lavinio in smagliante veste. Ciò contribuirà, certamente, ad un maggior sviluppo ed una maggiore conoscenza della amenissima zona.
Le gemme incastonate nella pianura han fornito elementi ispiratori per racconti, poesie, quadri. Né mancherà, speriamo, un soggetto cinematografico che possa celebrare Lavinio attraverso le vicende prische legate ad Enea, onde ricostruire
– siccome per Elena di Troia – la suggestiva leggenda, madre della storia d’Italia.
Per il suo mare d’erba, per l’azzurrissima sua acqua salmastra, pel sole che costantemente la bacia, potremmo scrivere:
Accogliesti benigno
d’Anchise il figlio
e da Lavinia moglie
prendesti il nome.
Dolce,
suadente nome,
musicale come l’acqua salmastra
e limpida
che ti lambe da secoli
dorata sabbia,
e schiuma a riva.
A te.
terra feconda,
l’omaggio del tempo non dette orgoglio,
né valse il ricordo della figliuola
di re Latino,
sposa dell’errante.
Non altezzosa,
ché di semplicità regale
tra smaglianti colori,
rapiti al sogno d’Iride,
facesti tessere la tua divisa
di verde e azzurro.
Aurelio T. Prete
(dal Corriere della Nazione)
postato da: laureato alle ore 25/08/2008 08:07 | Permalink |
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sabato, 23 agosto 2008
lavinio lido storia
Dante Serra
Lavinio, impressioni di narratori, poeti, pittori
1954
La spiaggia di Enea
Se cerchiamo di leggere nel volto millenario della Storia l’origine e il divenire della cittadina moderna Lavinio, dobbiamo ammettere che questa indagine, esattamente storica, è impossibile, si è trasformata da secoli in voce di altissima poesia, quella di Virgilio e noi possiamo solo vederla così questa storia, ermetica e muta, ma bellissima, come il volto pietrificato di Circe sull’alto dei monti vicini che degradano al mare.
Perché soltanto la poesia – storia dell’Epopea Virgiliana anima questa sponda tirrenica, ponendo in essa il Poeta il fatale approdo di Enea e della sua gente a le sua guerra e la città di Latino, la sposa contesa Lavinia col nome della quale l’eroe edificherà poi la nuova patria. Prima, nei secoli, mute, senza lasciarvi traccia, erano passate le navi opime d’ori e di porpora della lontana Fenicia che certo costeggiarono queste rive risalendo la via maestra del Mediterraneo. Avide di guadagni e di più estesi e fruttiferi commerci; certo, Cartagine, regina dei mari disdegnò queste basse coste di poveri agricoltori espandendosi sino alla Sicilia e alla Spagna, e la stessa Grecia nella sua vasta opera di espansione creava dopo Sibari, Cotrone, Metaponto, Neapolis, Messena centri opulenti di vita nello splendido sorriso delle ubertose terre, del cielo del mare.
Ma in questo lembo di costa Tirrenica la bellezza della natura era, ed è, pacata e raccolta, sobria di colori e di forme, era virtù domestica e serena dolcezza, era elegia… e potè diventare elegia Virgiliana, potè diventare alta poesia: Eneide. E’ l’eroe che approda e scende è l’umanizzazione di questo pio canto della terra e del mare: forte ma stanco e dolente nell’intimo. Ha visto la distruzione della più superba città del mondo, Ilion, la sua patria, ha visto Creusa, la sua sposa sparire nella tragica notte, ha visto il vecchio padre morire dopo averlo condotto salvo tra le fiamme, ha amato Didone nei giardini dell’Africa lussureggianti, ha visto il suo rogo gettare un riverbero di sangue sulla scìa della sua nave, è disceso nel regno dei Morti.
E’ stanco ma non può morire perché conduce per mano un bimbo e, così vogliono gli eterni fati umani, deve riavere la sua casa una vergine sposa, un’ara per i suoi mani un focolare: e l’Eroe si ferma (si fermerà eterno nella storia).
Ed Enea uomo, per il suo stanco cuore, impugnerà ancora il ferro bagnato di sangue, ridiventerà guerriero ed eroe combatterà contro gli uomini e gli Dei per conquistare questa terra di rozzi agricoltori e pastori che sa produrre solo farro e miglio e poco grano ed alberi spinosi dai poco succulenti frutti. E dalla Terra Patria, la famiglia, la gens da Lavinia, Albalonga e Roma: la saggezza eterna nel mondo, il diritto consacrato di vita a tutte le genti.
Ed ecco per me il fascino dell’eterna poesia Virgiliana: in questo segreto contatto somiglianza fra il protagonista e l’ambiente, fra il mite e giusto e forte Enea e l’ondulata terra di Lavinia. Terra sobria, che può dare i suoi frutti ma con dure fatiche, intatta come la vergine Lavinia immobile e muta fra le passioni ardenti che alitano intorno, terra che solo in lontananza accenna a un digradare di colli, terra che nella sua bianca linea di costa non è più il promontorio di Circe ravvisato da mille luci nelle notti con voce maliarda.
Ora, attraverso i secoli (la grande Madre Terra cambia di poco i suoi caratteristici tratti) ritroviamo ancora su questa riva tirrenica il fascino che allettò l’anima dell’eroe Virgiliano. Una pianura costiera a tratti arida e sabbiosa interrata di macchie di pini, lauri, eucaliptus circondata da catene di monti di nomi famosi, paesaggio pacato smorzato di tinte e di colori, ma splendido e dolcissimo nelle albe e nei tramonti e al quale spesso un filare di cipressi accentua una nota di pura serenità francescana (e giustamente la principale chiesa è dedicata al Santo) è al riparo del soffio del maestrale, nei giardini e nelle ville palme, magnolie e bellissime rose.
Tutto è nuovo oggi a Lavinio, ma tutto resterà eternamente antico. Nella morbida sabbia d’oro della spiaggia affiorano, a tratti, mosaici pregiati di antiche ville patrizie romane; là, lungo la riva le famose grotte di Nerone spalancano l’occhio buio e sepolcrale, e lì, nella notte lunare, la Trireme dorata di Agrippina non va forse pavida sul mare? E noi uomini nuovi, figli di quest’epoca tumultuosa, quasi timorosamente osiamo trasformarne un po’ il volto. E, specialmente in questa stagione, attutito il movimento balneare, sempre signorile e raccolto, possiamo ammirarla nel suo vero fascino: perché ora sui villini più ridenti e astrosi, sui ritrovi ormai diserti che si allacciano sul mare, sui boschi di pini e sulle torri solitarie nella pacata serenità della natura autunnale tutto si compone in un paesaggio dolce che sorride allettante a chi ha bisogno di serenità e di pace, a chi, fuori dal tumulto della grande città, ama ritrovare anche per breve stagione quel contatto eterno con la natura che ci fa vivere in una vita migliore più raccolta e più vera.
Dora Marinaro
Da il “Paese Sera”.
postato da: laureato alle ore 23/08/2008 08:55 | Permalink |
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sabato, 23 agosto 2008
lavinio lido storia
Dante Serra
Lavinio, impressioni di narratori, poeti, pittori
1954
Il Lazio viveva già di una sua propria agitata ed intesa storia. Vi riscontriamo la presenza dei siculi nelle innumerevoli piccole tombe a forno dove si ammucchiavano le ossa dei trapassati (ossilegium). Poi erano sopraggiunti i latini, i cosiddetti Aborigeni. Lo afferma l’antico storico Dionigi (I,9) “Fino alla guerra di Troia conservarono il nome di Aborigeni; ma al tempo di Re Latino il quale regnò durante la guerra di Troia, cominciarono a chiamarsi Latini”.
Questa meravigliosa storia non dovrebbe rimanere nel chiuso dell’immaginazione di pochi esperti; non dovrebbe essere il supplizio dei ragazzi che traducono l’Eneide senza che nessuno si curi d’insegnar loro – nemmeno Roma – che il teatro dello sbarco di Enea e della guerra che preparò la nascita di Roma, sono fuori di porta divenendo luoghi e uomini vivi e attraenti per chi sappia scoprirli e interrogarli.
Dovrebbe diffondersi tra i nuovissimi villini, sulle strade asfaltate, belle amene trattorie dei lungomare. Essere un motivo di attrazione, magari di allegria: perché essa scopre in una fossa archeologica, una fonte di vita, la sempre rinascente vita del vecchio Lazio.
Perché non stabilire la “festa di Enea” scegliendo il giorno stesso di Roma, il 21 Aprile? Una festa gioconda, però, anche se non vi starebbe male una lettura di qualche passo dell’Eneide, nel piccolo Foro; ma poi, con la migliore fantasia, impiegare allegramente la bella giornata dell’april novo.
Armando Lodolini
postato da: laureato alle ore 23/08/2008 08:48 | Permalink |
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martedì, 19 agosto 2008
lavinio lido – storia
Dante Serra
Lavinio, impressioni di narratori, poeti, pittori
1954
Dove comincia la storia d’Italia:
Lido di Lavinio
Il lido di Lavinio è luogo di così alta bellezza – mare, foresta, ambiente bucolico, facilità di comunicazioni si sposano per farne una stazione climatica di prim’ordine – che basta la sua vista a incatenare il pellegrino in cerca di pace, di riposo, di silenzio.
Ma come accade per tante località italiane, a tutto questo si aggiunge il fascino di ricordi storici, l’eco della poesia epica, la maggiore che Roma abbia ispirato, e il nome stesso, magico, di Roma con l’eterno e quasi imperscurabile mistero delle sue origini.
Perché qui, su questa spiaggia, posarono certamente le navi del pio Enea, prima di accingersi ad esplorare il Tevere, il grande fiume, il più grande dei fiumi incontrati nel luogo pellegrinaggio marittimo. Allora bastava tirare in secco le piccole navi per procurarsi una sicura sosta contro le furie del mare: l’altra costa, che press’a poco doveva avere l’odierno andamento mentre la spiaggia doveva protendersi molto di più nel mare, costituiva un ottimo riparo contro i venti di tramontana e il maestrale, nonché per stendervi un cordone di sentinelle.
Re di Troia e nel dramma dell’Iliade, lo troviamo Re di Dardano, ai piedi del Monte Ida e, in certo modo, pretendente al trono di Priamo. Allora i regni si usava farli piccolissimi. Quando l’altro Ilio cadde in mano dei Greci non epurato dai vincitori, sembra perché avesse suggerito in tempo di restituire Elena a chi di ragione e avesse dichiarato impopolare ed inutile la guerra. Però aveva fatto splendidamente il suo dovere, aveva duellato con Achille. Fatto sta che poté ritirarsi in pace sul suo monte, portandosi in spalla il vecchio padre Anchise, unica sua ricchezza, come dimostra il famoso affresco di Raffaello in Vaticano, che lo rappresenta senza neppure la camicia. Nel trambusto morì la moglie Creusa il che fu la causa del destino di Roma, perché permise al nostro Eroe di sposare Lavinia e dare origine all’Impero.
E’ un po’ difficile stabilire quando e perché Enea abbandonasse la Troade per il suo favoloso viaggio verso l’Italia. Il primo a parlarne fu il poeta greco Stesicoro. L’ultimo fu Virgilio che dette all’avventura l’andamento epico che ancora commuove e inebria i nostri cuori.
L’oracolo di Apollo in Delo che ordina ad Enea di trovare l’antica madre dà anche a noi la chiave del mistero in cui è immersa la missione dell’Eroe. L’antica madre è l’Italia. E qui entra in scena il Lido di Lavinio.
Vi entra e vi resta a causa di una donna: Lavinia, figlia del re Latino già ufficialmente fidanzata a Turno re dei Rutuli. La ragion di Stato, ossia il proposito di stingere pacifici rapporti con i sopraggiunti persuase Re Latino a promettere Lavinia ad Enea, mentre la regina Amata, moglie del Re Latino, a onor del vero, si oppose invano al disinvolto cambiamento del Re. La questione fu affidata alla ragione delle armi ed Enea usci vincitore nel cimento.
Lavinia è una specie di Elena italiana. Ma sotto il suo nome si adombra quello di tutto il poema epico di Virgilio.
Le prove della sosta e cioè dello sbarco? Il fatidico sbarco che poneva fine all’errabondo correre per i mari indicando l’Italia come la meta cercata?
Dal poema di Virgilio appare che la flottiglia troiana è presenta nel Tevere: ma allora il Tevere aveva una sola foce, un estuario ove le acque, più ricche assai delle odierne, non dovevano promettere troppa tranquillità. Per le navi al tempo degli argonauti era più assai sicuro farsi tirare a secco sulle spiaggie. Del resto l’Eneide comincia proprio alludendo alla spiaggia di Lavinio. Dunque Virgilio, quando accenna al Tevere allude alle poche navi che trasportano Enea e i suoi migliori a scoprire l’andamento del fiume, che dovete apparire ai Troiani come l’Orinoco a Colombo, e a creare il Re pastore ed arcade Evandro sul selvaggio Palatino.
Il grosso restò nella migliore spiaggia del litorale per una flotta tratta fuori dalle onde. E il ricordo della sosta dovette essere così gradito e così manifestamente voluto dagli Dei, che Enea volendo dopo la conquista del regno latino, fondare una nuova capitale, scelse la rude collina di Lavinio ov’è ancora il castello e la torre dei Borghese. Ma la spiaggia dello sbarco non potè essere che il bell’arenile di Lido, protetto dal potente bastione naturale. Tornare o abitare su questo territorio, è come rivivere l’episodio più fatidico della civiltà umana. Enea è il massimo eroe dell’epoca italiana; ma il merito di averlo riconosciuto va al poeta imperiale Virgilio che, dovendo sceglierne uno, pensò di farci conoscere con versi immortali quello che la tradizione gli offriva.
Enea era figlio di Anchise e di Venere; né questa illustre maternità basta a confinarlo nel mondo della favola, perché almeno il 50% degli eroi, sicuramente storici, possiede un’origine mitologica, conforme non solo alla profonda umanità degli Dei antichi, sempre mescolati alle faccende terrene, ma anche alla necessità di elevare di rango coloro che sono destinati ad un grande ruolo. Enea era nipote di Assaraco, antico di questa bibbia delle origini italiane, a noi interessa come testimonianza precisa:
L’armi canto e l’eroe che nei lontani
tempi di Troia, per voler del fato
in Italia a le spalle di Lavinio
profugo giunse… e pose
i penati del lazio, onde la gente
latina venne.
(En. Canto I, 1-10_Trad. Vivono)
Si, avevo il pio Enea portati anche i Penati, segno di emigrazione permanente, ma, ahimè, non aveva portato donne, che, come narra Virgilio nel libro V, erano rimaste in Sicilia con i vecchi e gli uomini che soffrivano il mal di mare.
Ma erano questi Teucri o Troiani dei vari invasori, dei conquistatori stranieri? Eranno i normanni della antichità? Lavinio sarebbe stato il teatro della prima sconfitta degli aborigeni italici? Mai più. La ricerca dell’antica madre predetta dall’oracolo non avrebbe senso, E’ un mito, una leggenda, un racconto di secoli posteriori per nobilitare le origini di Roma? Guardiamoci nel diffidare delle leggende e dei miti, in cui è spesso da ricercare il filone della verità storica. Che cosa è stato attribuito al mito ed alla leggenda, dai freddi eruditi del secolo scorso? Mito Romolo, mito Coriolano, mito, figuriamoci, Enea. Prima che Schielmann nella più meravigliosa campagna di scavi del mondo, portasse alla luce la città di Troia dalle sette vite, tutta l’Iliade era stata scambiata per fantasia e leggenda!
Noi sentiamo che l’epoca narrata da Virgilio è realtà. Enea è autentico eroe che non si presenta come straniero sulla spiaggia di Lavinio, ma come erede di quel Dardano italiano, che, molti secoli prima, percorrendo all’inverso l’itinerario di Enea, aveva fondato Troia.
Il mito di Enea non è che il velo umano al mistero della fondazione di Roma. Leggende e tradizioni velano poeticamente un’oscure verità. Sarebbe stata per gli antichi, la maggiore delle empietà lasciare la terra dei padri. Anche nel piccolo Lazio, quando Romolo coi suoi pastori-guerrieri-artigiani, fondò Roma, ognuno di essi gettò in una fossa circolare scavata dal capo e detta “mundus” un pugno della terra natia: e Romolo vi gettò quella di Alba. Mundus significa la religione dei Mani, spiriti degli antenati e della stirpe. Consapevolmente Romolo introdusse l’elemento del divino nella fondazione della città; nella fossa accese il fuoco sacro perpetualmente nel tempio di Vesta, e che prima non era stato che un fuoco perenne sul larario domestico. Ma chi aveva portato questo fuoco inesausto (neppure col diluvio che aveva spento l’incendio delle navi dei troiani sul lido di Sicilia) da secoli? Enea, giunto trecento anni prima al lido di Lavinio, secondo il decreto di Giove e Venere “la città vedrai – e di Lavinio le promesse mura”.
Attraverso una serie di prodigi e di avventure Enea giunge ai lidi laziali e, sicuro di avere toccato la meta,
“Salve” disse: “Terra dai fati a me dovuta,
e salvate anche voi, fidi Penati,
di Troia; è qui la casa, è qui la patria”
(Eneide, VII, 172-175)
L’ambasceria a Re Evandro, fiero nemico dei Latini, commosse le popolazioni circostanti ed eccitò gli Dei (in particolare Giunone) decisi di accendere la guerra che né Latino, né l’eroe troiano volevano. E ci spieghiamo perché al Re Turno la sacerdotessa di Apollo desse il consiglio di battere “i frigi duci, che del bel fiume sulla riva – sono accampati, e le dipinte navi”.
Che la navigazione sul Tevere fosse difficile lo conferma nel canto VIII il Dio Tevere in persona che favorisce l’escursione di Enea al Palatino, morendo nell’impeto della corrente.
Ma il Lido di Lavinio poteva essere sic et simpliciter l’antefatto di Roma Virgilio volle togliere ogni perplessità ai posteri, immaginando che Enea in visita sul Palatino ad Evandro si rendesse conto di come e di dove sarebbe sorta Roma. Immaginando? Ma è ben naturale che Enea risalisse con alcune navi il corso del Tevere e sostasse per curiosità nella zona del Septimontium dove già cominciava ad affermarsi una certa vita perché l’Isola Tiberina facilitava il passaggio tra i popoli latini e gli Etruschi.
postato da: laureato alle ore 19/08/2008 08:06 | Permalink |
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domenica, 17 agosto 2008
lido di lavinio – storia e cronaca
LIDO DI LAVINIO
Dante Serra
Lavinio, impressioni di narratori, poeti, pittori
1954
Il trenino Anzio – Nettuno passa per piccole stazioni festeggianti che hanno nomi agresti: Campo leone, Campo di carne. L’erba cresce sui binari e nei campi c’è un brusio di spighe.
Lido di Lavinio; viottoli selvaggi con case bianche e gialle che la porcellana di mare grigia verde recinge, con un odore di salso nell’aria.
Dalla stazioncina rustica il mare è solo una striscia lontana.
Ma la strada si snoda lunga con vecchie piante di sughero ombrose e giovanissimi pini e va incontro al mare tra voli di tortore, uno sbalordire d’uccelli, un fioccare di petali. Tutti i giardini delle case sono fioriti e hanno alberi di pesco, di eucalyptus, hanno orti profumati di piselli e d’erba menta, di fragole.
Prati e case, case e prati, come un dolcissimo Eden che ha per sfondo il mare; agnelli dai caldi occhi stanno nei prati a giocare con fiori senza nome e farfalle.
Ecco il mare: dalla piazzetta chiara di Lavinio le campane della chiesa di San Francesco tutta bianca suonano sul mare e raccontano leggende, favole antiche del bel tempo di Enea e di sua moglie Lavinia.
Viene dal mare odor d’alghe e di conchiglie. E’ lieve questo mare, è azzurro e rosa nell’alito cocente dell’estate, con la sabbia calda: sul lido sciamano le ragazze e i fanciulli. Lavinio: così vicino alla grande città, alle sconfinate spiagge del litorale che vanno da Fiumicino, Ostia, Anzio, ma così diverso, così immenso e così raccolto, verde di rovi, così selvaggio e nuovo, così antico ma da scoprirsi ancora.
Perfino le sue case si nascondono coi tetti d’ardesia, col verde di Vietri delle mattonelle, con le anfore, coi pozzi per l’acqua, coi glicini e l’edera sui cancelletti.
Il silenzio ha il rumore del mare: quando un passero vola incrina l’aria e il silenzio e i fiori di campo sono umili: fiordalisi, camomilla, ranuncoli. Il verde precipita tra le agavi fin sul mare e il di Lavinio ha rifletti di eucalyptus, di bacche, di more campestri.
Chissà per quale mistero l’uomo non ha osato mutare anche qui la natura come altrove e s’è incantato, s’è fermato in questa oasi di sole verde e mare?
IL TURISMO NEL LAZIO
Non sembri un paradosso, ma nel Lazio il turismo ed i turisti esistevano già prima dello stesso turismo e dei turisti. Cioè esistevano in tempi remotissimi, assai prima che il fenomeno viaggi e viaggiatori venissero definiti con quel nome.
Già subito dopo la sua fondazione, Roma cominciò ad essere una calamita irresistibile che attirava visitatori dalle zone limitrofe, dalle regioni circostanti, e la sua sfera di attrazione andò sempre allargandosi quanto più si ampliavano le sue conquiste territoriali, quanto più aumentava il mondo conosciuto, quanto più si irradiava verso terre ancor più lontane e barbare la potenza della sua civiltà e la forza delle sue armi.
Il Lazio è sempre stato per la sua posizione geografica, per la stessa natura del suolo, per l’abilità dei suoi abitanti che seppero costruirvi meravigliose strade, il passaggio obbligato fra il nord ed li sud.
Per essere stato il centro dell’Impero romano prima e la sede della Cristianità poi, che si espanse trionfante per tutto l’universo, il Lazio fu sempre percorso da milioni di persone che andavano a Roma o ne ritornavano.
Non tutti i viaggiatori si spostavano per motivi di affari, perché costretti a recarsi a Roma dai loro commerci, dalle loro attività o dai loro interessi. Anche allora, e sono passati 2000 anni, molti erano attratti dalle bellezze artistiche, dagli spettacoli che vi si davano o dalle risorse naturali che già in quel tempo molte località del Lazio offrivano.
Non si trattava del solo turismo proveniente dall’esterno, ma anche di un turismo interno, come testimoniano le ricche ville che il patriziato andò via costruendo sui colli Albani, verso Tivoli, sul Litorale Tirrenico da Civitavecchia, la Centumcellae prediletta da Traiano, Ostia, Anzio, patria di Nerone e di Caligola, al Circeo, luogo di delizie dei raffinati dell’impero, sino ai confini con le spiagge campane.
Frantumato l’Impero, a Roma si accese la fiaccola vivida, che andò rapidamente trasformandosi in un faro abbacinante, della sede del Vicario di Cristo ed il Santo Padre fece affluire alla Città Eterna turbe di fedeli, detti romei prima, pellegrini dopo, turisti religiosi oggi.
Con il primo Giubileo del 1300 Bonifacio VIII attirò la prima massa, più o meno organizzata di oltre 300.000 pellegrini, e Dante, secondo la leggenda, dalle finestre dell’Albergo dell’Orso, rimase così colpito da quel tumultuoso affollarsi lungo lo stretto ponte S. Angelo, da portarlo come similitudine nell’infernale bolgia dell’ottavo cerchio.
Nel Medioevo nuovi centri come Viterbo ed Anagni splendono di luce propria impreziosendosi di costruzioni, sulle molte alture dell’ondulatissima regione laziale fioriscono castelli e la fede religiosa alimenta la nascita a Greccio, Subiaco, Cassino, Casamari, di mistici, preziosi monasteri e chiese, formando così attrattive per il turismo di oggi.
Per tutto il Rinascimento Roma ed il Lazio devono sostenere il confronto con Firenze e la Toscana. Ma l’attrazione che Roma esercita sugli artisti, la potenza spirituale e finanziaria dei papi ed anche la certezza che chi lavora a Roma pone la sua candidatura all’eternità, fanno sì che prima o poi tutti i grandi vi affluiscano e qui creino le cose migliori. Da Michelangelo a Raffaello, da Bramante a Peruzzi. Roma diventa sempre più bella, sempre più città d’arte che attira chiunque voglia godere dei frutti del genio italiano, creatore di capolavori artistici.
Per tutto il Lazio sorgono ville, castelli dalle ammirevoli architetture: a Caprarola, a Bomarzo, a Bolsena, a Bracciano e Tivoli ed in ognuno dei Castelli che fanno corona a Roma.
Nel seicento con il trionfo del barocco, Bernini e Borromini seminano a piene mani i capolavori della loro fertile fantasia e la Roma papale diventa sempre più una fulgida gemma ed al fascino mistico del Pontefice unisce il fasto e la pompa terrena che ne fanno la corte più ricercata; anche se in Europa sorgono e si accrescono altri imperi ed altre città prendono lustro e comincia la prima concorrenza turistica “ante litteram”.
Con il settecento cominciano a circolare per le strade le prime grandi carrozze per i lunghi viaggi non sempre agevoli. Sorge il turismo con intenti moderni. I gentiluomini e le persone di cultura sentono la necessità di andare dove sono bellezze artistiche e naturali, nascono i primi alberghi degni di questo nome. E a Roma l’afflusso di visitatori è continuo. Un cortigiano, un uomo di mondo, un artista, non si riteneva completo se non avesse veduto o non si fosse ispirato alle bellezze di ogni epoca che solo Roma offre.
Nasce il Romanticismo; le classiche architetture non dominano più incontrastate il paesaggio e la natura prende il sopravvento. Le imponenti diligenze di posta percorrono le strade del Lazio dove fra monti e boschi, tra caratteristici abitati ed abbandonate rovine, lo spirito, secondo la moda dell’epoca, si nutre di sensazioni nuove.
Goethe, Chateaubriand, Stendhal e tanti altri scrittori e poeti corrono a Roma e i loro diari, le loro impressioni, i loro scritti alimentano con costante progressione l’afflusso turistico. A decine dalla Germania, dalla Francia, dall’Inghilterra, pittori e scultori aprono a Roma i loro studi o si stabiliscono nei caratteristici paesi laziali: ad Anticoli, Saracinesca, Olevano, ed i loro dipinti sono tanti inviti che si diffondono per il mondo a richiamano visitatori, che cominciano timidamente ad essere chiamati turisti.
Ed oggi, di anno in anno, le curve delle statistiche che registrano l’afflusso delle correnti turistiche a Roma continuano a salire. L’aeroporto di Ciampino è ormai insufficiente a contenere l’enorme traffico aereo; la stazione Termini, la più perfetta d’Europa, risuona degli idiomi di tutto il mondo e le strade consolari sono congestionate per le ininterrotte teorie di autoveicoli.
Ma nonostante questo aspetto favorevole, il turismo verso il Lazio è incompleto, poiché se è altissimo nei mesi della piena stagione, si assottiglia molto nei mesi della bassa stagione. Inoltre è polarizzato quasi interamente su Roma, con escursioni verso pochissime località nei suoi immediati dintorni.
La febbre turistica ha preso ormai tutti; ma se aumenta il numero dei turisti, aumenta anche, in maggiore misura, in tutti i paesi, la gara per attirare quei turisti che si vanno facendo sempre più esigenti, offrendo loro quei conforti che l’uomo crea per sopperire agli insufficienti richiami naturali od artistici. E’ necessaria la continua propaganda degli organi turistici e il concorso di tutti coloro che nel turismo operano o che dal turismo traggono vita, per potenziare e tenere sempre ad alto livello le attrezzature ricettive e l’interesse per quelle località già ricche di richiami paesistici od artistici.
Il Lazio che D’Annunzio ha definito come “la più tipica e meditabonda bellezza terrestre che sia sotto il sole” è ricco quanto poche altre regioni di attrattive turistiche, non sempre sufficientemente valorizzate per la scarsezza di impianti ricettivi o perché poco note.
La ricchezza dei tesori d’arte legati ad altre civiltà, quali le testimonianze etrusche di Cerveteri e Tarquinia e quelle romane sparse ovunque con esempi mirabili, come il Tempio della Fortuna Primigenia a Palestrina, gli imponenti resti di Ostia e di Villa Adriana a Tivoli. Ugualmente è avvenuto per ogni altro ciclo artistico, che, irradiandosi da Roma, ha lasciato le sue impronte nelle città e nei paesi delle province laziali.
La natura geologica della regione è tanto varia che offre piacevoli soggiorni per tutte le esigenze e per ogni periodo dell’anno. I suoi monti permettono gradevoli soste estive e sono accoglienti centri di sport invernali quali il Terminillo e Campo Catino. Le stazioni termali sono numerose per la natura vulcanica del suolo: dalla notissima Fiuggi alle Acque Albule di Tivoli, dalle Fonti di Lucullo di Sabaudia alle Terme di Cotigliano, da Vicarello a Stigliano. Il soggiorno in collina è quanto mai confortevole nei centri del viterbese, del frusinate; della Sabina, della Ciociaria e dei Colli Albani.
Notevole interesse vanno suscitando, particolarmente presso i turisti stranieri, le stazioni balneari del Lazio, favorite dagli ampi arenili e sovente con alle spalle salubri pinete. Le già affermate spiagge di S. Marinella, Ladispoli, Fregene, Ostia, Anzio, Nettuno, S. Felice Circeo, Sperlonga, Gaeta, Scauri, nei mesi di punta sono sovraffollate ed il sorgere di nuovi centri non può non essere visto che con simpatia.
Come per il Lido di Lavinio, che sorge in una località che la leggenda ha legato all’origine di Roma e prende il nome dalla mitica sposa di Enea, ultimo centro nato sulla costa laziale. E’ in costante sviluppo per l’incantevole posizione facilmente raggiungibile da Roma con la via Anziate e con la litoranea che parte da Ostia. Il bell’arenile riparato alle spalle dalla costa che scende a picco, con le oasi d’ombra dei suoi boschetti di pini e di lecci, è un’attrattiva che si aggiunge alle molte della regione.
Possiamo sintetizzare il fascino nel dannunziano verso dell’ “Alcione”: “Forza del Lazio quanto sei soave”.
Raffaele Travaglino di S. Rita
Presidente dell’E.P.T. di Roma
ORIGINI DEL LIDO DI LAVINIO
Il “Lido di Lavinio” la ridente spiaggia del Lazio che si estende a ponente di Anzio, tra Tor Caldara e il Fosso dello Schiavo, ha avuto origini recenti. Fu nei primi mesi dell’anno 1945 che il Comm. Galileo Scavezzi offrì in vendita la zona di Tor Caldara al Col. Renato Coppeta ed al Comm. Mario Carletti, che in precedenza avevano lottizzato in quei pressi, alla “Campana” altri terreni. Lo Scavezzi – persona ricca di iniziative – aveva in mente di costituire una Borgata Agricola e a tal fine aveva iniziato trattative con la Società “Bonifiche Nettunensi” proprietaria dei terreni di Tor Caldara.
L’accesso alla località era quanto mai arduo e pericoloso perché si trattava di attraversare un territorio che era stato campo di battaglia tra Americani e Tedeschi: proiettili inesplosi di ogni calibro erano disseminati ovunque ed il caratteristico disordine delle zone devastate dalla guerra dava un’impressione di tristezza e consigliava di procedere, specie nella zona del “Forteto”, cioè a mare, con molta prudenza onde evitare disgrazie.
Tuttavia la bellezza del paesaggio, la dolcezza del litorale, colpirono immediatamente i visitatori, i quali, però non si trovarono d’accordo sulla destinazione da dare alla zona. Si doveva procedere ad una lottizzazione agricola o costituire una Borgata Balneare? Si adottò una via intermedia; verso il mare si sarebbe effettuata una vendita a piccoli lotti (da 2.000 mq), a monte della Litoranea, invece, si sarebbero fatti dei lotti agricoli con superficie non inferiore ad un ettaro.
Per facilitare la vendita il 12-4-1945 a rogito del notaio Ugo Marocchi fu costituita la Cooperativa Agricola Tor Caldara della quale il Coppeta assunse la Presidenza ed il Comm. Carletti la Vicepresidenza. Le vendite all’inizio incontrarono parecchie difficoltà, non vi era alcun mezzo per accedere alla zona all’infuori dell’automobile, ed anche questo (ricordarsi che durava ancora la guerra!) non si poteva adoperare nei giorni festivi; molte delle persone che si riusciva a portare sul posto, si spaventavano nel vedere la quantità enorme di ordigni esplosivi abbandonati. Fu superata la prima difficoltà – quella dei mezzi di trasporto – noleggiando delle camionette che facevano servizio pubblico a Roma, e con queste, tutte le domeniche sia d’Inverno che d’Estate si partiva da Piazza S. Maria Maggiore per Tor Caldara.
Il viaggio, date le condizioni pessime della Via Appia e della Nettunense, durava oltre 2 ore! In seguito si provvide a bonificare la zona dagli ordigni esplosivi, affidando l’incarico a personale specializzato: operazione indispensabile per la incolumità dei lottisti.
I primi acquirenti furono naturalmente, i soci fondatori della Cooperativa, Coppeta, Carletti, Fanelli, Giuliani, Brilli, Clavelli, ed altri come i fratelli Bravi, Rascioni, Salvatori, Lojoli, Giacchetti ecc. Quest’ultimo va ricordato come uno dei più benemeriti perché con la sua audacia offrì la possibilità di risolvere brillantemente una delle maggiori difficoltà del momento. La zona infatti era inospitale e nelle immediate vicinanze non vi era alcuna possibilità di rifornirsi di acqua. Il Giacchetti si costruì una baracca nel “Forteto” ed andò ad abitarvi con la propria famiglia; quando le domeniche arrivavano le comitive, egli preparava succulenti piatti di spaghetti alle vongole e del pesce fritto, che, dati i tempi e le circostanze, erano quanto mai gustosi e graditi!
Le vendite presero un ritmo accelerato; ai primi acquirenti se ne aggiunsero altri; il Dott. Luigi Contini, Cinelli, Belloni e tanti altri di cui ormai sfugge il nome ma che contribuirono validamente allo sviluppo della zona.
Ormai il terreno destinato a Borgata Balneare non era più sufficiente a soddisfare le richieste dei piccoli lotti e così fu iniziata la lottizzazione anche di quelli a monte della Litoranea che erano destinati a zona agricola.
Ormai la Cooperativa Tor Caldara di fatto era divenuta edilizia e si affacciava la necessità di creare un retroterra agricolo per approvvigionare la massa di gente che si sarebbe recata a soggiornare al “Lido di Lavinio”; cosi fu costituita la Cooperativa Agricola “Terra Nostra” che lottizzò i terreni lungo il Viale di Valle Schioia. I primi acquirenti furono un gruppo di agricoltori leccesi: Meleleo, Betrugno, Colì, Schinzari, Campa ecc. Infine è doveroso ricordare una cara figura scomparsa: il Comm. Umberto Brilli che si adoperò per fare ottenere dalle Ferrovie dello Stato la Stazione “Lido di Lavinio” ed il servizio automobilistico Roma – Lavinio – Anzio. Ed infine un affettuoso e riconoscente saluto a tutti coloro che hanno collaborato per la buona riuscita della iniziativa e che avvertono l’orgoglio di una bella opera compiuta, anche se questa volta, ciò ha causato preoccupazioni e le… solite amarezze.
Renato Coppeta
Mario Carletti
UNA CITTÀ RISORTA
Un giorno, sotto il bianco volteggiare silenzioso di stormi di gabbiani, mentre tra cielo e mare più completa era l’armonia della luce e la policromia dei colori, nacque una città, una città espressa dalla matrice inesausta di questa nostra Italia mai stanca di generare vita.
Per festeggiare la nascita della nuova città le campane non suonarono gioiose a distesa: campane ancora non ce n’erano ed a maggior ragione non c’era il campanile.
I discorsi augurali furono pochi: gli abitanti erano pochissimi e le autorità sentivano un po’I’imbarazzo di parlare ad un gruppo di uomini che ascoltavano appoggiati ad un piccone o ad un badile mentre l’orecchio era teso al martello che batteva sull’incudine, alla sega che mordeva il legno, alla carrucola che strideva stanca nello sforzo di sollevare senza posa calce, pietra e mattoni perché la casa sorgesse più in fretta alta, bianca e dritta tra il mare e la pianura che ancora la fatica dell’uomo non aveva del tutto strappata alla desolazione bruciata della sabbia ardente ed all’agguato della maremma.
Si costruivano la loro città gli abitanti, pietra su pietra, fatica su fatica, sudore su sudore ma con negli occhi una luce piena, a bagliori fermi ed orgogliosi, la luce che è intorno alle cose quando l’uomo ad esse da vita per sé e per i propri figli.
Anche io, modesto annotatore di ciò che vedo per i pochi lettori che mi leggono, volli sentire in me quella luce, anch’io volli per un momento sentirmi costruttore di città.
Ed è così che presi una cucchiaia da muratore, la empii colma di calce, di buona calce dall’odore aspro, che distesi sullo spessore fresco del muro s’alzava adagio, adagio verso l’alto.
Poi sopra la calce posi bene a piombo il mio mattone mentre mi sentivo pervaso da un sentimento di ansia orgogliosa; anche col mio mattone si costruiva la città, anche io, sia pure per una infinitesima parte, era un costruttore della città.
Quel misero mattone così povero eppure così pieno da traboccare di una sua immensa ricchezza simbolica mi fece capire molte cose, mi aiutò anche a comprendere meglio la storia che per tanto tempo è stata quella di città costruite con accanito amore e difese con accanito furore.
Gli abitanti, alla loro nuova città, dettero il nome di Lavinio, perché l’avevano fatta sorgere nel punto o almeno nel tratto della mitica spiaggia dove la leggenda dice che Enea, l’eroe troiano, aveva fondato la sua città, sacra ai suoi Dei ad all’amore verso la sua donna: Lavinia, figlia di Latino, Resegli aborigeni che sposò Enea dopo che questi vinse la coalizione italica, capitanata da Turno, Re dei Rutoli.
Ma anche ai tempi di Enea le cose non andavano troppo agevolmente quando ci si metteva di mezzo una donna e del calibro di Giunone.
Secondo infatti una leggenda raccolta da Virgilio, Giunone, nonostante che Latino avesse promessa in sposa Lavinia ad Enea, in odio a questa unione suscitò la furia di Aletto che la trasmise alla moglie di Latino: Amato, che aveva promesso Lavinia a Turno.
Amato per sottrarre la figlia Lavinia alle nozze con Enea la consacrò a Bacco e la nascose nel folto di un bosco ma gli Dei proteggevano l’innamorato Enea e la sua vittoria su Turno gli dette anche Lavinia.
A Lavinia e ad Enea si riallaccia l’antichissima tradizione ricordata da Plutarco secondo la quale Lavinia ebbe una figlia di nome Emilia la quale congiuntasi con Marte generò Romolo il più forte fondatore di città che il mondo ricordi perché dal solco tracciato dal suo aratro sorse Roma.
A Lavinio non era più tornato da quel giorno, del resto non lontano, in cui avevo assistito si può dire alla sua nascita sotto il bianco volteggiare silenzioso di stormi di gabbiani.
Ci sono ritornato oggi e francamente li per li non mi è riuscito facile riconoscere la Lavinio della quale mi sentivo una specie di cittadino di elezione per quel tale mio povero mattone così pieno da traboccare di una sua immensa ricchezza simbolica.
Lavinio mi è venuta incontro dal fondo di un viale dritto come una spada, lungo due o tre chilometri, perfettamente asfaltato e meravigliosamente alberato, con un suo volto fresco, sereno, nitido, accogliente, elegante da non potersi definire con facilità, ma senza dubbio indimenticabile.
Anche perché Lavinio ha un suo particolare volto spirituale che è forse quello di tutte le città nuove che ancora non conoscono i cimiteri, perché ancora non conoscono la morte ed allora tutto in loro è vita piena e sorridente, pura come il candore immacolato che riveste di bianco le facciate delle case bianche di calce.
Ed è accogliente il sorriso di Lavinio, l’ho già detto, ma non ho ancora detto che lo è fin da quando si scende alla sua stazione: Lido di Lavinio, dopo aver percorso i quaranta o cinquanta chilometri che la separano da Roma. Lido di Lavinio accoglie il viaggiatore nel silenzio verde di un angolo sognante di campagna romana che non ha più nemmeno il ricordo della maremma, che è tutta odorosa di mentastro e di terra fertile appena aperta dal vomere. Lo accoglie con un sorriso che non è soltanto delle cose ma anche delle persone le cui inflessioni dialettali, delle più diverse regioni d’Italia, danno un significato particolare alla storia non ancora nata di Lavinio. Perché Lavinio non è lo sforzo paesano di un piccolo centro di provincia chi si esaurisce in una dinamica del tutto locale ma è un esempio della volontà di ricostruzione e di vita degli italiani a cui partecipano tutti gli italiani là dove si trovano: a Lavinio come in qualsiasi altro punto d’Italia.
Questo è vero nonostante il nostro pessimismo, molto spesso del tutto apparente e che quasi sempre è una forma di estetismo deteriore di cui ci compiacciamo forse per sentire in tutta la sua pienezza la gioia delle ricostruzioni.
Lavinio dopo che milioni di mattoni sono stati messi gli uni su gli altri con una capacità costruttiva ed artistica… un po’ diversa dalla mia, è diventata una cittadina fresca e lieta che non solo può offrire ospitalità serena e riposante, ma anche elegante a chi bussa alle sue porte. E sono porte sempre aperte specialmente ai numerosissimi bagnanti che anche quest’anno hanno goduto dell’azzurro del suo mare e del suo cielo ed ai quali ha potuto mostrare oltre che le sue piazze e le sue vie sempre più linde, più ricche di alberi e di verde e più profumate fiori, anche case sempre più comode ed eleganti e bei negozi e trattorie ecc.; ed una bellissima Chiesa, al centro della piazza, che sarei portato a definire di stile francescano tanto è aderente nella sua sobrietà luminosa ed austera alla figura spirituale di S. Francesco a cui è dedicata.
E non ha dimenticato Lavinio che gli ospiti hanno bisogno di ottimi alberghi e pensioni. Ce ne sono ed i prezzi hanno le caratteristiche ambientali: facilmente accessibili a tutti.
Prima di lasciare Lavinio sono andato a salutare il mare, un mare che pareva più immenso nella notte fonda, sotto lo scintillio delle stelle.
In lontananza, verso la linea dell’orizzonte, delle barche da pesca palpitanti di luci, sembravano sorgere dalle acque come un miracolo luminoso nel gran silenzio azzurro, quale offerta propiziatrice a Lavinio, sorridente città ancora per sua fortuna senza storia.
Vincenzo Baldieri
Lavinio
Fino a qualche tempo fa, Lavinio era soltanto un nome che appariva ad apertura dell’<Eneide>: <Laviniaeque venit litora…>. Ma nessuno sapeva precisamente, nemmeno a Roma, da che parte fosse il lido sui cui Virgilio aveva fatto sbarcare il fuggiasco Enea per trovarvi la patria che gli era destinata. Ci voleva un secondo sbarco, quello alleato del marzo 1944, perché fosse identificato e rimbalzasse dalla poesia alla realtà della storia. Per alcuni mesi, qui si scontrarono le pattuglie italo-tedesche che difendevano Roma e quelle anglosassoni scagliate sulla spiaggia a creare un diversivo e una minaccia alle spalle dello schieramento di Cassino. Gli uomini morivano nella boscaglia insidiosa o sulla sabbia deserta per una manovra tattica di cui ignoravano lo scopo e di nuovo, dopo lunghi secoli di sonno, la terra si abbeverava di sangue, del gioioso e fresco sangue dei giovani donde doveva ripullulare la vita.
Poi il turbine passò, la romba dei cannoni e lo sferragliare dei carri armati dileguarono e l’antico silenzio ricadde sulle cose, fra gli alberi contorti e i casolari distrutti, le lavine dissecate e le strade in cui i <panzer> avevano scavato profondi solchi.
I primi a ritornare furono i contadini che vi avevano un poderetto, i cacciatori in cerca di una selvaggina che la guerra aveva disperso , i pescatori solitari che non erano riusciti, rifugiandosi altrove, a dimenticare un’ansa ricca di pesca, i vagabondi che frugavano fra i rottami disseminati fra i campi sconvolti e trincee. Poi giunse qualche giornalista a ricostruire un episodio ignorato, qualche curioso attratto da un nome che gli risuonava nella memoria fin dai tempi del liceo, un artista bramoso di scoprire una bellezza inedita e si comincio a parlare di Lavinio come di una località pittoresca da visitare, un posto dove si poteva trascorrere in pace la domenica e stendere i nervi straziati dal fragorìo della città, in cospetto di una natura ancora vergine. Poiché il suolo era a buon mercato, qualcuno pensò di costruirvisi un nido e tacitamente, come al colpo di una bacchetta magica, un villino dopo l’altro occhieggiò fra il verde; sorse un’osteria e poi un villino ancora, una stazione distributrice di benzina e poi un gruppo di abitazioni eleganti mentre le strade si asfaltavano e si costituiva un centro con una piazza aperta ai venti marini. Sbucarono quindi gli alberghi e la spiaggia di estate si costellò di cabine e di stabilimenti balneari, risuonò di risa festose, fiorì di ombrelloni e di costumi bizzarri.
Così, in meno di dieci anni, è nata Lavinio, la più giovane città d’Italia, la perla più preziosa della costellazione che gravita attorno a Roma, con le radici nel mito chi le suscita attorno un alone di mistero e l’incanto del suo mare che la veste di turchino.
Fra Roma e Lavinio non c’è quasi soluzione di continuità. La metropoli, che si è ingrandita smisuratamente, spinge i suoi tentacoli in tutte le direzioni e quelli che ieri erano dei borghi s’inseriscono nel cerchio dell’Urbe, sono scavalcati da nuovi quartieri, da gruppi residenziali, fabbriche, fattorie, cantieri. Un pezzo di campagna coltivato ad orti e poi di nuovo si passa attraverso una crocchia di case, odorosa di calce fresca e irta di ponti. Si costeggia li mare, si corre lungo uno stabilimento balneare, una vecchia torre papale si profila contro l’azzurro, s’imbocca una strada dritta fiancheggiata di giovani pini e di ville, si svolta a sinistra ed eccoci a Lavinio: una piazzetta con un portico terminante con una torre ed una chiesa dalla facciata incompiuta, semplice ed austera insieme, con lo sdutto campanile accanto. Umile e disadorna, con la facciata intonacata di rosa, se ne sta in disparte una vecchia cappella di campagna dove un tempo i butteri e i bovari dei Torlonia andavano, nelle feste, ad ascoltar la messa. Un vitellino color marrone, con una zampa legata ad una corda, pascola l’erba stenta che cresce in mezzo al pietrisco, da un lato si profilano le montagne e dall’altro il mare alza la sua muraglia cerulea all’arco dell’orizzonte.
Ci si domanda dov’è mai la tanta decantano bellezza di Lavinio. C’è intorno una campagna piatta ed eguale e la spiaggia chiusa fra due piccoli promontori non ha nulla di vistoso.una balza alta una cinquantina di metri. Niente scogliere per immaginarvi ninfe danzanti fra gli anfratti e le acque, niente velieri per la gioia dei gabbiani,e appena qualche barca ammarata aggiunge una nota diversa o un’ombra di viola ai tonti fulvi della sabbia. Macchie selvatiche si aggrappano alle pietre e roveri nere si aggrovigliano come serpi sull’arco della balconata. Una palma si dondola al vento, con l’indolenza di una odalisca.non si ode lo scricchiolio di una carrucola né lo stridio di un uccello. La voce del mare riempie il silenzio, una voce ora cupa, ora dolcissima che si frantuma in mille sciacquii ed echi sommessi con le onde lunghe che lambiscono la spiaggia e fanno drizzare le orecchie ai cavalli che frugano fra le alghe e i cespugli spinosi.
Forse in questa voce che penetra nei precordi e vela i pensieri di malinconia, è il segreto del fascino terra che nutri la passione della figlia del re pastore per le straniero dai capelli rossi venuto da un paese ignoto. Essa ci stacca dal mondo, ci fa dimenticare la città nascosta dai vapori argentei che si sgomitolano dalla valle del Tevere, si crea attorno un’oasi di serenità fra la distesa marina e la campagna non ancora domata dalle macchine e dal cemento, sotto un cielo lucente e morbido come la pelle di un leprotto.
Qui ognuno, fra il sabato e la domenica, si chiude nel suo nido e dalla veranda si gode il lembo di mare che balena fra le piante, oppure si esercita nel giardinaggio curando le aiuole mentre i bambini ruzzano con il cane sulla ghiaia dei viali e lo stelo della fontana sgrana sui gerani le sue perle iridescenti. Le donne, in donne, in vestaglia, appollaiate sui gradini, sfogliano l’ultimo rotocalco o lavorano all’uncinetto, respirando a pieni polmoni l’aria odorosa di salsedine e di rosmarino. Alte siepi circondano le ville e le nascondono agli occhi indiscreti dietro ghirlande di edera, di bossi, di rose tee; ma di là da questo riparo s’indovina un mondo di tranquillità e di riposo, che la domenica sera si lascia con un senso di rimpianto confortato dalla speranza del ritorno a fine settimana.
Ma c’è qualcuno che non se più allantanarsi da Lavinio nemmeno per un giorno: grossi funzionari in pensione, ex industriali stanchi di lottare, umile gente che si è radicata a questa terra dopo mille avventure, i pionieri che formarono il primo nucleo cittadino e si costruirono con le proprie mani una baracchetta. La sera si riuniscono sotto i portici a fantasticare di progetti per l’avvenire, a protestare contro i pescicani che hanno profanato la zona, a chiedere l’autonomia amministrativa dal comune di Anzio da cui Lavinio dipende, a discutere con Dante Serra del premio intitolato alla città. Fra essi è lo scultore romagnolo Ettore Lotti. Capitato qui per caso dopo essere stato liberato dal campo di concentramento dove era stato rinchiuso per le sue idee politiche, non si è mosso più rinunziando alla gloria verso cui era avviato, resistendo al richiamo degli amici romani che ne apprezzavano l’ingegno. Ha per studio un capanno sgangherato coperto da un tetto di lamiera dove non si capisce come possa scolpire o dipingere. Di là è uscito un gigantesco pescatore che tira le rete che adesso domina la valla di un ingegnere, un mostro favoloso che Picasso si porterebbe dalla villa in cui adesso troneggia alla sua Vallauris ninfe e tritoni disseminati un po’ dovunque. Orgoglioso del suo mestiere, mugugna contro i borghesi che non lo comprendono, ma poi si adatta a tutto con umiltà francescana e un sorriso ingenuo gli illumina gli occhi di gatto se qualcuno gli dice una buona parola. Quando tutti rincasano, egli gironzola ancora sotto le stelle, poi infila un sentiero e, a lenti passi e gravi, raggiunge il suo rifugio sul ciglio di un vallone romantico. Si sdraia sul letto e, fumando un mozzicone di sigaro, continua a sognare o a polemizzare con nemici immaginari, cullato dalla voce del mare che si rotola dietro la porta.
Giacomo Etna
Da “Il Mattino”.
postato da: laureato alle ore 17/08/2008 17:28 | Permalink |
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domenica, 17 agosto 2008
accademia di romania
ROMA TRAJANEA
LA ROMANITÀ ORIENTALE
EDITRICE TOTEM
1995
IL PROCESSO DI ROMANIZZAZIONE E LA PERSISTENZA DELLA ROMANITA’ NELLA DACIA
- Protase
Come processo storico generale, la romanizzazione presenta un’importanza particolare, con conseguenze etniche, linguistiche, politiche e culturali stragrandi per la storia dell’Europa, potendo essere paragonata fenomeno di grandi proporzioni, con l’indo-europeizzazione dei millenni III-II a.C. oppure con le migrazioni del I millennio d.C. Nel sud-est dell’Europa, la romanizzazione e poi la sua persistenza parziale hanno condotto all’apparizione nel campo della storia dell’unico popolo romano di qui, il popolo romeno, che continua ad essere tutt’oggi circondato da popoli di altra origine etnica.
Desideriamo precisare sin dall’inizio che qui affrontiamo il processo di romanizzazione, principalmente, nello spazio dacio nord-danubiano conquistato e dominato effettivamente dai Romani (fra gli anni 106-275), ma un poco ci riferiremo similmente alla persistenza ed all’espansione della romanità oltre i suoi limiti iniziali.
Nella nozione “romanizzazione” noi includiamo due lati fondamentali dello stesso processo unitario e cioè:
1) La colonizzazione del territorio daco-geto con popolazione romanizzata, latinofona, venuta da tutte le parti dell’Impero romano cioè la romanizzazione per colonizzazione;
2) L’assimilazione degli autoctoni daco-geti, a misura che questi hanno adottato la lingua latina, hanno preso la maniera di vita romana provinciale, cioè le abitudini, la civiltà e la religione romana cambiando così la propria mentalità e la loro identità etnica.
Nel caso della Dacia, la romanizzazione, con entrambi questi due aspetti, si verifica come una realtà, dimostrabile dal punto di vista documentario, come si potrà vedere da quello che segue.
Come già in altre province più antiche, i Romani hanno introdotto nella Dacia relazioni sociali, forme proprie di organizzazione sociale, economica, politica, militare ed amministrativa, la loro cultura e civiltà, la lingua latina, in breve tutto il sistema di organizzazione e la maniera di vita romana provinciale. Però le nuove strutture sociali, economiche e politico-organizzative, le maniere di vita ed i prodotti romani di ogni genere arrivati nella Dacia sono venuti a contatto con la popolazione autoctona, con le sue forme di organizzazione antiche, con la civiltà, i costumi e le tradizioni locali. S’incontravano qui due sistemi sociali economici differenti, due civiltà a livello inuguale di sviluppo.
Però vediamo, più concretamente, quali sono i risultati etno-culturali e linguistici cui si arrivati nei 17 decenni di esistenza della Provincia carpatica.
Immediatamente dopo la conquista, nella Dacia è cominciata una colonizzazione massiccia, realizzato dallo Stato, ma anche dall’iniziativa privata. Traiano prima di tutti e similmente gli imperatori seguenti hanno appoggiato moltissimo la colonizzazione e le hanno impresso in più un carattere organizzato. Le ricchezze della Dacia attiravano, come un miraggio, moltitudini di coloni. L’ampiezza e la rapidità della colonizzazione si verificano come una realtà, imposta da più fattori, tra cui la creazione di una romanità nord-danubiana forte ha costituito la preoccupazione principale della dominazione.
Tale realtà è verificata dalla presenza, poco dopo la conquista, di un esercito numeroso (legioni e truppe ausiliarie), dalla costruzione di una vasta rete di strade, dalla fondazione di alcuni abitati civili, dall’esistenza per tempo delle città e proprio dalla fondazione di una capitale, la Colonia Dacica Ulpia Traiana Sarmizegetusa. La colonizzazione massiccia è menzionata anche da Eutropio, che dice: “Traianus, victa Dacia, ex toto orbe Romano infinitas eo copias hominum transtulerat ad agros et urbes colendas”. Lo stesso autore nota ancora che l’imperatore Adriano, all’inizio del suo regno, aveva l’intenzione di abbandonare la Dacia ma, consigliato dagli amici, ha rinunciato a quest’idea, perché “ne multi cives Romani barbaris traderentur”.
Nella Dacia, come anche in altre province di confine, staziona un grande numero di truppe (tre legioni ed all’incirca 85 formazioni militari) addizionando circa 55.000 militari, a cui erano aggiunti le loro famiglie, che stavano nelle città opportune nelle canabae dei campi. Nella nuova provincia giungono anche numerosi coloni, funzionari, commercianti, artigiani, uomini d’affari, praticanti della religione, schiavi, Il numero delle città (municipia e coloniae), fra le quali cinque con ius Italicum, è giunto a 11 (Ulpia Traiana, Apulum I ed Apulum II, Napoca, Potassa, Porolissum, Ampelum, Tibiscum, Dierna, Drobeta, Rotula), mentre alcune sono state fondate proprio durante il regno di Traiano (Ulpia Traiana) oppure all’inizio del regno di Adriano (Napoca, Drobeta, e forse Romula).
Gli abitati rurali fondati per la colonizzazione (vici, pagi), le stazioni balneari, le ville rustiche sono numerose, senza parlare degli abitati civili apparenti ai campi, tanto intensamente abitati. La popolazione venuta nella Dacia (civili, militari) era molto numerosa sin dal regno di Traiano.
L’origine etnica e territoriale dei coloni appare molto diversa, come a ragione scrive lo stesso Eutropio, e come confermano le epigrafi. Una provenienza tanto diversa ha determinato alcuni storici a mettere in dubbio la romanità della maggioranza dei coloni, sostenendo che la Dacia sarebbe stata colonizzata specialmente da elementi non romanizzati. Le realtà documentarie mostrano, al contrario, che i nuovi venuti sulla terra daca erano nella stragrande maggioranza gente che parlava il latino, viveva secondo il mondo romano, erano i latori della cultura e della civiltà romana, i propagatori attivi della romanità fra gli autoctoni. Dalle epigrafi litiche, dai diplomi militari, proprio dalle tavolette cerate e da altre categorie di documenti emerge la provenienza di un grande numero di coloni delle regioni romanizzate da molto tempo: Hispania, Gallia, Dalmazia, Moesia Superior, e anche dell’Italia e di molte altre parti. Nella zona aurifera dei Monti Apuseni, per esempio , sono venuti molti coloni illiri della Dalmazia (Pirustae, Baridustae, Sardeates), che sono bene attestati dal punto di vista epigrafico ed archeologico. Gli italici, venuti in maggioranza dal centro e dal nord della Penisola, sono attestati più frequentemente nelle città (Apulum, Ulpia Traiana, Potassa), ma anche nelle stazioni balneari, nella regione aurifera Ampelum-Alburnus Maior, nei campi romani e nelle stazioni balneari. Il loro numero rimane, generalmente, piccolo. L’ultima statistica registra 148 italici, i più delle categorie medie ed inferiori della società romana, che si sono integrati nella vita della Provincia. Numerosi italici si trovano anche negli strati sociali superiori, tanto nella vita civile quanto in quella militare. L’archeologia mostra che nella zona Sibiu-Fagaras, (a Casolt ed a Calbor, per esempio) abbiamo a che fare con una colonizzazione a Sighisoara, Micasasa, Medias, nella Valle di Tarnava Mare troviamo delle comunità di popolazione illirico-pannonica. Molti esempi possono essere ancora offerti, tanto riferibili alla popolazione urbana ed ai militari delle truppe ausiliarie quanto a quella degli abitati rurali (Cristesti, Moresti, Miercurea Sibiului, Cioroiu Nou) oppure minerari (Teliuc, Brad).
postato da: laureato alle ore 17/08/2008 08:37 | Permalink |
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sabato, 16 agosto 2008
INTRODUZIONE
ROMA TRAJANEA – LA ROMANITÀ ORIENTALE
EDITRICE TOTEM
1995
Il sistema della decorazione della pareti e delle rinuncia all’illusione dello spazi, ormai diviso in scompartimenti da un modello geometrico di linee colorite disposte su uno sfondo chiaro. In una prima tappa i nuovi quadri sono stati occupati da figure e scene, ghirlande, vasi, uccelli, che sembrano galleggiare in uno spazio superficiale e che sono dipinti con una sensibilità commovente, in delicati colori.
Come nelle epigrafi funerarie con contenuto comune alla religione pagana greco-romana e a quella cristiana, anche qui le raffigurazioni di certi uccelli (piccioni, pavoni, pernici) e di certi animali (coniglio) possono essere ugualmente simboli pagani e cristiani. Il discorso vale anche per il banchetto funerario quando non ha nessun segno o nessuna iscrizione cristiana specifica. Ciò che sosterrebbe il carattere cristiano di questo monumento attiene al rito e all’orientamento degli scheletri all’interno della tomba.
Il monumento funerario con affresco di Tomis rappresenta ancora una testimonianza della vita religiosa della Dobrugia nel periodo di transizione dal paganesimo al cristianesimo, quando la popolazione era lungi dalla completa conversione alla nuova religione.
Dal punto di vista artistico, la decorazione dei monumenti di questo periodo oscilla tra l’antropomorfismo – proprio dell’arte mediterranea antica – e il geometrismo e lo zoomorfismo delle arti orientali. Nella pittura di monumenti della Dobrugia e a Sud del Danubio sono riconoscibili i tratti di un’arte locale provinciale, prefigurando, nel caso dei personaggi dipinti, certe fisionomie che diventeranno poi proprie del primo Medio Evo europeo.
Comunque, questo monumento, accanto agli altri, convince sull’evoluzione speciale della popolazione indigena del tempo, svolta a molteplici livelli: sociale, economica, politica, culturale. Sul piano della cultura e su quello spirituale si possono registrare delle forme superiori, con profonde implicazioni nel processo della romanizzazione che conduce alla popolazione e alla lingua dataci dall’ ethos romeno, che con vigore e autorità costruisce nello spazio abitato e di etnogenesi una nuova e brillante civiltà.
postato da: laureato alle ore 16/08/2008 09:56 | Permalink |
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lunedì, 11 agosto 2008
casa editrice totem libri pubblicati
libri editrice totem nelle biblioteche italiane
libri editrice totem
nelle biblioteche italiane
Acanfora, Salvatore
Il cittadino e il parlamento / Salvatore Acanfora
Roma : Totem, stampa 1987
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\CFI\0112438]
ACCADEMIA DI ROMANIA
Roma trajanea: la romanita orientale : Convegno internazionale di studi, Roma, 25-27 marzo 1993
Roma : Totem, c1995 (stampa 1994)
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\CFI\0564541]
Acquario, Lina
La favola bella / Lina Acquario
Roma : Totem, stampa 1987
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RMR\0049178]
Argentino, Lucianna
Gli argini del tempo : poesie 1986 – 1990 / Lucianna Argentino
Roma : Totem, \1991!
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\BVE\0007100]
Balestrieri, Gabriella
Il gregge, i giullari e il pastorale : diario di un prete del Sud / Gabriella Balestrieri
Roma : Totem, [1992]
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\TO0\0805135]
Banella, Mario
Al passar della luna : sei poesie, sei racconti / Mario Banella
[Roma] : Totem, stampa 1991
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\BVE\0031454]
Banella, Mario
Chiara e le altre / Mario Banella
Roma : Totem, stampa 1989
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RMS\0142331]
Barbieri, Pietro <1937- >
L’ idealita politica di Stalin nel contrasto tra ortodossia marxista e pragmatismo imperialista / Pietro Barbieri
\Roma! : Totem, c1992
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\IEI\0095385]
Bastianini, Augusto
Scattering : \romanzo! / Augusto Bastianini
Roma : Totem, \1988!
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RLZ\0175148
Bastianini, Augusto
Scattering / Augusto Bastianini
Roma : Editrice Totem, c1988
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RLZ\0125537]
Bovio, Luigi
Celere clessidra : poesie / Luigi Bovio ; prefazione di Ugo Bernardi
Roma : Totem, \1990!
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\BVE\0007090]
Bovio, Luigi
Celere clessidra : poesie / Luigi Bovio
Roma : Editrice Totem, 1990
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RLZ\0001842]
Burzagli, Sonia Selene
Castelli di sabbia / Sonia Selene Burzagli
Roma : Totem, s.d
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\TSA\0648626]
Caputo, Maria Luisa
Le storie di Mizar / Maria Luisa Caputo
Lavinio Lido : Totem, c2006
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\CFI\0710779]
Caputo, Maria Luisa
Il canto del nomade / Maria Luisa Caputo ; prefazione di Gianfranco Cotronei ; introduzione di Cristiana Pirola
Roma : Totem, [2003]
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\UBO\3101400]
Ceccarossi, Maria
Azzurre ombre : poesie / Maria Ceccarossi
Roma : Editrice Totem, 1989
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RLZ\0166572]
Chirico, Mario
Pettinengo e dintorni : memorie / Mario Chirico ; prefazione di Vito Caporaso
Roma : Totem, [ 2005]
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\BIA\0016339]
Ciauri, Alessandra
Miopia, addio : occhiali, lenti a contatto: un lontano ricordo / Alessandra Ciauri ; con la collaborazione scientifica di Massimo Gualdi
Roma : Totem, [1991]
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\CFI\0224262]
Cotronei, Gianfranco
Premi letterari d’Italia / Gianfranco Cotronei
Roma : Totem, stampa 1989
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\VIA\0037219]
Del Noce, Mario
Napoli… …Ti racconto cosi… / Mario Del Noce ; prefazione di Mimmo Liguoro
Roma : Editrice Totem, c1993
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RMS\0155427]
Del Noce, Mario
Un cuore…..una citta….. : racconto autobiografico / Mario Del Noce ; prefazione di Francesco Pisciotta
Roma : Editrice Totem, c1993
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RMS\0149570]
Del Noce, Mario
Un cuore … una citta … : racconto autobiografico / Mario Del Noce ; prefazione di Franceasco Pisciotta
Roma : Totem, c1993
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RLZ\0175407]
Del Noce, Mario
Un cuore.. una citta.. : racconto autobiografico / Mario Del Noce ; prefazione di Francesco Pisciotta
Roma : Totem, c1993
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RMS\0161244]
Di Domenico, Renato
Tutte le poesie / Renato Di Domenico ; prefazione di Teodoro Cutolo ; introduzione critica di Maria Pia Miscio
Roma : Totem, [1991]
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\BVE\0044827]
Di Domenico, Renato
Tutte le poesie / Renato Di Domenico ; prefazione di Teodoro Cutolo ; introduzione critica di Maria Pia Miscio
Roma : Totem, stampa 1991
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RLZ\0004453]
Di Domenico, Renato
Li canti de Roma mia / Renato Di Domenico
Roma : Totem, stampa 1987
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RMR\0019122]
Di Marco, Quintino
Favole verdi e di altri colori / Quintino Di Marco ; prefazione di Gianfranco Cotronei
Roma : Totem, \1993!
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\CFI\0268602]
Di Zio, Massimo
L’ onorevole Sparacani : il femminismo al potere / Massimo Di Zio
Roma : Totem, 1986
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\TSA\0739650]
Ferraro, Alessandro
La straniera nel cortile : poesie / Alessandro Ferraro
Roma : Totem, 1994
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\BVE\0467214]
Fontana, Dante
Storia delle nazionalizzazioni / Prof. Dante Fontana
Roma : Totem, stampa 1985
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RML\0033335]
Gammarota, Raffaele
Miraggi : poesie / Raffaele Gammarota ; prefazione di Lucio Anzalone
Roma : Totem, \1991!
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\BVE\0007208]
Garbellini, Sergio
La mia morte / Sergio Garbellini
Roma : Totem, 1988
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RMS\1973319]
Gatti, Umberto
Appunti di mare e di cucina : diario di bordo / Umberto Gatti ; prefazione di Ilaria Giovinazzo ; introduzione di Monica Vagnucci
[Lavinio Lido] : Totem, [2006]
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\CFI\0692771]
Gemma, Caterina
Ti mandero’ una lettera rosa : Romanzo / Caterina Gemma, Quintino di Marco
Roma : Totem, 1991
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RLZ\0215616]
Gemma, Caterina
Ti mandero’ una lettera rosa : romanzo / Caterina Gemma, Quintino Di Marco
Roma : Totem, \1991!
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\BVE\0007084]
Gemma, Caterina
Ti mandero una lettera rosa / C. Gemma
Roma : Ed.Totem, 1991
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RLZ\0192647]
Gemma, Caterina
Ti mandero’ una lettera rosa / Caterina Gemma,Quintino Di Marco
Roma : Editrice Totem, 1991
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RLZ\0001848]
Gemma, Caterina
Ti mandero una lettera rosa / C. Gemma ; Q. Di Marco
Roma : Totem, 1991
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RLZ\0191891]
Giudicissi Angelini, Marina
Verso la luce : le mie esperienze fuori dal corpo / Marina Giudicissi Angelini ; prefazione di Fausto Carotenuto
Lavinio, [Anzio] : Totem, [2004]
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\CFI\0613509]
Giudicissi Angelini, Marina
Frammenti di vita : poesie / Marina Giudicissi Angelini ; prefazione di Gianfranco Cotronei
Roma : Totem, [2002]
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\TO0\1298357]
Greci, Massimo
Mercanti del tempio / Massimo Greci
Roma : Totem Editore, 1986
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RMS\1766555]
Guacci, Angelo
Odio le donne / Angelo M. Guacci (Agu)
Roma : Totem, stampa 1988
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RAV\1224024]
Immordino, Concetta
Scampoli di un anno : saggio / Concetta Immordino
Roma : Totem, [1992]
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\CFI\0652202]
Levantesi, Pietro
E i birilli stanno a guardare : romanzo / Pietro Levantesi
Roma : Totem, \1991!
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\BVE\0007050]
Levantesi, Pietro
E i birilli stanno a guardare / Pietro Levantesi
Roma : Editrice Totem, 1991
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RLZ\0001847]
Lorenzini, Mauro
Il succubo : romanzo / Mauro Lorenzini
Roma : Totem, stampa 1986
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RLZ\0269537]
Lucci Cotronei, Maria Teresa
Il Fucino : un lago scomparso : saggio / Maria Teresa Lucci Cotronei
Roma : Totem, 1992
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\CFI\0652138]
Lucci, Maria Teresa
Il paesaggio dell’anima : memorie autobiografiche / Maria Teresa Lucci ; Prefazione di Pietro Smarrelli
Roma : Totem Editrice, 1993
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RLZ\0054260]
Lucci, Maria Teresa
Il paesaggio dell’anima : memorie autobiografiche / Maria Tersa Lucci ; prefazione di Pietro Smarelli
Roma : Totem, c1994
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RLZ\0175406]
Lucci, Maria Teresa
Il paesaggio dell’anima : memorie autobiografiche / Maria Teresa Lucci ; prefazione di Pietro Smarrelli
Roma : Totem, c1994
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RML\0065439]
Lucci, Maria Teresa
Ignazio Silone : saggio / Maria Teresa Lucci
Roma : Totem, c1993, stampa 1994
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\CFI\0685846]
Maniccia, Maurizio
I tre volti di un destino / Maurizio Maniccia
Roma : Editrice Totem, stampa 1990
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RMS\0155879]
Maniccia, Maurizio
I tre volti di un destino / Maurizio Maniccia ; prefazione di Elisabetta Resinosi
Roma : Totem, stampa 1990
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RLZ\0004429]
Mariotti, Valeria
Soffio di vento : poesie / Valeria Mariotti ; prefazione di Nicola Bietolini
Roma : Totem, c2002
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\TO0\1296508]
Martucci, Donato
Schegge di storia / Donato Martucci
Roma : Totem, stampa 1988
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RMR\0047248]
Mazzon, Giulio
Dalla prima repubblica: niente di nuovo / Giulio Mazzon
\Roma! : Totem, stampa 1995
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\VIA\0064636]
Miraglia, Pino
Luci per illuminarti : poesie / Pino Miraglia Mallory – Mellori
Roma : Totem, \1992!
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\CFI\0509029]
Nicolodi, Silvio
La mia vita per la pittura : biografia / Silvio Nicolodi ; prefazione di Gianfranco Cotronei
Roma : Totem, c2002 (stampa 2003)
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\CFI\0639321]
Paone, Uccia
Come ti tratto… l’alfabeto / Uccia Paone ; prefazione di Aurelio Rizzuti
Roma : Totem, stampa 1987
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RLZ\0264935]
Patacca, Antonella
Dai giardini dell’Eden alle grotte di Lascaux : il percorso dialettico e creativo di Flavio Nicolo Sale nelle analisi critiche discusse in occasione della presentazione del libro I giardini di Lascaux tenutasi presso l’Aula Magna dell’Istituto Santa Maria di Roma, il 14 ottobre 2006 / Antonella Patacca
Lavinio Lido, [Anzio] : Totem, c2007, stampa 2006
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\CFI\0710954]
Pellegrini Ferri, Miriam
Ma solo …… con tanto amore| : romanzo / Miriam Pellegrini Ferri
Roma : Totem, stampa 1988
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\IEI\0192599]
Pennacchi, Gino
Dall’Etiopia in poi : romanzo / Gino Pennacchi
Roma : Totem, c1992
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RMS\0132584]
Procaccini, Paolo
Er patto-stucco : poesie in un dialetto di Roma / Paolo Procaccini
\Roma! : Totem, 1994
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RML\0067739]
Romano, Raffaele
Giacomo Matteotti : saggio / Raffaele Romano ; prefazione di Vincenzo Balzamo
Atripalda : Totem, stampa 1992
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RML\0163473]
Sale, Flavio Nicolo
I giardini di Lascaux : la scomparsa irreversibile dell’homo sapiens sapiens / Flavio Nicolo Sale ; prefazione di Gianfranco Cotronei
Roma : Editrice Totem, [2006]
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\TO0\1664808]
Sale, Flavio Nicolo
I giardini di Lascaux : la scomparsa irreversibile dell’homo sapiens sapiens / Flavio Nicolo Sale ; prefazione di Gianfranco Cotronei
Roma : Totem, [2007!
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\TO0\1635092]
Savatteri Mangione, Lina
La vita i patos e lirismo / Lina Mangione
Roma : Editrice Totem, 1991
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RLZ\0193886]
Savatteri Mangione, Lina
Vita e pathos, e lirismo| : romanzo / Lina Mangione Savatteri
Roma : Totem, [1991]
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\BVE\0034003]
Savatteri Mangione, Lina
La vita e pathos e lirismo / L. Mangione Savatteri
Roma : Editrice Totem, 1991
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RLZ\0191889]
Spoletini, Guglielmo
La ballata di un campione / Guglielmo Spoletini ; prefazione di Bruno Trentin
Roma : Totem, 1985
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\IEI\0195685]
Spoletini, Guglielmo
La ballata di un campione / Guglielmo Spoletini ; pref. di Bruno Trentin
Roma : Totem, stampa 1985
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RLZ\0200092]
Storti, Eriberto
Nelle quadrate lune del destino
Roma : Totem , 1988
Collana Canti 5
ITALIA
IT\ICCU\RMS\1928475
Trenta, Rosaria
Escerti di vita : poesie / Rosaria Trenta ; prefazione di Augusto Giordano
Roma : Totem, c1992
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\BRI\0023845]
Varvo, Melina
Germogli / Melina Varvo ; prefazione di F.Romagnolo
Roma : Editrce Totem, 1990
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RLZ\0001845]
Venuti, Mario
Aerodinamica oggi : sue applicazioni nell’aviazione commerciale / Mario Venuti ; a cura dell’APPL, Associazione professionale piloti di linea
Roma : Totem, stampa 1988
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RMS\1095845]
Venuti, Mario
Aerodinamica oggi : sue applicazioni nell’aviazione commerciale / Mario Venuti
Roma : Totem, stampa 1992
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\CFI\0247964]
Zanni, Carlo Luigi
L’ ombrello verde : romanzo / Carlo Luigi Zanni ; prefazione di Gianfranco Cotronei
Roma : Totem, [1993]
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\CFI\0279956]
Zanni, Carlo Luigi
L’ ombrello verde : romanzo / Carlo Luigi Zanni ; prefazione di Gianfranco Cotronei
Roma : Editrice Totem, c 1993
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\RLZ\0174744]
Zappulla, Carlo Francesco
Un uomo qualsiasi / Carlo Francesco Zappulla ; prefazione di Adriana Lioi
[Roma] : Totem, stampa 2005
Monografia – Testo a stampa [IT\ICCU\CFI\0712130]
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lunedì, 28 luglio 2008
Iniziazione alla nuova Era
Marina Giudicissi Angelini
Iniziazione
alla nuova Era
saggio
Editrice Totem
L’Autrice è una spiritualista che coltiva da
anni le scienze esoteriche.
Appassionata di fi losofi e orientali ha
approfondito l’antroposofi a di Rudolf Steiner.
In questo saggio, evidenzia e propone un
percorso realizzativo tipico del discepolato
nello spirito.
L’Autrice si occupa altresì di astrologia
privilegiandone l’aspetto karmico e la poesia
per la quale ha vinto numerosi premi con
il libro Frammenti di vita Editrice Totem
– Roma – 2002.
Ha scritto anche il libro Verso la luce
Le mie esperienze fuori dal corpo Editrice
Totem – 2004 vincitore 2004 del 1° premio
al concorso nazionale Franz Antonio Mesmer
sui fenomeni paranormali.
ISBN 978-88-902894-0-8
6183-207681
euro 15,00
postato da: laureato alle ore 28/07/2008 07:50 | Permalink |
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sabato, 26 luglio 2008
Francesco Buscemi
Francesco Buscemi
Metafisica della malattia mentale (schizofrenia)
Editrice Totem – Roma – 2005.
postato da: laureato alle ore 26/07/2008 10:46 | Permalink |
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sabato, 26 luglio 2008
Marina Giudicissi Angelini
Marina Giudicissi Angelini
Iniziazione
alla nuova era
saggio
Prefazione di Gianfranco Cotronei
- 28 COLLANA IMPORTANT
Editrice Totem
L’Autrice è una spiritualista
che coltiva da anni le scienze esoteriche.
Appassionata di filosofie orientali
ha approfondito
l’antroposofia di Rudolf Steiner.
In questo saggio, evidenzia e propone
un percorso realizzativo
tipico del discepolato nello spirito.
L’Autrice si occupa altresì
di astrologia
privilegiandone l’aspetto karmico
e la poesia
per la quale ha vinto numerosi premi
con il libro Frammenti di vita
Editrice Totem – Roma – 2002.
Ha scritto anche il libro
Verso la luce
Le mie esperienze fuori dal corpo
Editrice Totem – 2004
vincitore 2004 del 1° premio
al concorso nazionale
Franz Antonio Mesmer
sui fenomeni paranormali.
ISBN 978-88-902894-0-8
6183-207681
euro 15
postato da: laureato alle ore 26/07/2008 10:33 | Permalink |
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martedì, 15 luglio 2008
LIDO DI LAVINIO
LIDO DI LAVINIO
Dante Serra
Lavinio, impressioni di narratori, poeti, pittori
1954
Il trenino Anzio – Nettuno passa per piccole stazioni festeggianti che hanno nomi agresti: Campo leone, Campo di carne. L’erba cresce sui binari e nei campi c’è un brusio di spighe.
Lido di Lavinio; viottoli selvaggi con case bianche e gialle che la porcellana di mare grigia verde recinge, con un odore di salso nell’aria.
Dalla stazioncina rustica il mare è solo una striscia lontana.
Ma la strada si snoda lunga con vecchie piante di sughero ombrose e giovanissimi pini e va incontro al mare tra voli di tortore, uno sbalordire d’uccelli, un fioccare di petali. Tutti i giardini delle case sono fioriti e hanno alberi di pesco, di eucalyptus, hanno orti profumati di piselli e d’erba menta, di fragole.
Prati e case, case e prati, come un dolcissimo Eden che ha per sfondo il mare; agnelli dai caldi occhi stanno nei prati a giocare con fiori senza nome e farfalle.
Ecco il mare: dalla piazzetta chiara di Lavinio le campane della chiesa di San Francesco tutta bianca suonano sul mare e raccontano leggende, favole antiche del bel tempo di Enea e di sua moglie Lavinia.
Viene dal mare odor d’alghe e di conchiglie. E’ lieve questo mare, è azzurro e rosa nell’alito cocente dell’estate, con la sabbia calda: sul lido sciamano le ragazze e i fanciulli. Lavinio: così vicino alla grande città, alle sconfinate spiagge del litorale che vanno da Fiumicino, Ostia, Anzio, ma così diverso, così immenso e così raccolto, verde di rovi, così selvaggio e nuovo, così antico ma da scoprirsi ancora.
Perfino le sue case si nascondono coi tetti d’ardesia, col verde di Vietri delle mattonelle, con le anfore, coi pozzi per l’acqua, coi glicini e l’edera sui cancelletti.
Il silenzio ha il rumore del mare: quando un passero vola incrina l’aria e il silenzio e i fiori di campo sono umili: fiordalisi, camomilla, ranuncoli. Il verde precipita tra le agavi fin sul mare e il di Lavinio ha rifletti di eucalyptus, di bacche, di more campestri.
Chissà per quale mistero l’uomo non ha osato mutare anche qui la natura come altrove e s’è incantato, s’è fermato in questa oasi di sole verde e mare?
IL TURISMO NEL LAZIO
Non sembri un paradosso, ma nel Lazio il turismo ed i turisti esistevano già prima dello stesso turismo e dei turisti. Cioè esistevano in tempi remotissimi, assai prima che il fenomeno viaggi e viaggiatori venissero definiti con quel nome.
Già subito dopo la sua fondazione, Roma cominciò ad essere una calamita irresistibile che attirava visitatori dalle zone limitrofe, dalle regioni circostanti, e la sua sfera di attrazione andò sempre allargandosi quanto più si ampliavano le sue conquiste territoriali, quanto più aumentava il mondo conosciuto, quanto più si irradiava verso terre ancor più lontane e barbare la potenza della sua civiltà e la forza delle sue armi.
Il Lazio è sempre stato per la sua posizione geografica, per la stessa natura del suolo, per l’abilità dei suoi abitanti che seppero costruirvi meravigliose strade, il passaggio obbligato fra il nord ed li sud.
Per essere stato il centro dell’Impero romano prima e la sede della Cristianità poi, che si espanse trionfante per tutto l’universo, il Lazio fu sempre percorso da milioni di persone che andavano a Roma o ne ritornavano.
Non tutti i viaggiatori si spostavano per motivi di affari, perché costretti a recarsi a Roma dai loro commerci, dalle loro attività o dai loro interessi. Anche allora, e sono passati 2000 anni, molti erano attratti dalle bellezze artistiche, dagli spettacoli che vi si davano o dalle risorse naturali che già in quel tempo molte località del Lazio offrivano.
Non si trattava del solo turismo proveniente dall’esterno, ma anche di un turismo interno, come testimoniano le ricche ville che il patriziato andò via costruendo sui colli Albani, verso Tivoli, sul Litorale Tirrenico da Civitavecchia, la Centumcellae prediletta da Traiano, Ostia, Anzio, patria di Nerone e di Caligola, al Circeo, luogo di delizie dei raffinati dell’impero, sino ai confini con le spiagge campane.
Frantumato l’Impero, a Roma si accese la fiaccola vivida, che andò rapidamente trasformandosi in un faro abbacinante, della sede del Vicario di Cristo ed il Santo Padre fece affluire alla Città Eterna turbe di fedeli, detti romei prima, pellegrini dopo, turisti religiosi oggi.
Con il primo Giubileo del 1300 Bonifacio VIII attirò la prima massa, più o meno organizzata di oltre 300.000 pellegrini, e Dante, secondo la leggenda, dalle finestre dell’Albergo dell’Orso, rimase così colpito da quel tumultuoso affollarsi lungo lo stretto ponte S. Angelo, da portarlo come similitudine nell’infernale bolgia dell’ottavo cerchio.
Nel Medioevo nuovi centri come Viterbo ed Anagni splendono di luce propria impreziosendosi di costruzioni, sulle molte alture dell’ondulatissima regione laziale fioriscono castelli e la fede religiosa alimenta la nascita a Greccio, Subiaco, Cassino, Casamari, di mistici, preziosi monasteri e chiese, formando così attrattive per il turismo di oggi.
Per tutto il Rinascimento Roma ed il Lazio devono sostenere il confronto con Firenze e la Toscana. Ma l’attrazione che Roma esercita sugli artisti, la potenza spirituale e finanziaria dei papi ed anche la certezza che chi lavora a Roma pone la sua candidatura all’eternità, fanno sì che prima o poi tutti i grandi vi affluiscano e qui creino le cose migliori. Da Michelangelo a Raffaello, da Bramante a Peruzzi. Roma diventa sempre più bella, sempre più città d’arte che attira chiunque voglia godere dei frutti del genio italiano, creatore di capolavori artistici.
Per tutto il Lazio sorgono ville, castelli dalle ammirevoli architetture: a Caprarola, a Bomarzo, a Bolsena, a Bracciano e Tivoli ed in ognuno dei Castelli che fanno corona a Roma.
Nel seicento con il trionfo del barocco, Bernini e Borromini seminano a piene mani i capolavori della loro fertile fantasia e la Roma papale diventa sempre più una fulgida gemma ed al fascino mistico del Pontefice unisce il fasto e la pompa terrena che ne fanno la corte più ricercata; anche se in Europa sorgono e si accrescono altri imperi ed altre città prendono lustro e comincia la prima concorrenza turistica “ante litteram”.
Con il settecento cominciano a circolare per le strade le prime grandi carrozze per i lunghi viaggi non sempre agevoli. Sorge il turismo con intenti moderni. I gentiluomini e le persone di cultura sentono la necessità di andare dove sono bellezze artistiche e naturali, nascono i primi alberghi degni di questo nome. E a Roma l’afflusso di visitatori è continuo. Un cortigiano, un uomo di mondo, un artista, non si riteneva completo se non avesse veduto o non si fosse ispirato alle bellezze di ogni epoca che solo Roma offre.
Nasce il Romanticismo; le classiche architetture non dominano più incontrastate il paesaggio e la natura prende il sopravvento. Le imponenti diligenze di posta percorrono le strade del Lazio dove fra monti e boschi, tra caratteristici abitati ed abbandonate rovine, lo spirito, secondo la moda dell’epoca, si nutre di sensazioni nuove.
Goethe, Chateaubriand, Stendhal e tanti altri scrittori e poeti corrono a Roma e i loro diari, le loro impressioni, i loro scritti alimentano con costante progressione l’afflusso turistico. A decine dalla Germania, dalla Francia, dall’Inghilterra, pittori e scultori aprono a Roma i loro studi o si stabiliscono nei caratteristici paesi laziali: ad Anticoli, Saracinesca, Olevano, ed i loro dipinti sono tanti inviti che si diffondono per il mondo a richiamano visitatori, che cominciano timidamente ad essere chiamati turisti.
Ed oggi, di anno in anno, le curve delle statistiche che registrano l’afflusso delle correnti turistiche a Roma continuano a salire. L’aeroporto di Ciampino è ormai insufficiente a contenere l’enorme traffico aereo; la stazione Termini, la più perfetta d’Europa, risuona degli idiomi di tutto il mondo e le strade consolari sono congestionate per le ininterrotte teorie di autoveicoli.
Ma nonostante questo aspetto favorevole, il turismo verso il Lazio è incompleto, poiché se è altissimo nei mesi della piena stagione, si assottiglia molto nei mesi della bassa stagione. Inoltre è polarizzato quasi interamente su Roma, con escursioni verso pochissime località nei suoi immediati dintorni.
La febbre turistica ha preso ormai tutti; ma se aumenta il numero dei turisti, aumenta anche, in maggiore misura, in tutti i paesi, la gara per attirare quei turisti che si vanno facendo sempre più esigenti, offrendo loro quei conforti che l’uomo crea per sopperire agli insufficienti richiami naturali od artistici. E’ necessaria la continua propaganda degli organi turistici e il concorso di tutti coloro che nel turismo operano o che dal turismo traggono vita, per potenziare e tenere sempre ad alto livello le attrezzature ricettive e l’interesse per quelle località già ricche di richiami paesistici od artistici.
Il Lazio che D’Annunzio ha definito come “la più tipica e meditabonda bellezza terrestre che sia sotto il sole” è ricco quanto poche altre regioni di attrattive turistiche, non sempre sufficientemente valorizzate per la scarsezza di impianti ricettivi o perché poco note.
La ricchezza dei tesori d’arte legati ad altre civiltà, quali le testimonianze etrusche di Cerveteri e Tarquinia e quelle romane sparse ovunque con esempi mirabili, come il Tempio della Fortuna Primigenia a Palestrina, gli imponenti resti di Ostia e di Villa Adriana a Tivoli. Ugualmente è avvenuto per ogni altro ciclo artistico, che, irradiandosi da Roma, ha lasciato le sue impronte nelle città e nei paesi delle province laziali.
La natura geologica della regione è tanto varia che offre piacevoli soggiorni per tutte le esigenze e per ogni periodo dell’anno. I suoi monti permettono gradevoli soste estive e sono accoglienti centri di sport invernali quali il Terminillo e Campo Catino. Le stazioni termali sono numerose per la natura vulcanica del suolo: dalla notissima Fiuggi alle Acque Albule di Tivoli, dalle Fonti di Lucullo di Sabaudia alle Terme di Cotigliano, da Vicarello a Stigliano. Il soggiorno in collina è quanto mai confortevole nei centri del viterbese, del frusinate; della Sabina, della Ciociaria e dei Colli Albani.
Notevole interesse vanno suscitando, particolarmente presso i turisti stranieri, le stazioni balneari del Lazio, favorite dagli ampi arenili e sovente con alle spalle salubri pinete. Le già affermate spiagge di S. Marinella, Ladispoli, Fregene, Ostia, Anzio, Nettuno, S. Felice Circeo, Sperlonga, Gaeta, Scauri, nei mesi di punta sono sovraffollate ed il sorgere di nuovi centri non può non essere visto che con simpatia.
Come per il Lido di Lavinio, che sorge in una località che la leggenda ha legato all’origine di Roma e prende il nome dalla mitica sposa di Enea, ultimo centro nato sulla costa laziale. E’ in costante sviluppo per l’incantevole posizione facilmente raggiungibile da Roma con la via Anziate e con la litoranea che parte da Ostia. Il bell’arenile riparato alle spalle dalla costa che scende a picco, con le oasi d’ombra dei suoi boschetti di pini e di lecci, è un’attrattiva che si aggiunge alle molte della regione.
Possiamo sintetizzare il fascino nel dannunziano verso dell’ “Alcione”: “Forza del Lazio quanto sei soave”.
Raffaele Travaglino di S. Rita
Presidente dell’E.P.T. di Roma
ORIGINI DEL LIDO DI LAVINIO
Il “Lido di Lavinio” la ridente spiaggia del Lazio che si estende a ponente di Anzio, tra Tor Caldara e il Fosso dello Schiavo, ha avuto origini recenti. Fu nei primi mesi dell’anno 1945 che il Comm. Galileo Scavezzi offrì in vendita la zona di Tor Caldara al Col. Renato Coppeta ed al Comm. Mario Carletti, che in precedenza avevano lottizzato in quei pressi, alla “Campana” altri terreni. Lo Scavezzi – persona ricca di iniziative – aveva in mente di costituire una Borgata Agricola e a tal fine aveva iniziato trattative con la Società “Bonifiche Nettunensi” proprietaria dei terreni di Tor Caldara.
L’accesso alla località era quanto mai arduo e pericoloso perché si trattava di attraversare un territorio che era stato campo di battaglia tra Americani e Tedeschi: proiettili inesplosi di ogni calibro erano disseminati ovunque ed il caratteristico disordine delle zone devastate dalla guerra dava un’impressione di tristezza e consigliava di procedere, specie nella zona del “Forteto”, cioè a mare, con molta prudenza onde evitare disgrazie.
Tuttavia la bellezza del paesaggio, la dolcezza del litorale, colpirono immediatamente i visitatori, i quali, però non si trovarono d’accordo sulla destinazione da dare alla zona. Si doveva procedere ad una lottizzazione agricola o costituire una Borgata Balneare? Si adottò una via intermedia; verso il mare si sarebbe effettuata una vendita a piccoli lotti (da 2.000 mq), a monte della Litoranea, invece, si sarebbero fatti dei lotti agricoli con superficie non inferiore ad un ettaro.
Per facilitare la vendita il 12-4-1945 a rogito del notaio Ugo Marocchi fu costituita la Cooperativa Agricola Tor Caldara della quale il Coppeta assunse la Presidenza ed il Comm. Carletti la Vicepresidenza. Le vendite all’inizio incontrarono parecchie difficoltà, non vi era alcun mezzo per accedere alla zona all’infuori dell’automobile, ed anche questo (ricordarsi che durava ancora la guerra!) non si poteva adoperare nei giorni festivi; molte delle persone che si riusciva a portare sul posto, si spaventavano nel vedere la quantità enorme di ordigni esplosivi abbandonati. Fu superata la prima difficoltà – quella dei mezzi di trasporto – noleggiando delle camionette che facevano servizio pubblico a Roma, e con queste, tutte le domeniche sia d’Inverno che d’Estate si partiva da Piazza S. Maria Maggiore per Tor Caldara.
Il viaggio, date le condizioni pessime della Via Appia e della Nettunense, durava oltre 2 ore! In seguito si provvide a bonificare la zona dagli ordigni esplosivi, affidando l’incarico a personale specializzato: operazione indispensabile per la incolumità dei lottisti.
I primi acquirenti furono naturalmente, i soci fondatori della Cooperativa, Coppeta, Carletti, Fanelli, Giuliani, Brilli, Clavelli, ed altri come i fratelli Bravi, Rascioni, Salvatori, Lojoli, Giacchetti ecc. Quest’ultimo va ricordato come uno dei più benemeriti perché con la sua audacia offrì la possibilità di risolvere brillantemente una delle maggiori difficoltà del momento. La zona infatti era inospitale e nelle immediate vicinanze non vi era alcuna possibilità di rifornirsi di acqua. Il Giacchetti si costruì una baracca nel “Forteto” ed andò ad abitarvi con la propria famiglia; quando le domeniche arrivavano le comitive, egli preparava succulenti piatti di spaghetti alle vongole e del pesce fritto, che, dati i tempi e le circostanze, erano quanto mai gustosi e graditi!
Le vendite presero un ritmo accelerato; ai primi acquirenti se ne aggiunsero altri; il Dott. Luigi Contini, Cinelli, Belloni e tanti altri di cui ormai sfugge il nome ma che contribuirono validamente allo sviluppo della zona.
Ormai il terreno destinato a Borgata Balneare non era più sufficiente a soddisfare le richieste dei piccoli lotti e così fu iniziata la lottizzazione anche di quelli a monte della Litoranea che erano destinati a zona agricola.
Ormai la Cooperativa Tor Caldara di fatto era divenuta edilizia e si affacciava la necessità di creare un retroterra agricolo per approvvigionare la massa di gente che si sarebbe recata a soggiornare al “Lido di Lavinio”; cosi fu costituita la Cooperativa Agricola “Terra Nostra” che lottizzò i terreni lungo il Viale di Valle Schioia. I primi acquirenti furono un gruppo di agricoltori leccesi: Meleleo, Betrugno, Colì, Schinzari, Campa ecc. Infine è doveroso ricordare una cara figura scomparsa: il Comm. Umberto Brilli che si adoperò per fare ottenere dalle Ferrovie dello Stato la Stazione “Lido di Lavinio” ed il servizio automobilistico Roma – Lavinio – Anzio. Ed infine un affettuoso e riconoscente saluto a tutti coloro che hanno collaborato per la buona riuscita della iniziativa e che avvertono l’orgoglio di una bella opera compiuta, anche se questa volta, ciò ha causato preoccupazioni e le… solite amarezze.
Renato Coppeta
Mario Carletti
postato da: laureato alle ore 15/07/2008 10:42 | Permalink |
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sabato, 12 luglio 2008
lavinio lido
LAVINIO
Dante Serra
Lavinio, impressioni di narratori, poeti, pittori
1954
A chi esamini la storia e le vicissitudini di Lavinio, subito dopo le vicende belliche dell’ultima guerra, sembrerà assai strano come questa località sia oggi, dopo appena un decennio del suo risorgente cammino, un centro balneare ambito per le sue inconfondibili caratteristiche.
Circondato dal suo azzurrissimo mare che vi apre un’ampia insenatura, Lavinio, probabilmente doveva essere al tempo aureo dell’Impero, sede di opulente ville patrizie consone al carattere e alla ricchezza di Roma.
Poi la ridente spiaggia decadde nel periodo medioevale in uno squallido abbandono, dove orde di pirati scendevano per saccheggiare. E troppo lungo sarebbe seguirne le varie fasi, forse con ripresa di momentaneo splendore, nei secoli che si susseguirono. Ma per la nostra epoca quello che resta è il quadro recente post-bellico.
Posta in prossimità dell’Urbe, di questa cittadina, ormai sepolta nell’oblio del tempo, nessuna traccia era rimasta che potesse in qualche modo testimoniare la sua fama d’una volta.
Una landa sterminata e paludosa, ove regnava indisturbata la malaria, erano i segni di rovina e di morte che si avvertivano in quel regno di tragica solitudine.
Tale era lo stato di desolante abbandono e di incubo pauroso in cui si trovava Lavinio una decina di anni or sono. E su questo tragico abbandono, lasciando tracce di sangue e di ferro, passò la marcia degli Alleati che da Anzio puntavano verso Roma.
Oggi, invece, il suo volto è prodigiosamente mutato, miracolo dell’uomo che ha saputo nel breve volgere di tempo creare una spiaggia che, per la sua caratteristica bellezza naturale, ha un’impronta di rara eleganza e una nota di distinzione.
Disseminata di ville, veri gioielli dell’architettura moderna, sia che esse costeggino il mare, oppure sorgano a distanza tra i pini secolari, e quest’ultimi costituiscono una singolare attrattiva, la mitica spiaggia ha compiuto passi da gigante da sbalordire anche i più scettici. Si può dire che questa ridente e graziosa cittadina, nonostante la sua giovane età, sia un centro balneare attrezzato convenientemente sia dal punto di vista della ricezione alberghiera (a Lavinio infatti non si contano gli alberghi, le pensioni, i ristoranti) sia anche dal punto di vista logistico.
Il villeggiante o il turista in genere trova, dunque, in questa giovane e riposante spiaggia, semplice e aristocratica nel contempo, durante il soggiorno, lungo o breve che sia, quelle comodità e quei conforti moderni indispensabili.
Alberghi, parchi, luoghi di ricreazione e di svago situati in posizioni panoramiche invidiabili, ville dalle linee agili e snelle e dai colori vivaci, viali fiancheggiati di pini e di tigli si fondono mirabilmente realizzando un quadro oltremodo suggestivo che incatena l’occhio e l’animo di chi osserva.
Possiamo affermare che Lavinio esercita -miracolo del luogo in cui sorge – in qualunque stagione, un fascino irresistibile a cui nessuno o ben pochi riescono a sottrarsi. Una volta avuto contatto con questa cittadina, evocatrice di miti e di leggende che si perdono nel corso dei tempi, ci si innamora subitamente, misteriosamente. La passione serpeggia ed esplode improvvisa nel sangue e nella carne come per virtù di un profumo magico che si aspiri con voluttà.
Qual è, dunque, il segreto di questo magico potere che emana in ogni stagione, in ogni ora, sempre, da Lavinio? Esso certamente sta racchiuso nel suo mare, ora azzurro o verde, tal altra violaceo o grigio, sta nell’aria mite e profumata, sta nella magnificenza del panorama, sta nella formazione della spiaggia dolcemente sinuosa, nella fastosità e nella varietà dei colori che si sprigionano dal cielo a dalla campagna, sta nelle cose e in tutto ciò che palpita e vive.
Lavinio, piccola perla incastonata nel Tirreno, oggi come ieri, si forma e si trasforma per virtù della sua gente e, soprattutto per l’impulso che le deriva dal suo passato di leggenda.
Indubbiamente altro cammino resta da percorrere, altre tappe da raggiungere giacché qualche deficienza e qualche lacuna affiorano qua e là ancora. Ma noi sappiamo che Lavinio, data la sua giovane età, è in fase di assestamento e di sviluppo e siamo certi che questa cittadina, grazie soprattutto alle risorse naturali, un giorno non lontano rivestirà un ruolo di primaria importanza tra le stazioni balneari più elette.
Una pubblicazione illustrante nei suoi vari e molteplici aspetti le caratteristiche più interessanti della zona di Lavinio, finora mancava. Questa lacuna viene oggi colmata per iniziativa della E.R.S. (nuova impresa editoriale, ma già nota per la serietà dell’impegno col quale si è affiancata alle maggiori organizzazioni italiane in questo campo), con un’opera che si può definire antologica, e non solo antologica; anzi, veramente difficile da definire; ma comunque per i suoi pregi ha certo un preciso valore di documentazione e di testimonianza.
In quest’opera, che è anche e soprattutto un atto di fede da parte degli autori e di tutti coloro che in qualunque forma vi hanno, poco o molto, collaborato – atto di fede nei destini di Lavinio – il racconto si fonde con la poesia, l’articolo di colore e di informazione con la nota storica ed artistica. Così come si fondono il mito, la leggenda, il fato stesso della terra lavinate. Lo stesso recente progresso di questa località è una vera e propria resurrezione nei confronti della lontanissima e favolosa origine, ma è anche, riguardo alla nostra epoca, l’affermarsi di una città, di una spiaggia alla moda, di una splendida zona residenziale sorta ex-novo da una terra già brulla e malarica per l’iniziativa, l’intelligenza e la tecnica di pochi autentici… pionieri.
Da un punto di vista economico, a differenza di tante altre spiagge più note finora, vicine e lontane, ferme su posizioni statiche di attrezzatura turistico-alberghiera, non possiamo non ammirare lo sforzo di miglioramenti organizzativi e tecnici, compiuto in pochi anni da Lavinio ed il suo costante, continuo progresso.
Per concludere: questa pubblicazione, alla quale non mancherà, dato il suo carattere vario e interessante, uno schietto successo di pubblico, se non di critica, offrirà un quadro ampio e suggestivo di Lavinio e servirà a sfatare qualche leggenda creata, spesso con evidente malanimo, intorno alla mitica località, allo scopo di arrestare la sua marcia ascensionale.
Breve storia di Lavinio – 1954
Senza tema di smentita si può affermare che Lavinio fu nota dopo l’ultima guerra. La zona, già di proprietà della Principessa Elena Borghese Dusmet, prima dello scoppio delle ostilità era meta ambita di cacciatori, essendo coperta da un manto fitto di boscaglia e ricca di selvaggina. Poi fu teatro di operazioni belliche scelta dagli angloamericani per lo sbarco, infatti per vari mesi ivi rimasero attestate le truppe alleate, ed infine, tornata la pace, la località fu sottoposta a sminamento, lottizzata, vennero tracciate alla meglio delle strade, abbattute piante (forse anche troppe!) e reso così possibile l’accesso agli acquirenti.
L’aspetto di Lavinio nel 1946 era quanto mai interessante: verso Anzio sulla destra della via Laurentina o Severiana, nel tratto compreso tra la strada ed il mare all’altezza dell’attuale Lido dei Gigli erano visibilissime decine di “carbonaie”, cioè ammassi di legna sistemata a guisa di capanna che si andavano lentamente bruciando dall’interno, e ciascun mucchio col suo pennacchio di fumo sembrava un piccolo vulcano.
Lavinio e la sua spiaggia offrivano uno spettacolo indimenticabile: ovunque cataste di legna ricavata dall’abbattimento degli alberi, a terra sparsi elmetti di guerra, specialmente inglesi (ciò induce a ritenere che la località dovette essere presieduta da truppe britanniche), in mezzo all’attuale Piazza Lavinia rotoli di filo spinato ed un po’ dappertutto rottami, scatole di latta destinate in origine a contenere munizioni, e poi proiettili di fucili affioravano sul terreno. Sulla piccola scogliera antistante l’attuale albergo “Belvedere” faceva bella mostra il rudere arrugginito di un mezzo da sbarco, e nei lotti che fiancheggiavano le improvvisate strade buche profonde, prodotte forse dall’esplosione di granate oppure scavate per accogliere automezzi o soldati; ed un po’ dappertutto avanzi di infissi, reti metalliche di letti, resti di materassi, racimolati chissà come e dove (forse ad Anzio), ed usate evidentemente dalle truppe sbarcate per potersi sistemare alla meglio. Tra tanti elementi abbandonati un solo segno di serenità, di vita: un gregge di pecore che brucava serenamente, spostandosi da un punto all’altro.
L’ufficio che trattava nel 1945 la vendita dei lotti era ubicato a via Campo Marzio n. 3 Roma; lottizzatore era il Comm. Scavezzi Galileo collaborato dai Sigg. Coppeta e Comm. Carletti.
Nell’ufficio Scavezzi facevano bella mostra alle pareti planimetrie della zona, schizzi rappresentanti case o palazzine; agli acquirenti venivano presentate per l’esame grandi carte topografiche quadrettate della località, riproducenti in scala i lotti, e in ciascun quadratino si provvedeva a segnare il nome dell’acquirente.
L’acquisto dei terreni avveniva nella maggior parte dei casi sulla carta, senza conoscere il comprensorio, i compratori si rendevano conto della proprietà successivamente, molti di essi per anni hanno ignorato l’ubicazione dei loro lotti, e tuttora non è raro il caso di incontrare a Lavinio persone in cerca di indicazioni e che dichiarino di non sapere dove siano ubicati i terreni di cui risultano proprietari.
Arrivare a Lavinio nel 1946 costituiva una specie di avventura.
I lottizzatori ogni domenica ponevano a disposizione dei volenterosi una camionetta che partiva da Piazza S. Maria Maggiore, via Carlo Alberto, alle ore 8 e portava a destinazione i lottisti, “incardinati” alla meglio nel mezzo di fortuna.
La prima tappa avveniva ad Albano, gli interessati si sgranchivano un po’ le membra intorpidite rifornendosi di cibarie e poi la traballante camionetta proseguiva per Lavinio facendo una gimcana paurosa onde evitare le buche che costellavano il manto della strada Laurentina, che dopo Ardea era ridotta in uno stato pietoso e pericoloso.
I lottisti appena giunti (faticosamente) a destinazione si sparpagliavano per la spiaggia, chi fermandosi sul terreno assegnato, chi cercando di individuare la proprietà: all’imbrunire infine ritorno a Roma con lo stesso automezzo.
L’attuale strada di Valle Schioia era pressoché intransitabile, il fondo stradale era coperto di una coltre profonda e soffice di polvere e sabbia, nella quale si affondava sino a mezza gamba; percorrere il viale per scendere a mare o viceversa, era impresa veramente ardua, tanto più che le piogge defluendo disordinatamente dalla parte alta verso il mare in senso perpendicolare al viale stesso, avevano eroso ed asportato tratti lunghissimi della strada, creando trinceroni profondi anche due metri che occorreva scendere e… risalire.
Il primo… pioniere di Lavinio mare fu tale Giacchetti, aveva messo su una specie di capanna di tavole ricavando un locale molto rustico ove era possibile consumare qualche pasto frugale. Sulla spiaggia, ove attualmente sono installate le cabine del “Miramare”, troneggiava una sbilenca cabina di legno, nella quale gli escursionisti domenicali che intendevano prendere un bagno, a turno potevano lasciare gli indumenti.
I primi lottisti della zona a mare furono naturalmente i lottizzatori, e cioè il Comm. Scavezzi Galileo, Coppeta Renato, Carletti Mario, ad essi si aggiunsero gli acquirenti Pitcheider, Brilli, Necci, Mendicini Cinelli, Vannuteli, Orlandi, Laiewscki, Beloni, Rubino, Lojoli, Salvatori, Sacchi, Porretta, Bravi, Jori, Valori, Pasquin, Giuliani, Gargiulo, Giovagnoli. Di Nappo, Tavolini, Sarra, Fanelli, Rascioni, Bacchi, Bruschi, Perugini, Benejoton, Castellani, Pennini, Giubbino, Stella, Fabbri, Bucci, Piccardo, Solecchi ed altri di cui sfuggono i nomi.
A Lavinio il luogo d’incontro dei lottisti avveniva ove attualmente è ubicata la Villa Pende, ivi furono installate due o tre tende, sotto le quali qualche appassionato fece gli iniziali esperimenti di villeggiatura.
I Sigg. Orlandi-Vale, i Sigg. Vannutelli e Corato furono tra i primi… affezionati che fruirono di tali mezzi di fortuna, poi apparve qualche cabina in legno, quella del Dott. Mignanelli, e l’altra piu grande e comoda del Sigg. Cinelli, intorno alla quale si davano convegno nuovi proprietari… sforniti di punti di appoggio o di tende.
La prima costruzione completa, signorile, veramente bella ed ammirata fu quella dell’Ing. Pitcheider, successivamente sul litorale apparvero le altre: il grande e solenne edificio di “Lallo al Mare” (Caio Testa), la Villa Domenicani, la Villa Orlandi, Pizi, il Caffè Bravi, il ristorante Jori, le Ville Piccardo, Caminetti, Ruggeri, Pende, De Felice, “La Sirenetta”, e sempre in quell’epoca sulla Piazza Lavinia il lottista Rascioni cominciò a tirare su alcuni locali ceduti poi a Colaceci, Bacchi; Del Rosso costruì i vani per il forno e la pizzicheria, e subito dopo spuntarono sulla spiaggia le villette dell’Ing. Cucci e Zanella, e Colantuono iniziò la vendita al pubblico di materiali da costruzione, poi sorsero gli stabilimenti balneari “L’Arcobaleno” e successivamente “Il Tritone”.
Contemporaneamente lo stesso fenomeno si registrava alla stazione ferroviaria di Lavinio, eguale sviluppo si andava cioè riscontrando a Lavinio alta.
I fratelli Meleleo Antonio e Pasquale da Salerno si erano stabiliti per primi nella zona, Mistretta aveva aperto il buffet della stazione, ed insieme ad essi Campa, Fiorello, Schinzari, Botrugno, Marchesini, i quali costruirono le prime case, successivamente si fermarono nella zona i connazionali reduci dalla Tunisia: Lo Sordo, Carsia Giuseppe ed Alfredo, Centone, Wais. Era sorta anche lì qualche villetta (Bortoluzzi), verso il mare a metà strada Parisi aveva iniziata una costruzione, e con lui Geremia, Bucci, e sempre scendendo verso il mare Nodali, Gasparri, Travaglino, Cimpincio, Gargini, Rubino, Giovagnoli, Violo, ecc.
Ed ora quante le costruzioni? Tante, tante, che finiscono per sfuggire ad ogni esame, perché la fitta vegetazione le nasconde quasi completamente. Si può avere un’idea dello sviluppo imponente, scendendo dalla stazione ferroviaria verso il mare, abbracciando dall’alto l’intero panorama: il companile della parrocchia, la torre, i due grandi alberghi “Lallo” e “Belvedere”, “Villa Mia”, Villa Giulia, gli edifici di Stefani, il Villaggio dei Giornalisti con le sue villette caratteristiche e originali, ogni costruzione ha una storia per il proprietario.
Alcune ville piccole, altre grandi, sontuose, civettuole, alcune, certune semplici, altre dipinte con colori vivaci, altre infine addirittura sgargianti.
In calce alla presente se ne enumererà qualcuna indicandone per ordine alfabetico i nomi dei proprietari.
Ma un cenno particolare meritano i “pionieri”, cioè coloro i quali per primi si fermarono nella zona, scegliendola come sede di loro residenza o dei loro affari.
Lotti, il noto scultore romagnolo, Laiewski “La russa”, Giubboni, Rascioni, Bravi, Jori, Colaceci, Del Rosso, Carpineti, Colantuoni, Bacchi, furono coloro i quali ebbero fiducia nello sviluppo della località. E poi Mezzalira, Clementini, Mercuri, Rossi Edmondo, Vincenti, ecc.
Nei pressi della stazione ferroviaria tra i pionieri vanno citati i fratelli Meleleo Antonio e Pasquale, Mistretta, Schinzari, Campa, Botrugno, Fiorello, Losordo, i fratelli Garzia, Centone, Wais, ecc.
In questa schiera di benemeriti particolare menzione spetta a due lottisti i quali profusero capitali ingenti per dotare la zona di complessi sontuosi, degni di rivaleggiare con quelli delle più grandi e note stazioni climatiche italiane. Si allude particolarmente a Caio Testa (Lallo al Mare) ed al Comm. Rossi Alberto (Albergo Belvedere); entrambi questi pionieri hanno arricchito il comprensorio con vere e proprie opere d’arte, capaci di ospitare turisti di eccezione, attrezzatissime; ad essi deve essere particolarmente grata la generalità dei lottisti.
Ed infine un altro grande “pioniere” annovera Lavinio: il parroco di Anzio, don Vincenzo Vendetti. Egli all’inizio del 1946 costruì una cappelletta di fortuna, che ben presto si manifestò inadeguata al numero dei fedeli. Allora con la operosità silenziosa, continua, efficace di coloro i quali sono chiamati a vocazioni sacerdotali, è riuscito a concretare un’opera che ha superato le aspettative di tutti gli affezionati a Lavinio, anche dei più ottimisti; egli ha saputo dotare la zona di una Chiesa grande, bella, artistica nella sua semplicità, recentemente elevata a parrocchia. All’edificio della Chiesa vi è aggiunto l’oratorio, la sala delle riunioni retrostante, insomma una costruzione grandiosa.
A don Vincenzo, rientrato silenziosamente e modestamente ad Anzio dopo l’attuazione del suo progetto veramente ardito, la riconoscenza di tutti i lottisti, i quali ricordandone l’operosità e la bontà sono consapevoli che è suo merito se oggi sulla Piazza Lavinia l’edificio più bello, più artistico e completo è rappresentato dalla Casa del Signore.
Lavinio
1954
Il mio sguardo contempla ancora l’orizzonte ove, poco prima, il sole con un incendio di luci e di splendori si è tuffato nell’immensa distesa del mare. È uno spettacolo straordinario! Il cielo e il mare hanno assunto colori meravigliosi, sublimi, le onde s’increspano leggermente in uno sfolgorio luccicante di luci. Quanta bellezza! L’occhio spazia, ha davanti l’infinito, può scrutare nell’immensità del creato e, di fronte a tanta meraviglia, lo spirito si solleva come rapito in estasi. Io credo che da poche altre località si possa ammirare un tramonto così straordinario, un tramonto in cui il cielo è di topazi, di ametiste che cambiano continuamente forma per la lieve brezza che spira; un tramonto il cui effetto magico è raddoppiato dal fatto che a questa magnificenza si aggiunge lo sfolgorio delle luci che i caratteristici, moderni stabilimenti balneari, abbarbicati qua e là lungo la costa, nascosti in fondo a vialetti sabbiosi, dietro intrichi e grovigli di cespugli selvaggi, riflettono sul mare e sulla distesa immensa della spiaggia, sulla quale forse le dolci abitatrici degli abissi marini, stanche di folleggiare, si dànno ogni sera convegno, ed esse riposano qui, nella magica atmosfera di questa amena località sul litorale tirrenico, poco distante dalla capitale. Al di sopra della spiaggia, i pini, i rossi oleandri, le tante e tante graziose villette sorgenti come per incanto dalla fitta vegetazione, hanno toni diversi di colori: dal verde cupo all’azzurro, al lilla, al violetto e, chi viene dal mare, ha l’impressione di trovarsi di fronte a trine variopinte di un fatato merletto. Le grandi pinete e la folta boscaglia, accese la sera dai fuochi di migliaia di lucciole e rese vive dal canto dei grilli innamorati, sono quanto di più suggestivo si possa desiderare per una vera e serena pace. Le villette e gli chalet, sorti nei boschetti, tra gli alti pini ombrosi, sembrano dimore incantate ove le Ninfe e i Fauni, dopo aver giocato a nascondino tra i rovi, trovano a sera la culla dei loro dolci sogni; ugualmente, i moderni alberghi-stabilimenti, con le grandi terrazze ornate di fiori, con le miriadi di luci, sembrano castelli magici nei quali le fate si dilettano a gustare gli allegri ritmi del jazz.
Avvenuta la lottizzazione del comprensorio di Lavinio e S. Olivio, cominciò a manifestarsi nel 1948-49 la opportunità della costituzione di un ente che convogliasse gli interessi dei proprietari dei lotti nei rapporti con le Autorità e provvedesse altresì alla attuazione di alcune opere necessarie alla valorizzazione della zona.
L’idea della costituzione del Consorzio fu lanciata dal lottista Ing. Giacomo Rubino, il quale – dopo avere studiato la questione sotto i vari aspetti – la espose ad un gruppo di affezionati lottisti, i quali riconosciuta la bontà dell’idea, dettero la loro adesione incondizionata.
Fu creato così un comitato promotore composto dai Signori: Attilio Comm. Belloni, Umberto Comm. Brilli, Luigi Ing. Buttarelli, Renato Col. Coppeta, Pasquale Comm. Gargiulio, Dante Avv. Lojoli, Giovanni Comm. Pia, Giacomo Dr. Ing. Rubino, Giulio Comm. Travaglino.
Fu redatto lo statuto, sempre su iniziativa dell’Ing. Rubino, che seguì la pratica complessa e delicata, e successivamente, con atto Notaio Intersimone del 15 Luglio 1950, debitamente depositato e trascritto nella Cancelleria commerciale del Tribunale di Roma il 4 Agosto 1950 e pubblicato sul Foglio Annunzi Legali della Provincia di Roma n. 72 del 8 settembre 1950, fu redatto il regolare atto costitutivo del Consorzio.
E finalmente l’Ente fu approvato con deliberazione della Giunta Provinciale Amministrativa di Roma del 8 Novembre 1951 n. 3162.
Dopo le elezioni della prima Assemblea Generale del 29 Marzo 1952 avvenuta a Lavinio nel salone dell’albergo Belvedere, risultarono eletti alle cariche sottoindicate i Sigg. : – DELEGATI:
1) Attilio Belloni, 2) Luigi Buttarelli, 3) Salvatore Di Nappo, 4) Gino Giuliani, 5) Dante Lojoli, 6) Federico Pinna Berchet, 7) Giacomo Rubino, 8) Galileo Scavezzi, 9) Giulio Travaglino, 10) Arnaldo Prò, 11) Fausto Fulignoli, 12) Donato Eberlin, 13) Aldo Bruschi, 149 Narciso Carosi, 15) Roberto Canaglia, 16) Vittorio Giovagnoli, 17) Giovanni Campa, 18) Fiorino Marioni, 19) Giuseppe Parisi, 20) Giuseppe Del Rosso, 21) Roberto Rossi, 22) Nicola Portacci, 23) Publio Cimpincio, 24) Jole Salvatori, 25) Amelia Brilli, 26) Felice Gazzilli, 27) Pellegrino Pellecchia, 28) Mario Wais, 29) Amerigo domenicani, 30) Vitantonio Bucci, 31) Giuseppe Vania, 32) Caio Testa, 33) Vittorio Statera, 34) Antonio Di Tullio, 35) Nicola Martinelli, 36) Riccardo Nodali, 37) Giovanni Pia, 38) Eugenio Piccardo, 39) Alfredo Bravi, 40) Orfeo Sacchi, 41) Armando Lodolini, 42) Pasquale Gargiulo, 43) Ivan Aprez, 44) Gio Battista Valenza, 45) Aldo Necci, 46) Giulio Pitcheider, 47) Antonio Mendicini, 48) Valentino Colaceci, 49) Enrico Fanelli, 50) Renato Coppeta.
– CONSIGLIO DI AMMINISTRAZIONE:
– Presidente : ATTILIO BELLONI.
– Consiglieri : Ivan Aprea, Aldo Bruschi, Donato Eberlin, Dante Lojoli, Antonio Medicini, Giacomo Rubino, Mario Wais, Giuseppe Vania.
Nelle successive elezioni della 2 Assemblea Generale del 12 Giugno 1955 furono modificati i quadri dei dirigenti, che risultano così composti:
– DELEGATI:
1) Dante Lojoli,2) Ivan Aprea,3) Giuseppe Vania, 4) Vittorio Statera, 5) Gino Giuliani, 6) Orfeo Sacchi, 7) Giacomo Rubino, 8) Roberto Canaglia, 9) Giuseppe Parisi, 10) Amerigo Domenicani, 11) Francesco Bacchi, 12) Publio Cimpincio, 13) Donato Eberlin, 14) Enrico Cucci, 15) Pietro Cafolla, 16) Alessandro moranti, 17) Enrico Fanelli, 18) Felice Gazzilli, 19) Alfredo Carpiteti, 20) Fausto Fulignoli, 21) Riccardo Nodari, 22) Giuseppe Del Rosso, 23) Giovanni Mezzalira, 24) Ugo Gargini, 25) Quinto leopardi, 26) Aldeo prosciutti, 27) Corrado Violo, 28) Agostino Grosso, 29) Vincenzo Santandrea, 30) Jole Salvatori, 31) Domenico Patriarca, 32) Severino Belviso, 33) Antonio Geremia, 34) Caio Testa, 35) Giovanni Rossi, 36) Renato Coppeta, 37) Pasquale Gargiulo, 38) Alessandro Di Nappo, 39) Emilio Colecchi, 40) Ugo Vezzosi, 41) Gustavo Guerra, 42) Bernardo Capriati, 43) Valentino Colaceci, 44) Eugenio Piccardo, 45) Paolo Corrado, 46) Vittorio Giovagnoli, 47) Fausto Tizi, 48) Gino Rascioni, 49) Gino Ruggeri, 50) Mario Scifoni.
A seguito di dimissioni di delegati furono immessi tra i delegati successivamente i Sigg: Giuseppe Botti, Gaetano Di Carlo, Luigi Foschini, Vittorio Gallì, Pietro Leoni, Valentino Mattioli, Latino Tavoloni.
Al 30-6-1957 il Consiglio di Amministrazione risulta così costituito:
-Presidente: Dante Lojoli.
-Consiglieri: Roberto Casaglia, Paolo Corrado, Enrico Cucci, Luigi Foschini, Felice Gazzilli, Orfeo Sacchi, Fausto Tizi, Corrado Violo.
Questo è Lavinio! Una città? No. Un paese? Nemmeno. E’ un angolo meraviglioso della terra dove le bellezze moderne si affiancano a quelle naturali; un angolo in cui l’opera dell’uomo non ha distrutto quella sovrana e selvaggia della natura; è una località in cui il mare e la costa formano un tutto indivisibile e i divini tramonti, la lunga e spaziosa fascia argentea della spiaggia, le grezze boscaglie, la dolce brezza marina, mista al profumo di resina e di erbe silvestri, offrono, a tutti, serenità e letizia, ed ai giovani, la dolcezza di un amore idillico in un paesaggio di ineffabile incanto, tra ameni boschetti “che invitano a posar chi s’appresenta”.
postato da: laureato alle ore 12/07/2008 09:03 | Permalink |
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martedì, 01 luglio 2008
mercoledì, 09 aprile 2008
Lavinio, impressioni di narratori, poeti, pittori
LAVINIO
A chi esamini la storia e le vicissitudini di Lavinio, subito dopo le vicende belliche dell’ultima guerra, sembrerà assai strano come questa località sia oggi, dopo appena un decennio del suo risorgente cammino, un centro balneare ambito per le sue inconfondibili caratteristiche.
Circondato dal suo azzurrissimo mare che vi apre una ampia insenatura, Lavinio, probabilmente doveva essere al tempo aureo dell’Impero, sede di opulente ville patrizie consone al carattere e alla ricchezza di Roma.
Poi la ridente spiaggia decadde nel periodo medioevale in uno squallido abbandono, dove orde di pirati scendevano per saccheggiare. E troppo lungo sarebbe seguirne le varie fasi, forse con ripresa di momentaneo splendore, nei secoli che si susseguirono. Ma per la nostra epoca quello che resta è il quadro recente post-bellico.
Posta in prossimità dell’Urbe, di questa cittadina, ormai sepolta nell’oblio del tempo, nessuna traccia era rimasta che potesse in qualche modo testimoniare la sua fama d’una volta.
Una landa sterminata e paludosa, ove regnava indisturbata la malaria, erano i segni di rovina e di morte che si avvertivano in quel regno di tragica solitudine.
Tale era lo stato di desolante abbandono e di incubo pauroso in cui si trovava Lavinio una decina di anni or sono. E su questo tragico abbandono, lasciando tracce di sangue e di ferro, passò la marcia degli alleati che da Anzio puntavano verso Roma.
Oggi, invece, il suo volto è prodigiosamente mutato, miracolo dell’uomo che ha saputo nel breve volgere di tempo creare una spiaggia che, per la sua caratteristica bellezza naturale, ha un’impronta di rara eleganza e una nota di distinzione. (Dante Serra – Lavinio, impressioni di narratori, poeti, pittori – 1954).
postato da: laureato alle ore 09/04/2008 17:59 | Permalink |
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venerdì, 29 febbraio 2008
presentazione libro di franca sebastiani
Editrice Totem ●●● Assessorato Cultura di Nettuno
hanno il piacere di invitarla
alla presentazione del libro di
Franca Sebastiani
A due passi da Dio
vita vissuta
sabato 5 aprile 2008
ore 17,30
Forte Sangallo – Nettuno
Interverranno
Mario Scaffidi Abbate
Clara Martoccia
Paola Zanoni
Ingresso libero ●●● drink
editrice totem – via acqua marina 3 – 00040 lavinio lido – tel. 069820260
postato da: laureato alle ore 29/02/2008 12:03 | Permalink |
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giovedì, 28 febbraio 2008
postato da: laureato alle ore 28/02/2008 12:35 | Permalink |
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giovedì, 28 febbraio 2008
indice dei nomi
Anna Stella Giampà
Dialogo fra storia e memoria
nella narrativa autobiografica
di Giovacchino Marimpietri
saggio
N. 27 COLLANA IMPORTANT
Editrice Totem
Indice dei nomi
Archiloco
Atzori Erika
Badoglio Pietro
Benigni Roberto
Bianchi Gianni
Bigonzi Ilaria
Cacace Paola
Cardinale Sara
suor Caterina
Cinelli Selene
Cristiano Fabio
Croce Benedetto
professoressa De Agostani
Dell’Omodarme Chiara
Falcone Alessandro
maestra Ferrari
Grassi Sara
professor Gilli
professor Grifo
Ievolella Attilio
La Cascia Maurizia
Lauria Adele
Lawrence David Herbert
don Leone
Lussu Emilio
Manna Francesco Paolo
Marinetti Filippo Tommaso
Medici famiglia dei
Miller Henry
Moravia Alberto
Mussolini Benito
Olivieri Patrizio
Pace Giulia
Prezzolini Giuseppe
Proust Marcel
Quercetti Luigi
Rossi Tatiana
Sant’Agostino
Scarano Carmen
Soffici Ardengo
Sterrantino Auretta
Svevo Italo
Tecchio Veronica
Zagni Filippo
postato da: laureato alle ore 28/02/2008 08:05 | Permalink |
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mercoledì, 27 febbraio 2008
novità editoriale
Anna Stella Giampà
Dialogo fra storia e memoria
nella narrativa autobiografica
di Giovacchino Marimpietri
saggio
N. 27 COLLANA IMPORTANT
Editrice Totem
postato da: laureato alle ore 27/02/2008 17:19 | Permalink |
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martedì, 26 febbraio 2008
n
postato da: laureato alle ore 26/02/2008 14:46 | Permalink |
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martedì, 26 febbraio 2008
Franca Sebastiani
A due passi da Dio
vita vissuta
Introduzione di Clara Martoccia
- 26 COLLANA IMPORTANT
Editrice Totem
Introduzione
Un inseguimento grandioso della metarealtà puntualmente contrappuntato dall’innumerevole e mutevole molteplicità del mondo. Una storia che abita una dimensione diversa, dipinta da favole dettate dalla poesia e dall’amore, che molti potrebbero chiamare fantasia ma che è solo la legge del soprannaturale.
Pensieri, sensazioni che si fanno scoperte e rivelazioni scaturite da una grave mancanza, da un’angosciosa assenza, prima di un padre poi di un amato. Vuoti incolmabili riempiti dalla sorprendente verità che sovrasta la materia e fa riaffiorare l’impossibile speranza di ricongiungersi a chi si pensava di aver perso per sempre.
A due passi da Dio analizza l’epica del trascendente che immerge l’esperienza impalpabile di tutte le nostre percezioni in un immaginoso fluire quotidiano. In un mondo immerso nel suo frenetico e continuo divenire, che senso avrebbe affannarsi per riuscire nei propri intenti se poi tutto ci venisse inesorabilmente portato via da un vortice senza fondo? Che senso avrebbe nascere per poi non contare più nulla?
Enigmi che spingono l’Autrice, sin dalla giovane età, a persuadersi dell’inconcepibilità di credere che si possa morire del tutto. Ciò che ci è donato e che poi ci viene tolto insegna agli uomini a vivere nel libero arbitrio, permettendo loro di espiare le proprie colpe e ottenere nell’invisibile dimora un posto più onorevole.
L’argomentare di Franca Sebastiani dà voce alla eterna storia della contiguità fra immaginario reale e agnizione apparente, alle fusioni e dissoluzioni del limo inconscio che tutto fa e tutto disfa. Esistono scienze diverse, che non richiedono ai propri addetti studi particolari ma soltanto la volontà di vedere al di là della propria presunzione umana.
In ognuno di noi risiedono proprietà energetiche che, se assecondate, riescono a far emergere facoltà nascoste che meglio rispecchiano il nostro inconscio e che si evolvono in sensazioni progredite. Ma è solo attraverso avvenimenti eccezionali, eventi che stravolgono lo stato psicologico dell’essere, che avviene la metamorfosi, che tali poteri extrasensoriali giungono alla loro manifestazione. Così è stato per Franca Sebastiani, quando il destino apparentemente beffardo le ha portato via il suo amato Francesco. Il fato sembrava prendersi gioco di loro: perché farli incontrare per poi immediatamente dividerli lasciando loro solo il tempo di innamorarsi e non poter più fare a meno l’uno dell’altro?
Solo dopo all’Autrice è apparso chiaro che il suo adorato le sarebbe rimasto vicino molto più di quanto avrebbe mai potuto esserlo in vita. Il caso ha voluto che egli lasciasse le sue spoglie mortali proprio sulla strada in cui aveva progettato di fondare una comunità per poveri e bisognosi. Una coincidenza? Al momento dello schianto, per proteggere un cucciolo di cane che aveva in grembo non si è curato di se stesso e la sua sorte si è così compiuta.
Sin dal primo istante in cui Franca Sebastiani ha posato il suo sguardo su quell’amato volto, uno scoramento nel cuore come un triste presagio ha accompagnato l’emozionata gaiezza del loro primo incontro. Per quell’anima nobile e pura era già pronto un posto beato nel mondo del tempo infinito ma il suo pensiero altruista non poteva dissolversi nel nulla, doveva esser tramandato a qualcuno degno di portarlo avanti.
Ecco svelata la motivazione di quell’inspiegabile disegno provvidenziale: Franca Sebastiani era stata chiamata a continuare l’operato di Francesco. Attraverso di lei, lui avrebbe proseguito il suo compito benefico.
Anni dopo, un’altra scomparsa lacera definitivamente l’anima dell’Autrice: quella della sua adorata e insostituibile mamma. A questa importante figura, in chiusura del libro, è dedicata una poesia le cui parole sono ispirate dall’entità profetica trascendente. Entrata anch’ella a far parte di quell’universo ultraterreno, accompagna, attraverso la sua energia, la propria figlia nella lotta continua contro l’incredulità umana.
Nelle pieghe delle righe di A due passi da Dio si annida sempre qualche svelamento nuovo che cattura l’attenzione del lettore. Un procedimento narrativo in cui gli eventi raggiungono continui punti di saturazione che l’Autrice fa saltare come birilli. Si ipotizza che la fisica e lo spiritualismo individuino la stessa forma di esistenza e che la religione sia l’incontro di queste due potenze che si mescolano fra loro. Ma l’uomo, prigioniero della sua dissolutezza materiale, non vuole ergersi a cogliere verità talvolta scomode per le sue caduche esigenze pratiche e individuali.
Eppure, all’origine della scrittura medianica, capacità di cui l’Autrice è in possesso, vi è il dono di prevedere eventi e di vaticinare fatti altrimenti sconosciuti, di predire miracoli non ammessi dalla nostra ragione, vi è la volontà di Dio di non lasciarci mai completamente soli.
Così come è evidente l’intento di Franca Sebastiani di descrivere la propria storia come “tempo fornito di senso” dove c’è il primato del fine sulla fine e quindi lo scorrere cronologico ha una direzione, uno scopo e dunque un “senso”. L’Io narrante dell’Autrice attraversa la pesante maschera della memoria, distacca la scorza turbata di lancinanti ricordi e in uno specchio magico rivede la bellezza interiore che credeva di aver perduto.
In una logica in cui nulla appare più impossibile, dipende dalla volontà di ciascuno riuscire a spingersi oltre ciò che è comunemente condiviso e accettato, per cogliere i messaggi che da “altrove” ci vengono inviati. Le entità soprannaturali si manifestano se scoprono che c’è qualcuno che le considera, le ama. Solamente se noi siamo in grado di apprezzare senza alcuna indecisione la loro presenza eterea, esse saranno ben liete di curare la nostra esistenza con maggior profitto e di regalarci spaccati soprannaturali.
La difficoltà risiede nel captare verità più volte celate dalla dissimulazione umana che incita a costruire soltanto imperi precari che al primo soffio di vento possono crollare come castelli di sabbia.
Attraverso la sua scrittura, Franca Sebastiani ci consegna l’amore di Francesco, che solo attraverso la parola può imprimersi nella mente e nel cuore degli uomini all’infinito. Si descrive l’evolversi dell’unione immortale di due anime che hanno superato la soglia del reale per trovare un proprio spazio metafisico.
Trascinato in un percorso interiore, il lettore non può fare a meno di interrogarsi sull’esistenza di una linea di demarcazione tra la vita e la morte. Un confine così labile che non ci permette di comprendere quale sia la realtà e quale l’illusione.
Si giunge alla conclusione che per conquistare la vera essenza della vita, occorre assimilare i quattro punti cardinali della posizione del nostro emisfero dove l’enigma si fonde sui pilastri dell’inverosimile.
Clara Martoccia
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martedì, 26 febbraio 2008
franca sebastiani
Franca Sebastiani
A due passi da Dio
vita vissuta
Prefazione di Mario Scaffidi Abbate
Introduzione di Clara Martoccia
- 26 COLLANA IMPORTANT
Editrice Totem
Franca Sebastiani nasce a San Casciano dei Bagni in provincia di Siena il 25 gennaio 1949.
All’età di quattordici anni inizia a studiare canto e a interpretare piccoli ruoli in alcuni film.
Nel 1966 partecipa alla manifestazione “Il Cantagiro” sotto la guida di Franco Migliacci.
Nel 1968 dopo aver subito la perdita di un grande amore, acquista quelle facoltà medianiche che in seguito esternerà in vari resoconti letterari.
Nel 1972 vince la manifestazione “Il Cantaestate” e viene eletta “Miss Roma” e dopo “Miss Lazio”, titoli che le consentono di arrivare in finale al concorso di Miss Italia. Nel 1974 riceve il “Premio Personalità” e accompagna il prestigiatore Silvan in tournee in Italia, cantando e collaborando ai suoi numeri di illusionismo. Nel 1985 incide il suo primo disco Posto vuoto.
Successivamente partecipa a diverse manifestazioni canore, vincendo molti premi.
Nel 1992 cura una rubrica sulla parapsicologia per il giornale Il Roma e l’anno successivo viene pubblicato il suo primo libro Gli occhi dell’anima.
Le sue capacità artistiche si esprimono nel canto, nella scrittura e nella pittura. Nei quadri della sua prima mostra personale, si evidenziano tematiche vicine all’arte egizia che rispecchiano la sua continua ricerca sul mondo del mistero.
Dal 1998 si dedica alla musica lirica scoprendosi compositrice di brani sinfonici ispirati alla sua spiritualità religiosa.
Si esibisce in concerti internazionali, tra i quali il concerto di Cracovia per la commemorazione del 25° anno del Pontificato di Papa Wojtylia.
Nel 2006 esce il suo secondo libro Nella culla dell’Assoluto.
Con il suo brano La pace nel mondo è una delle interpreti della compilation sul discorso di amore e solidarietà.
Nel 2007 le è stato conferito il riconoscimento di “Artista di Pace” per l’impegno tra diverse culture e religioni nello spirito di Francesco d’Assisi.
Continua ad impegnarsi nella realizzazione di cd musicali con brani da lei stessa interpretati su tematiche di spiritualità e di pace.
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sabato, 23 febbraio 2008
Alfio Fichera
in vendita l’ultimo romanzo di alfio fichera
Alfio Fichera
Trattoria della pace
con alloggio e stallatico
Prefazione di Clara Martoccia
- 41 COLLANA CLAN
Editrice Totem
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venerdì, 22 febbraio 2008
in vendita l’ultimo romanzo di alfio fichera
Alfio Fichera
Trattoria della pace
con alloggio e stallatico
Prefazione di Federica Micozzi
- 41 COLLANA CLAN
Editrice Totem
Alfio Fichera è nato nel novembre 1935.
Compiuti gli studi superiori, è entrato
all’Accademia Militare di Modena nel 1957
e si è in seguito laureato in
Scienze Strategiche presso l’Università
degli Studi di Torino.
Durante la sua carriera militare
ha prestato servizio nei reparti carri.
Ha trascorso, inoltre, più di dieci anni
di servizio all’estero: in India e in Pakistan
come osservatore dell’ONU ed in Belgio
presso il comando SHAPE della NATO.
L’appartenenza ad unità internazionali
gli ha consentito di imparare alcune lingue
straniere: l’inglese, lo spagnolo, il portoghese,
l’hindi e l’urdu.
Ha pubblicato con la casa editrice Greco&Greco
Il colpo grosso dei quattro pensionati (Milano 2005)
e Delitto all’amatriciana (Milano 2007).
ISBN 978-88-902894-5-3
6183-207681
13 euro
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venerdì, 25 gennaio 2008
non
non
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sabato, 01 dicembre 2007
ROMANZO GRAFICO
MANIFESTO
DEL
ROMANZO GRAFICO
Prologo
il romanzo grafico
la scissione creativa
la costrutturazione morbosa
il soggetto creativo
la sceneggiatura creativa
il disegno creativo
Questa nuova collana prende le mosse da due episodi casuali che hanno trovato singolare tramite in una associazione spazio tempo di sapore antico.
Nel marzo 2005 pubblicavo un saggio di un giovane filosofo catanese* dopo due anni di scambi epistolari e di sofferti silenzi da parte dell’Autore. Un libro di ostico approccio lessicale e tematico ma quasi interamente basato su teorizzazioni profondamente innovative, che suggerivano campi inediti della creatività.
Il secondo episodio fu una conversazione da me avuta con un anziano architetto di Roma a proposito di un suo vecchio progetto di disegnare una storia realmente accaduta a Roma negli anni 1940-1945 e che voleva pubblicare con la mia casa editrice. Da tempo si parlava della cosa.
L’architetto Biagio Bonetti mi inviò lì per lì una scaletta ma, dopo due o tre rinvii, mi spiegò che non aveva tempo e voglia di nulla e mi invitò a portare avanti il progetto da solo.
Fra il marzo e l’aprile 2005 i contenuti dei due episodi trovarono una elaborazione veloce e progressiva nella mia mente e scrissi quasi di getto, sulla base della vecchia scaletta, il soggetto di Transfert e nuvole.
Alla base della scrittura creativa di questa collana di romanzi grafici c’è una interazione fra tre autori liberi di dissociarsi e quindi in grado di costrutturare morbosamente nuove e sempre diverse situazioni narrative.
La pura sensualizzazione di idee razionali comporta fra i tre dialoganti l’agire estetico predisponendo l’adozione di modelli erotici o tanatologici lavorati quasi con ditirambica soddisfazione a sazietà di trama del romanzo grafico.
Ma l’essere estetico delle tre figure alla base di questa collana di romanzi grafici, se pur scisso, è sempre vincolato alla sua immaginatività di sé e ossessionato dal tradimento verso la propria eticità.
Nella costrutturazione creativa l’aspetto del dialogo è senza freno, lanciato sopra una immaginazione-elaborazione dei sensi portata all’illimite e quindi priva del vincolo della rappresentazione come insana tragedia o logica follia. E quanto più il delirio onanistico suggerisce ai tre autori l’effetto autocolpevole della perdita di eticità razionale tanto più la scrittura creativa soccombe alla fascinazione di una serie infinita di choc che scandiscono il rilancio della soluzione narrativa all’interno di questa collana di romanzi grafici
Quindi i tre autori non comunicano un significato nel testo ma semplicemente il godimento derivato dalla loro interazione scissa, superando la conflittualità tra l’esser-per-sé e l’esser-per-il-mondo in quanto i tre vivono una disidentificazione totale ed epifanica.
Tecnicamente questi romanzi grafici si avvalgono di spunti storici sui quali si crea un soggetto “altro” centrato sul filone comune alla collana e cioè il transfert.
Dal soggetto, poi, si crea una sceneggiatura “altra”, il cui autore dà valore aggiunto al romanzo grafico dando libero corso alla propria creatività costrutturante.
Infine, l’autore dei disegni dà ulteriore valore aggiunto interpretando autonomamente i personaggi e la storia.
La sequenzialità sopra descritta può essere rovesciata a seconda di temporanee esigenze o volizioni degli autori.
L’Editore
* Francesco Buscemi – Metafisica della malattia mentale (schizofrenia) – Editrice Totem – Roma – 2005.
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lunedì, 12 novembre 2007
un periodo caliginoso della nostra storia recente
Roberto Giorgini
Valladolid – Nassirya
senza ritorno
Editrice Totem
Prefazione di
Clara Martoccia
Questo diario è stato scritto da Roberto Giorgini sotto la cogente necessità di spiegare quanto sia assurdo il contrasto fra la nostra dimensione umana e il silenzio irragionevole del mondo. Quindi, la lotta contro la morte, contro la sofferenza e l’oppressione, in nome di una libera fratellanza su questa terra, diventa un valore capace di dare dignità tematica alle pagine di questo Autore, al suo esordio letterario.
Nassirya-Valladolid senza ritorno rappresenta in tal senso un utile contributo alla ricostruzione “umana” di un periodo caliginoso della nostra storia recente, in verità da molti già relegato nelle brume della memoria.
La narrazione si sviluppa all’interno di un viaggio liberatorio tra presa diretta del presente e memorialità di avvenimenti, sensazioni, pensieri tutti riferiti al piccolo figlio Alfonso nella forma del dialogo epistolare, con le conseguenti accensioni sentimentali di un giovane padre verso il suo adorato primogenito.
Nel compito di trasmettere l’importanza dell’unità familiare al discendente, diventano parte integrante del racconto tutti i componenti di una genealogia estesa, dalla quale emerge una costante dedizione all’esercito.
Dai genitori, ai nonni, ai bisnonni fino ai cinque avi Giorgini, ufficiali dell’esercito toscano: ciascuno con un proprio insegnamento dipinge con un colore diverso la tela di un quadro esistenziale appena cominciato.
Uno sguardo retrospettivo permette di ammirare le impenetrabili terre della Sardegna, dove l’avventura trova il suo originario inizio. Roccaforte intrisa di riti antichi, tradizioni secolari tramandate e nascoste in angoli remoti, dove l’Autore incontra una cordialità autentica.
Attraverso pianure incolte e montagne mai scalate, da quest’isola che appare così “distante”, s’innalza e sorprende un amore sincero verso tutto ciò che è cerimonia, verso tutti coloro che si trovano a difendere i valori della patria con la propria vita.
Il libro è attraversato dallo scorrere fluido di sensazioni identitarie, dal loro incalzarsi e accavallarsi come piccole onde all’interno di uno scarto geografico tra la destinazione del viaggio e la motivazione dell’Autore: una distanza che si riduce in un processo di agnizione e si annulla poi al compimento della promessa fatta a Diego, un soldato americano di origini messicane tragicamente scomparso nel corso degli eventi bellici iracheni.
Un impegno morale verso chi non ha avuto il tempo di salutare le persone care, e assunto nella speranza di mitigare l’angoscia dell’addio eterno.
Pagine che definiscono una profonda ansia dinanzi all’onda montante di un irrazionalismo dei comportamenti e delle mentalità “altre” tangenzialmente lontane dalla pace per la quale è impegnato il contingente italiano di Antica Babilonia. Gesti insensati, parole urlate e prive di consapevolezza dell’aggravio di dolore che sono in grado d’infondere in chi, della sofferenza, ha già fatto la propria compagna di vita.
Così dal deserto iracheno tracima la cupa attesa di una catastrofe incombente dove di paura in paura la vita dell’Autore e dei personaggi che lo circondano si trascina in una melmosa routine, rotta solo dall’evento estremo della morte. Il conseguente sprofondamento interiore è una caduta al rallentatore lenita dalla liturgia cristiana e dalle parole antiche di Padre Mariano.
Ma Roberto Giorgini reagisce al dissolvimento del proprio io, all’apocalisse quotidiana di una guerra vischiosa, attraverso la promessa fatta a Diego e quindi il viaggio nel lontano Messico assume il significato di una riconquistata dimensione umana dove il quotidiano ha il sapore nuovo della intimità familiare e dei giochi infantili del piccolo Alfonso.
Una cornice variopinta fa da sfondo al cammino che, attraverso varie tappe, conduce a destinazione: atterrando a Chihuahua, passando per Torreon nell’altopiano del Messico, per Ciudad Victoria nella parte orientale del Paese, e poi per Veracruz verso Villahermosa sino a raggiungere Valladolid. Il Messico, con i suoi colori sgargianti, i suoi ritmi quieti e lenti, il profumo di spezie e le canzoni mariachi, racchiude in sé, mescolandoli, il vecchio e il nuovo. Un futuro tecnologico avvolto in un’atmosfera che guarda al passato.
L’arrivo a Veracruz, per errore, non appare voluto dal caso ma sembra inserirsi in un disegno provvidenziale che prevede l’acquisto di quel “milagrito” in argento, rituale per chiedere una grazia alla Madonna di Guadalupe.
Le immense distese di cactus, l’odore pungente dell’erba nell’aria umida, la folta vegetazione che a tratti si trasforma in radura desertica, trasportano la mente dell’Autore in un luogo già conosciuto. Anche la presenza degli “angelitos”, rievoca immagini già viste e sguardi di bambini senza speranza già incontrati in un posto che egli non potrà mai dimenticare.
Lungo la strada che porta alla tenuta della famiglia Deniramar, sorge una cappella votiva da poco terminata, su di essa sovrasta l’immagine della Vergine dagli occhi neri e dalla chioma corvina, circondata da stelle azteche e illuminata dalla luna: è la “Nuestra Señora de Guadalupe”. La Madonna riflette il sentimento di bellezza di un popolo e pertanto assume nel mondo forme differenti, ma ovunque simboleggia la speranza della rinascita.
Un lungo percorso, significativo di un destino che attraversa tre continenti l’Europa, l’Asia e l’America per concludersi e poi ricominciare con l’arrivo di una nuova vita.
Clara Martoccia
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lunedì, 12 novembre 2007
risposte sul senso della vita
Roberto Giorgini
Valladolid – Nassirya senza ritorno
Editrice Totem
Analisi critica di
Elisabetta Torregiani
Contrariamente a quanto si è portati a credere leggendo i primi paragrafi, Valladolid – Nassirya senza ritorno non è propriamente un diario. Originariamente strutturato come tale, esso assume, via via, i caratteri del romanzo epistolare, ma anche del viaggio iniziatico e del romanzo di formazione, in cui viene descritto minuziosamente il percorso interiore, travagliato e a tratti angosciante, di un uomo verso la sua maturità. Un processo, a dire il vero, che molti non riescono a concludere nemmeno nel giro di una vita. Soprattutto perché, come ammette il protagonista: si cresce nel dolore e nella sofferenza.
Unico interlocutore e destinatario dei pensieri e dei racconti paterni, il piccolo Alfonso Maria, della cui esistenza veniamo a conoscenza fin da prima della nascita, un momento, questo, descritto con estrema dovizia di particolari. L’abbondanza di questi ultimi si rivela, ad un’attenta lettura, funzionale alla volontà del protagonista di rimanere ancorato alla realtà e alla vita, quella che lo aspetta a Roma, dove ci sono il figlio, la moglie, la sua vasta famiglia, per tutti i difficili mesi che trascorrerà in Iraq impegnato nella missione Antica Babilonia.
Ecco perché, nei momenti di più cupa nostalgia o di disperazione per la scomparsa di commilitoni, amici con cui ha condiviso gli anni difficili della formazione militare, Roberto Giorgini tornerà con la mente al porto sicuro della sua adolescenza, le estati al mare, il litorale vicino Roma, la spensieratezza: stati d’animo e ricordi evocati dalle note del suo lettore musicale, unica compagnia nelle notti insonni al campo militare.
L’universo poetico dello scrittore, coincidente con il suo universo esistenziale, spazia in un ambito piuttosto circoscritto, che ha come comune denominatore un forte senso di appartenenza: alla famiglia e alle proprio origini, all’esercito, sua seconda famiglia, e infine alla patria di cui, da militare, si sente figlio. Assume, sotto questo aspetto, un significato ben preciso la scelta di citare, ad apertura dell’opera, un brano dal libro Cuore di Edmondo De Amicis, e precisamente un passaggio tratto dalla lettera sull’amor di patria scritta a Enrico Bottini dal padre.
Sentirsi parte integrante, elemento utile al perfetto funzionamento di questo universo (vedi schema), dà all’Autore la forza necessaria per difendere i valori sui quali ha fondato tutta la propria esistenza, ma soprattutto, gli è indispensabile per superare la paura della morte.
In questo tentativo egli è sostenuto dalla Fede. Alla religione cristiana, ai suoi precetti e ai suoi dogmi, l’Autore si rivolge molto spesso nel corso della narrazione, all’interno della quale assume una posizione di grande rilievo, la figura del cappellano militare del campo. A padre Mariano, cui è stato affidato in un recentissimo passato il lieto incarico di battezzare il piccolo Alfonso Maria, tocca all’interno della base militare italiana in Iraq, il triste compito di pronunciare parole di conforto e speranza nel corso delle purtroppo frequenti orazioni funebri in memoria dei militari caduti nel corso della missione irachena. Alle sue parole, spesso anche di rimprovero e di richiamo all’ordine rivolte a quelli che a volte si dimenticano dell’enorme responsabilità di portare la pace, si aggrappa tenacemente il protagonista nella sua ricerca di risposte sul senso della vita, ma soprattutto su quello della morte.
Quest’ultima, presenza costante nei pensieri e nella realtà che circonda l’Autore in Iraq, cambia costantemente aspetto. Non arriva necessariamente dal kamikaze imbottito di esplosivo. Imprevedibile ma puntuale, essa porta via il commilitone che, di rientro dallo scenario di guerra, ha un incidente in autostrada e l’anziano bisnonno del piccolo Alfonso Maria; tenta di ghermire, con un cancro, Carlos, il fratello gemello di Diego.
Roberto Giorgini utilizza perlopiù un doppio registro stilistico che raramente arriva a sovrapporsi. Il primo, inserito in una prosa accurata e ridondante – ricca aggettivazione, sovrabbondanza di avverbi – è legato esclusivamente al mondo dell’infanzia (neologismi e onomatopee, riconducibili alla sfera semantica “neonatale”, vezzeggiativi, diminutivi), e quindi utilizzato in prevalenza nella prima parte del diario (vedi nascita di Alfonso Maria); l’altro è riconducibile all’ambito bellico, quindi rigido, chiuso, essenziale.
Al cambio di registro corrisponde un repentino cambio di sintassi: ai bizantinismi della prima parte (nascita di Alfonso Maria e flashback sull’esperienza sarda), segue un fraseggio essenziale, sintetico e scarno nella parte centrale, in cui spicca la presenza di metafore semanticamente riconducibili al contesto bellico (operazione militare Antica Babilonia). Più fluido e consapevole quello della terza parte, l’adempimento della missione affidata al protagonista nel viaggio in Messico.
Roberto Giorgini, però, assegna a questi diversi registri un ruolo antitetico alla loro funzione: col primo, tenero e intimista, egli si rivolge al figlio appena nato indicandogli regole di vita già decise e mostrando un percorso inscritto in una determinata scala di valori (famiglia, onore, patria) ben definiti e inseriti in una tradizione che appartiene alla sua famiglia da generazioni; nel secondo, militaresco ed essenziale trovano invece spazio slanci sentimentali e momenti di commozione pura legati ad emotività peculiari di certe cerimonie e commemorazioni militari. Ne deriva una rilevante differenziazione stilistico-sintattica tra quelli che possono essere definiti i tre macrotesti della narrazione: Nascita del figlio – Missione in Iraq – Viaggio in Messico.
La struttura narrativa del testo è evidentemente circolare, lo scrittore del resto ne dà notizia fin dalle prime pagine quando rende nota la meta del suo viaggio di nozze: il Messico è il punto di partenza della vita “adulta”, dove è iniziata la creazione del nuovo nucleo familiare e dove, tornando per la seconda volta, viene a sapere che sarà nuovamente padre. Quello dell’infanzia è un tema cardine nella struttura narrativa di Valladolid – Nassirya senza ritorno.
La costante presenza dell’elemento infantile, (Alfonso Maria, i bambini iracheni, quelli in Messico), può essere spiegato con un duplice livello interpretativo: il primo immediato e più evidente, che rimanda alla nuova condizione esistenziale dell’Autore, al suo essere neo papà, l’altro, nascosto, rinvia al costante bisogno dell’Autore di aggrapparsi ad un ideale di purezza, che sente di perdere col passare del tempo. A partire dalla nascita e dal rapporto esclusivo, ma di breve durata, con suo figlio neonato, l’Autore tratteggia molte figure di bambini, affamati, tristi, malati, fino ad arrivare all’immagine finale del piccolo iracheno da cui acquista, poco prima del rientro in Italia, il cd con i filmati dei misfatti di Saddam Hussein contro la popolazione curda, e agli Angelitos, i bambini di strada messicani “dallo sguardo così adulto e disilluso” che crea imbarazzo.
Anche Diego, il soldato messicano arruolato nel contingente USA in Iraq, diventa incarnazione vivente dell’ideale di purezza dello scrittore. Di conseguenza il tentativo riuscito dell’Autore di portare al fratello gemello di Diego la maglia – ricordo prima che sia troppo tardi, assume vari significati: il recupero di un po’ della purezza originaria, la riconciliazione con la vita, la vittoria sulla morte e la risposta tanto cercata: “Bisogna morire per rendere qualcosa più vivibile, bisogna morire per non essere dimenticati”.
Elisabetta Torregiani
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lunedì, 12 novembre 2007
la storia vera non è quel che è successo ma tutto quello che non è successo
Alfio Fichera
Trattoria della pace
con alloggio e stallatico
Editrice Totem
Prefazione di
Clara Martoccia
Il pregio maggiore di questo romanzo è quello di riempire con arguzia e levità certi vuoti della nostra memoria storica legata al periodo della repubblica sociale italiana.
Cioè, portare alla luce il non detto della storia ufficiale, le zone dell’esperienza umana trascurate dagli storici; destabilizzare le certezze, le ortodossie, le visioni precostituite del mondo; esplorare l’altra faccia, il negativo dell’immagine che le nostre società danno di se stesse.
Alfio Fichera, in tal senso, capovolge l’affermazione di Peter Ensikat, che nei cabaret della ex Germania dell’Est recitava “il più bello della memoria sono i vuoti”.
Quindi, tutto quanto gira intorno alla Trattoria della pace – metafora del “luogo” e titolo del libro – è un intreccio di occasioni mancate perché la storia vera non è quel che è successo ma tutto quello che non è successo alla gente di un piccolo centro bergamasco alle prese con la mutazione antropologica di una guerra civile in regime di occupazione tedesca, sullo sfondo della Linea Gotica.
Pertanto l’Autore si diletta a narrare vicende che non seguono un tracciato logico bensì procedono per macchie indiziarie magari “sbinocolando” un quarto d’ora su una baita semiabbandonata.
In un paese che eccelle nella produzione e nel consumo di idee inutili, il rasoio tagliente di Alfio Fichera produce situazioni di sapida comicità che ben delineano certe componenti del nostro speciale e italico DNA, allora come ora.
I fraintendimenti che l’Autore ingenera in alcuni dialoghi sono particolarmente esilaranti, soprattutto quando associa la comicità del linguaggio a quella dei contenuti. Il tono ed il lessico del racconto, inizialmente alti e descrittivi, diventano sempre più colloquiali ed informali, proprio nel momento in cui lo scrittore introduce la componente comica, sovrapponendola e ibridandola con quella tragico-romanzesca. Il discorso, pertanto, diventa inevitabilmente paratattico, nei dialoghi, conferendo al racconto sveltezza, linearità ed accessibilità.
Nella Trattoria della pace i personaggi vivono una perenne catastrofe incombente dipanando le trame di un sottile e disincantato nichilismo che prevarica tutte le migliori intenzioni di una solida cultura contadina come quella bergamasca, che aspettava da Radio Londra l’annuncio finale e liberatorio che la guerra era finita. Elemento narrativo cogente che l’Autore centra fortemente sulla dimensione dell’attesa di qualcosa che è nell’aria, ma di cui non si ha piena certezza.
L’importante è che alla fine nessuno dei protagonisti del libro si faccia male: in tal senso condivido pienamente questa scelta dell’Autore che ambienta il suo romanzo in un tempo che non brilla per chiarezza ma rende efficacemente l’idea di quanto sia inutile ogni spargimento di sangue.
Alfio Fichera con la sua scrittura pacata e avvolgente gestisce bene le psicologie dei personaggi principali in un’appagante marcia narrativa che si intreccia con i luoghi a lui cari, ricostruiti talvolta con l’accuratezza di una sequenza cinematografica.
Un romanzo, quindi, che lascia nel lettore un valore aggiunto di considerazioni profondamente umane, che sarebbe davvero difficile non condividere.
Clara Martoccia
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lunedì, 12 novembre 2007
il modo di guardare alla realtà, lontano dalle strutture idealizzanti
Alfio Fichera
Trattoria della pace
con alloggio e stallatico
Editrice Totem
Recensione a cura di
Arianna Fioravanti
Un romanzo dai connotati peculiari, a metà fra tragedia e commedia, realtà e fantasia, leitmotiv e suspense. Alla farsa di Campanile, potremmo qui aggiungere l’umorismo pirandelliano, dove il tragico e il comico procedono di pari passo, fondendosi e confondendosi, in una prosa leggera e accattivante.
In “Trattoria della Pace”, tra romanzesco, storia e autobiografia, Alfio Fichera restituisce in toni faceti una scorsa di quella che fu una delle più brutte pagine della storia d’Italia: l’oppressione nazi-fascista. Ci troviamo, esattamente, nei giorni immediatamente antecedenti la Liberazione, in un paesino chiamato Vallarice, crocevia di usuali e fortuiti incontri tra fascisti, nazisti, partigiani e truppe di liberazione straniere, in location di avvenimenti plurimi e dai risvolti paradossali.
Un’opera che tocca solo lateralmente il neorealismo del dopoguerra, vicina alla produzione di Vittorini, Pavese e Fenoglio per sfondi tematici e alcuni modi stilistici. Ritroviamo, inoltre, una volontà di rappresentare il mondo per quello che è, privilegiando dunque le forme dialogiche e la riproduzione dialettale (quest’ultima, come per molto neorealismo, per favorire la comprensione del testo, e la sua diffusione, si limita a semplici frasi circoscritte e facilmente traducibili). A rendere peculiare l’opera del Fichera è invece il modo di guardare alla realtà, lontano dalle strutture idealizzanti. Qui non esistono né una cultura doverosamente “positiva” del popolo, né una ideologia condizionante. Ruolo importante, inoltre, è affidato all’ironia, ben distante dalla “tremenda serietà” di cui ci parla anche Gadda in merito alla produzione neorealistica.
La trattoria, con alloggio e stallatico, è gestita da Domenico e Adalgisa, marito e moglie. Una coppia normale, se non fosse per un piccolo vizietto di lei: portarsi a letto quanti più uomini in divisa varcano la soglia della locanda. Che siano repubblichini o americani di colore poco importa, il rituale è sempre lo stesso: si entra in camera e se ne esce con l’ultimo bottone della camicia slacciato, sotto lo sguardo inferocito, quanto innocuo, di un marito dai connotati manzoniani. Se ci occorresse un parallelismo con un personaggio narrativo, infatti, la nostra memoria non potrebbe che ricorrere al Don Abbondio dei Promessi Sposi. Beninteso, non a quello mistificatore che usa il latino per suggestionare, Domenico non ne sarebbe capace. Bensì a quello pavido del “vivi e lascia vivere”, il curato che per strada scalcia i sassi che ostacolano il suo cammino. Domenico ha la sua attività, le faccende e i pensieri quotidiani, poco gli importa di fascisti e comunisti: che tutti facciano ciò che vogliono, lontani dal suo mondo. Tuttavia, contro il suo volere, è continuamente invischiato in situazioni compromettenti, che gli piovono addosso quanto più tenta di rifuggire. Proprio a lui, rischiando la fucilazione, toccherà di ospitare fascisti e “ribelli” sotto lo stesso tetto, nascondendo gli uni agli altri. E proprio a lui, tra gag e perigli vari, toccherà di travestirsi da Maggiore della Guardia Nazionale Repubblicana e passare in rivista una Compagnia dell’Ordine Pubblico di Sondrio.
In uno scenario pervaso da sospetti e profonda incertezza, come quello dei giorni che precedono la tragica fine di Mussolini, in cui imposte serrate e strade deserte si stagliano sullo sfondo di fughe e tradimenti tra le varie cariche al Potere, il travestimento diviene dunque mezzo di vita, espediente conduttore: un bluff continuo che ben si presterebbe a certa opera drammaturgia del Novecento, dal teatro di Scarpetta a quello del figlio Eduardo. Ai paracadutisti della 5° Armata che cercano bivacco nella Trattoria della Pace, si presenterà la seguente situazione: due sabotatori fascisti dicono di essere un custode di cimitero e un gestore di trattoria; un civile afferma di essere un sabotatore inglese e un prete sostiene di essere un capitano di cavalleria. Il risultato è un guazzabuglio gustoso di sketch e suggestioni affascinanti che tiene sospesi sino alla catarsi finale.
La funzione del travestimento e dello scambio, in altri termini del deforme e dell’’ironico, applica un processo di svalutazione del contesto referenziale e, soprattutto, di de-mitologizzazione. I fascisti subiscono lo scacco di un Governo in macerie. Esemplificativo l’episodio che vede in difficoltà una truppa dell’Ordine Pubblico, 30 uomini forniti di mortai e mitragliatrici, alle prese con un eremita armato di cani e freccette di gomma. I tedeschi, col loro urlo stentoreo di inneggiamento a Hitler – tra il terrificante e il grottesco – restano invece relegati nel girone degli usurpatori (l’episodio della Pala del Guercino, ad esempio, contrappone, nel colonnello Bucholtz della “Wehrmacht, il nobile amore per l’arte alla bieca turpitudine della prevaricazione. Il dipinto, “preda di guerra”, viene defalcato dalla Chiesa per finire tra i souvenir bellici che il tedesco riporterà a casa). Gli stessi partigiani figurano in toni poco edificanti. Il “Grigio” è lo “scemo del paese”: l’unico combattimento del quale si rende protagonista è quello con Maciste, un gallo cedrone, col quale si contende il possesso di un mitra; mentre Costanza, l’“Eroina della Rivoluzione”, scivolerà anch’essa nel dispotismo, come i repubblichini, impegnata com’è in un’azione convulsa di vendetta, incurante dei bisogni e delle rimostranze altrui. L’obiettivo di attentare alla vita di Mussolini ha la maggiore su tutto. La donna ordisce di farlo utilizzando come base strategica la trattoria di Domenico, senza che questi vi si possa opporre. Appena prova a farlo, viene minacciato e fatto chiudere in una delle camere.
Un romanzo senza eroi, dunque. Dove i personaggi rappresentano persone comuni o, se vogliamo, degli anti-eroi. Il timbro espressionistico con scelta di registri linguistici diversi, dal dialetto alla lingua straniera, crea una narrazione naturale e multifocale: esistono tanti punti focali quanti sono i personaggi che entrano in scena.
Il narratore, a sua volta, si limita a una registrazione diretta, estromettendosi come interprete e mediatore, rinunciando così al ruolo di giudice, ovvero di colui che detiene il senso delle cose. Nessuno, neanche il lettore, è chiamato al ruolo di accusatore. Destreggiando antichi archetipi letterari, il personaggio è rimandato ai tipi della Commedia. Un modo di narrare che privilegia la riflessione esistenziale su scala cosmica, senza generare l’esaltazione o la demonizzazione di semantiche politiche. Le ragioni di vinti e vincitori lasciano qui il posto all’universo psicologico, alla condizione umana. Ed è questo che ci rende liberi di ridere laddove, invece, altri lo vieterebbero. Il riso, occorre sottolinearlo, non scaturisce da una mera rappresentazione ludica degli avvenimenti. Siamo qui di fronte a una raffigurazione ironico-critica della realtà, che condurrà, sul finale, alla degradazione della speranza. Il partigiano “Grigio”, infatti, a dieci anni dalla Liberazione, divenuto Sindaco del paese, rischia la condanna, “a causa di complotti orditi dall’opposizione”, per concussione e corruzione. Il mondo si rinnova, dunque, lasciando immacolati degrado e malfunzionamenti.
Si conclude così una poetica sapida ed evocativa, che con spunti satirici, al di sopra di fratture storiche, riproduce il brulicare della vita, denunciando amori e miserie che ad aeternum affliggono e dilettano l’animo umano.
Arianna Fioravanti
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lunedì, 12 novembre 2007
sfumare con maestra delicatezza i contorni pesanti della guerra
Alfio Fichera
Trattoria della pace
con alloggio e stallatico
Editrice Totem
analisi critica di
Francesca Ceci
Giorni di primavera. Prove di libertà.
L’Italia ne fu il teatro. Gli italiani attori.
Ci sono giorni dalle tinte neutre e sbiadite e ce ne sono altri che restano per sempre vivi e fanno la storia, giorni dal colore forte e dal valore duraturo che diventano emblema di un popolo, giorni che profumano di libertà.
Per questo da più di cinquant’ anni il 25 aprile ha smesso di essere semplicemente e solo una data per diventare simbolo e memoria.
E’ festa, festa di liberazione , fine di una vicenda sanguinosa e drammatica.
E’ la fine per l’Italia della seconda guerra mondiale, un conflitto dai disastrosi contorni durante il quale la violenza non conobbe limiti .
L’Italia per decisione di Benito Mussolini prese parte alla guerra scendendo a fianco dei tedeschi .
Sono le 18.30 dell’8 settembre 1943 quando il generale Dwight Eisenhower, seguito un’ora dopo dal proclama del maresciallo Badoglio, rende pubblico dai microfoni di Radio Algeri l’armistizio di Cassibile, segretamente firmato il 3 settembre del 1943, atto col quale il Regno d’Italia si impegna a cessare le ostilità contro le forze inglesi e statunitensi.
I tedeschi da alleati diventano nemici e l’Italia subisce una doppia occupazione militare: le truppe anglo – americane risalgono lentamente la penisola, il resto del territorio italiano invece è occupato dai tedeschi.
In Italia si combattono due governi opposti: il governo Badoglio al Sud il governo di Mussolini al Nord, comunemente conosciuto come Repubblica Sociale Italiana o di Salò.
E’ questo l’aspetto più drammatico della vicenda: si racconta che ci si spara tra italiani, fratelli d’Italia che ad un tratto imbracciano i fucili l’un contro l’altro armati, resistenti da una parte, coloro che hanno deciso di collaborare con il governo fascista di Salò dall’altra.
La nostra storia parte da qui, è una storia di italiani e non solo che ha valore e portata universale perché è la lotta eterna per la libertà, lotta che fa di piccoli, sconosciuti uomini eroi di un istante, un istante che può fare la storia di un popolo.
“Trattoria della pace”, romanzo dal tono fluido e scorrevole, capace di alleggerire e sfumare con maestra delicatezza i contorni pesanti della guerra con la leggerezza sapiente di una puntuale ironia, è ambientato dentro e fuori una trattoria che è sì un luogo fisico reale ma diventa ben presto metafora della stessa cara patria Italia, luogo di incontro tra personaggi diversi, appartenenti ad opposte fazioni , che , ironia della sorte, mangiano allo stesso tavolo , ignari l’uno dell’altro, eroi per caso o per scelta.
L’Italia spezzata, spaccata in due, l’Italia occupata, metà tedesca metà alleata, l’Italia degli italiani contro altri italiani, l’Italia sconfitta eppure vittoriosa.
L’Italia in guerra .
I protagonisti del libro diventano allora la faccia reale di questa guerra che prende vita e forma negli occhi e nelle parole di ciascuno.
Una guerra pertanto che non ha un solo volto ma ne ha tanti: ha il volto intimidatorio e indagatore di un maggiore della Guardia Nazionale Repubblicana che incute terrore ma anche quello liberatore e leggero di un sergente della divisione americana che prefigura speranza, ha il volto coraggioso e ansimante di libertà di una giovane, bellissima maestra arruolata tra le file partigiane e ha il volto impaurito e incerto di un modesto proprietario di trattoria, uomo in apparenza di indole mite, che alla fine tira fuori quel coraggio che non ti aspetti tu e non si aspetta neanche lui da se stesso…
Ma davanti alla lotta per la vita ciascuno di noi diventa prima eroe di se stesso e alla fine anche degli altri.
Ed è solo allora che “resistere” assume un significato più ampio che ci accomuna tutti : resistere alla guerra per re-ESISTERE, per esistere ancora, una seconda volta, tornando alla normalità semplice della vita, dopo le atrocità della guerra, magari guardando in compagnia una puntata di un giovane Mike Buongiorno ancora in bianco e nero, conduttore alle prime armi di Lascia o Raddoppia , non più eroi di una guerra ma uomini emozionati davanti a uno strano, nuovo mezzo che si chiama Tv.
Eroi o forse no… semplicemente uomini perché la Resistenza, in fondo, ancora prima di essere l’evento storico di portata mondiale che tutti ricordiamo e celebriamo è stata la piccola, grande, coraggiosa, personale Resistenza di tanti uomini come Domenico, Adalgisa e Costanza.
Francesca Ceci
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lunedì, 12 novembre 2007
un gioco di contrappesi e di antinomie
Alfio Fichera
Trattoria della pace
con alloggio e stallatico
Editrice Totem
analisi critica di
Lapenta
In attesa dell’alba.
Quel momento di particolare suggestione e di trasporto emotivo che segna il risveglio dall’oscurità, dal timore e dall’attimo di sospensione tra una vecchia, desueta, statica e una nuova, incerta, ma comunque nascente vita.
Il racconto che si avrà modo di leggere nelle pagine di Alfio Fichera è centrato fortemente su questa dimensione dell’attesa di qualcosa che è nell’aria, ma di cui non si ha piena certezza.
Le dimensioni meta-narrative dello spazio e del tempo assumono, quindi una valenza molto forte in questo contesto, risultando essenziali per la comprensione del genere testuale, non immediatamente riconducibile a quello storico-politico di stampo neo-realista.
La Storia si snocciola quasi interamente in un arco di tempo ben definito (dal martedì del 10 aprile 1945 al mercoledì 25 dello stesso mese e dello stesso anno), salvo fare alla conclusione un salto temporale di dieci anni.
La ricostruzione dei fatti salienti relativi all’evoluzione della guerra iniziata nel 1940 è condotta da Fichera in maniera estremamente puntuale e storiograficamente corretta, ma soltanto per quanto attiene i soli quindici giorni, prima del fatidico annuncio trasmesso da Radio Londra: la rivolta delle città italiane appartenenti alla cosiddetta Linea Gotica contro il regime nazifascista ed il dileguamento di Benito Mussolini, il Capo della Repubblica Sociale Italiana. Insomma la vittoria dei Comitati di Liberazione costituiti dai partigiani.
Il fulcro del racconto, la Trattoria della Pace, è una sorta di microcosmo e di luogo topico per Vallarice, il ridente paese bergamasco della Val Brembana descritto nella seconda giornata. La collocazione spaziale è minuziosa; le descrizioni degli ambienti sia interni che esterni precise e puntuali. I personaggi che man mano fanno la loro comparsa nel racconto vengono presentati, uno ad uno, con estrema caratterizzazione, prima fisica e, poi, morale. Dovizia di particolari Fichera li propone specialmente quando descrive i combattenti, i membri della Guardia Nazionale Repubblicana o gli alleati, sia inglesi che americani del Corpo Italiano di liberazione. È il tripudio di termini, di nomi di armi e di modi di fare militari che, oltre a caratterizzare fortemente ogni figura, riflettono pienamente la formazione culturale e l’esperienza di vita dell’autore.
Eccellenti, poi, le descrizioni dei personaggi femminili, indipendentemente dai ruoli più o meno importanti. Da Adalgisa Bertelli, moglie passionale che ci tiene molto a conservarsi bella, ma un po’ libertina, a Costanza Pellegrini, la giovane e bella maestra di Vallarice, membro del partito della Resistenza partigiana.
Due esempi di donne che, nonostante il diverso temperamento, possono ben raffigurare la figura ed il ruolo femminile di quel particolare momento storico. Adalgisa, sebbene non compia atti eroici di nessun tipo, anzi amoreggia con il nemico scatenando la gelosia del marito, Domenico, accoglie e sostiene la causa dei partigiani, trovando persino idee geniali.
Costanza, invece, è la parte attiva e la stratega della Resistenza. È l’intraprendenza, il coraggio e la passionalità calata in un personaggio che irrompe, in un certo senso, destabilizzando l’universo maschile. Sarà lei, infatti, a convincere il bonario Domenico, il proprietario della locanda, a vestire gli abiti, nientemeno che del nemico e a trasformare la Trattoria della Pace in una vera e propria trappola per i nazifascisti.
I rapporti che Fichera mette ben in evidenza tra loro due esprimono una visione del mondo femminile fatta di complicità, di condivisione di valori come l’amore e l’amicizia che non si incrinano facilmente. Una prova eloquente è la capacità, da parte di Costanza, di perdonare l’ex-collega di scuola, Alba Finazzi, esattamente il suo opposto, sia per bellezza che per ideale politico.
Anche in questo caso, lo scrittore intesse e suscita l’interesse narrativo proprio con un gioco di contrappesi e di antinomie che si risolvono, alla fine, felicemente in una perfetta coincidenza di intenti e sentimenti. Un lieto fine, dunque, anche dal versante delle relazioni interpersonali tra i vari personaggi a ciascuno dei quali Fichera aggiudica metaforicamente un premio. Per Costanza, Adalgisa e persino alla sgraziata Alba Fanizzi l’amore e la gioia di sentirsi nuovamente amate. A Domenico il coraggio ed il vanto di poter dire di aver fatto la sua parte, a Carlo Emanuele Filiberto Oderisi di San Marzano la nomina a tenente colonnello e le nozze con una piacente nobildonna, emiliana come lui. Un premio per tutti, persino per i personaggi secondari come il “Grigio”, un giovane ventiduenne dalle buone doti fisiche, ma considerato da tutti lo scemo del paese e per Giustino Trebozzi, il custode del cimitero di Vallarice, ma soprattutto frequentatore assiduo della grappa del proprietario della Trattoria.
Per il primo, il finale è particolarmente inaspettato e quasi paradossale, mentre per il secondo, un uomo che con la morte fa i conti tutti i giorni, la conquista della vita legata all’arrivo della fine della guerra.
In un processo di rifrazione e sovrapposizione dell’immagine meta-storica e meta-filosofica, Fichera ripropone il classico incastro del racconto nel racconto: una storia più grande e importante (quella della RSI) in una più piccola e semplice, comunque suggestiva ed appassionante. Per la Trattoria passeranno, alloggeranno, convivranno e dialogheranno (in lingue e idiomi diversi come l’inglese, il tedesco, il bergamasco) contemporaneamente una diversità di tipi di umanità. Ciascuno con la loro storia, cultura, formazione ed orientamento. Ciascuno con la propria caratterizzazione; ognuno personaggio di se stesso e di altro da sé, ma comunque protagonisti semplici, a volte impacciati.
Non il capo dei capi, ma il popolo comune fatto di uomini e donne con vizi e virtù, uniti e disposti a combattere per uscire dal loro stato di asserviti, diventare eroi nel loro piccolo, con i loro poveri mezzi ed un po’ di fortuna.
Una sorta di quartiere generale, dunque, la Trattoria della Pace trasforma scemi, ubriaconi e codardi in veri e propri risolutori dei fatti, in grado di testimoniare e conservare la pace.
Forse anche in modo più eclatante e divertente di quanto possano fare un capitano travestito da prete ed un Maggiore dello Special Air Service britannico in veste di cameriere.
Ed è proprio questo aspetto di commistione, trasformazione e (s)mascheramento che capovolge e confonde continuamente il registro narrativo a fare da sfondo a questo racconto dal quale ci si può attendere tutto e il contrario di tutto.
Sbaglia chi lo intenderà solo come una testimonianza ed una ricostruzione storica di un momento doloroso. In realtà, i presupposti sono appunto di natura tragica. Fichera lascia nella trama del racconto, a volte direttamente, altre indirettamente attraverso le affermazioni dei protagonisti, un’analisi profondamente critica delle condizioni socio-politiche ed economiche persistenti che sono esplicative non solo di Vallarice, ma dell’intera Nazione. Gli elementi tragici ci sono tutti: la guerra, le fucilazioni, le esecuzioni sommarie ed ingiustificate dei nazifascisti, la crudeltà di alcuni di loro, la miseria morale e materiale che incombe e impedisce qualsivoglia sviluppo. E, poi, la povertà e le ristrettezze economiche per cui diventa impossibile persino acquistare ciò che costa meno o poter preparare un pasto decente. Velatamente, ma con estrema chiarezza Fichera taccia il sistema imperante che vieta di imparare l’inglese o di leggere i giornali. Una filosofia ancora più subdola della schiavitù fisica e dell’impossibilità a muovere un passo autonomamente, senza essere soggetti a controllo. Ed è proprio su questo aspetto che l’autore indugia a riflettere, ma senza calcare la mano, sposando quasi la concezione del tragico, alla Agostino Lombardo, legata all’impossibilità morale e fisica del non vedere e, di conseguenza, del non conoscere e poter dire la propria.
Ma, ben presto Fichera consegna ai lettori questo piano alto nelle mani del comico. Il tono ed il lessico del racconto, inizialmente alti e descrittivi, diventano sempre più colloquiali ed informali, proprio nel momento in cui lo scrittore introduce la componente comica, sovrapponendola e ibridandola con quella tragico-romanzesca. Il discorso diventa inevitabilmente paratattico, nei dialoghi, conferendo al racconto sveltezza, linearità ed accessibilità.
Una battuta dopo l’altra, il fraintendimento giocato sull’errata comprensione linguistica, i doppi sensi e la confusione semantica suscitano comicità ed il sovvertimento del senso nel suo opposto. I fraintendimenti che Fichera ingenera in alcuni dialoghi sono particolarmente esilaranti, soprattutto quando associa la comicità del linguaggio a quella dei contenuti.
Il risultato è formidabile: i personaggi, alcuni dei quali portano già nel loro cognome una traccia di comicità, prendono colore e dinamismo svelando le loro debolezze e raggiungendo la catarsi completa.
In particolare, le ultime pagine del testo sono una narrazione estremamente comica, che suscita ilarità nel lettore, predisponendolo ad un epilogo lieto. Le verità testuali e non solo quelle relative agli avvenimenti di lotta armata si palesano, quindi, come realtà nude e schiette, senza giri di parole. Ma, che si tratti della povertà e della miseria alterata e incrementata dalla guerra, o della meschinità contrapposta alla generosità, del coraggio, della fede e, finanche, della morte: tutto viene sviscerato e presentato indirettamente dalle parole, dalle allusioni e dai pensieri degli Oppressi con estrema disinvoltura, quasi con ingenuità.
C’è tutto ciò, insomma, che può servire al lettore per orientarsi e calarsi nel racconto; avere chiari i riferimenti spazio-temporali ed anche di affezionarsi, in qualche modo, ai personaggi descritti, condividendone sensazioni ed emozioni.
Ed è in questo preciso momento che all’alba dei protagonisti coincide anche quella del lettore.
Lapenta
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giovedì, 18 ottobre 2007
felice atmosfera di sogno
Cristina Castellani
Tra le braccia della luna
poesie
Editrice Totem
Analisi critica di
Alessia Pagnotti
Da un’immagine vibrante di significati poetici ad una lirica che richiama costantemente gli aspetti visivi della realtà.
Non si avvertono disgiunzioni tra la produzione pittorica di Cristina Castellani e la raccolta poetica Tra le braccia della luna, suo testo letterario d’esordio il cui titolo stesso cita un omonimo quadro dell’autrice (e dal quale è a sua volta citato), in cui è facile cogliere la felice atmosfera di sogno.
Un dialogo insomma, dove immagine e parola si fondono e, talvolta, si confondono dando vita ad una forma di espressione rivolta verso un ideale completamento delle due forme artistiche.
L’autrice attinge principalmente da sé, dal proprio vissuto quotidiano e dalla percezione della natura e dell’altro: il sentimento è la chiave per comprendere la realtà, il sogno, come leggiamo in “Oltre”, la via di salvezza.
L’intimismo delle opere, non deve però trarre in inganno: le poesie di Cristina Castellani sono tutt’altro che disgiunte dalla realtà, anche quella dagli aspetti più concreti e attuali. L’autrice, acuta osservatrice della natura e dei sentimenti umani, sceglie infatti anche tematiche “sociali” (si vedano “Sperduto Angelo”, “Solo per te” e “Bambino Incas”) che a volte sfociano in un vero e proprio atto di critica nei confronti di una società vuota, basata sulla sopraffazione del prossimo e sui falsi moralismi (ne siano un esempio “La Corsa” , “Moralità” e “La Forza”).
L’atteggiamento di sfida che ritroviamo nei singoli componimenti, è però anche quello generale del poeta che si confronta con un mondo superrazionale, con una società dove è l’economia -e non certo l’arte- a fare da padrona. Se è facile ritrovare in ogni epoca un atteggiamento di opposizione o di vero e proprio rifiuto dei poeti e degli artisti in generale, nei confronti del proprio momento storico, oggi il discorso si completa di nuovi elementi. La comunicazione globalizzata, l’informazione continua e totalizzante riescono ad entrare in ogni aspetto del nostro vivere quotidiano accelerando i nostri tempi ma contemporaneamente e paradossalmente, privandocene. La creatività artistica ne risulta profondamente modificata e dall’altro lato, dal lato del lettore, fondamentale punto di riferimento in ogni testo letterario, la comprensione di un testo poetico, più ancora che di un romanzo, potrebbe risultare un atto quasi “anti-contemporaneo”. La poesia impone infatti tempi lunghi e lenti, momenti di lettura accompagnati da momenti di riflessione, dunque una situazione che parrebbe rappresentare l’opposto di quella dettata dai nuovi mezzi di comunicazione, internet in testa. Eppure, e anche le contraddizioni sembrano essere una costante nella storia dei vari movimenti artistici, proprio la rete web pare essere diventata il maggiore punto di riferimento tra gli autori più giovani e in cerca di affermazione e i lettori. Anche se, bisogna dirlo, pochi dei poeti apparsi sul web trovano spazio nell’editoria libraria e ciò rappresenta senza dubbio un gran peccato, internet rappresenta comunque un buon trampolino di lancio ormai registrato anche dalla cultura ufficiale ed accademica.
Se dunque vive e vegeta un movimento poetico che si appropria dei nuovi media e vi adatta i propri stili, la risposta alla contemporaneità si manifesta anche nella scelta di continuare ad utilizzare supporti più collaudati. Le previsioni sul futuro della carta stampata sembrano oggi aver abbandonato i toni catastrofici per lasciarci immagini più concilianti: internet non ucciderà mai il libro, rassicuriamoci perché ci aspettano invece lunghi periodi di convivenza. Ben vengano allora tutti quegli scrittori coraggiosi, e quei poeti in particolare, che, con uno sguardo verso il nuovo, continuano ad aver fiducia nel testo stampato, con la speranza che la contemporaneità non abbia ancora consumato tutto il tempo e il sentimento di noi lettori.
Tra le braccia della luna è dunque una raccolta da premiare per la propria sincerità e coraggio, per l’autenticità che manifesta nelle proprie scelte editoriali come in ogni singolo componimento poetico. L’universalità del sentimento e dei temi e le suggestioni visive che accompagnano le parole, si rivolgono dunque a chiunque abbia il desiderio ad avvicinarvisi con il cuore, più che con la testa.
Interrogando le poesie, senza la durezza di un giudizio, ma secondo la propria sensibilità e cultura, la risposta non tarderà ad arrivare.
Alessia Pagnotti
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mercoledì, 17 ottobre 2007
sguardo malinconico sulla diversità
VITO CAPORASO
L’ora del lupo
Favole a corrente alternata
EDITRICE TOTEM
Analisi critica di
Vincenzo Colosimo
Un percorso singolare ed encomiabile, fantasioso e reale nel medesimo tempo.
Attraverso un percorso “in fieri” la legge della vita e della quotidianità, i ricordi dell’infanzia e della propria esistenza saltano all’occhio come valori sublimati e ormai dimenticati.
Quei valori e principi eclissati dietro false speranze e false ricerche ancora esistono dietro l’ombra dell’autore che, con creativa immaginazione e semplice alterazione, li rievoca e li estremizza.
Estremizzare vuol dire risaltare…alterare vuol dire rielaborare!
In un contesto sociale stravolto e sconvolto da materiali visioni e tecnologiche soluzioni, la fantasia di un ricordo, di un amore, di un concetto ormai astratto, lontano nel tempo e nello spazio, riporta con incanto ad una concezione umana e sociale ormai superata, ormai inesistente.
L’emblematico valore di tutto ciò e racchiuso “passo dopo passo” nel semiotico racconto di un evento, di un esperienza vissuta, di un attimo trascorso nella memoria del passato.
Ed è proprio attraverso un salto sentimentale nel passato che la nostalgia di una vita ritorna alla vita,che la malinconia dei ricordi cancella la stessa vita.
Il valore di un ricordo va oltre la memoria:impresso nel cuore vive d’amore.
In un inestricabile confronto di tematiche, come un racconto nel racconto, l’autore spinge fino all’inverosimile le sue storie: intrinseco e visibile appare sempre la tematica di fondo, ma varie e infinite sono gli aspetti e i temi ravvisabili e percepibili.
Da una memoria di un ricordo, dolce e incantato, reale e vissuto, alla crudeltà di un gesto, freddo e distaccato.
Attraverso una linea di condotta trasversale, fatti e avvenimenti, esprimono nella loro diversità profondi significati: dall’importanza dei valori, ormai dimenticati, alla malvagità di un gesto fino a toccare con determinata espressione punti cardini della società attuale.
Una società “crudele”, una società misantropa dove tutto automaticamente è deformato dalla meccanicità corrente.
Lo spirito autorevole di questi racconti, mistifica quasi naturalmente anche le parole più forti e crudeli: ammesso e concesso che tali si possano definire.
La varietà temetica e la natura reale e concreta ma ugualmente leggera e scorrevole dei racconti, si adatta ad un contesto sociale molteplice e variabile:utile per i piccoli, fondamentale per gli adulti.
Formativo per i bambini, educativo per gli adulti.
Il racconto a volte “macabro”, a volte tenero, nei suoi due elementi contrastanti tra loro evoca fantasiosa e dolce immaginazione ma anche malinconica e crudele realtà.
Il passaggio da uno stato d’animo all’altro nel lettore è elemento caratterizzante di ogni avventura.
La loro struttura a “piramide frastagliata” in un ordine crescente, varia nel suo innalzarsi il sentimento umano: a volte immediato, a volte impercettibile.
I “colpi di scena” singolari e inaspettati, sembrano quasi “traumatizzare”(metaforicamente parlando) il lettore, lasciandolo esterrefatto e inebetito di fronte un perentorio cambio di realtà interna al racconto.
Da un inizio idilliaco e sognatore, si passa ad una crudele realtà di fatto, dove il tenero gioco di un “apparente nonno” e di un bambino, si manifesta come illusoria espressione di una realtà diversa, completamente estranea all’idea iniziale.
L’ora del lupo, intrigante e fantasioso ma senza sconvolgimenti strutturali, si presenta come un “utilissimo compagno di vita”:da portare con sé, da leggere con calma e concentrazione, preferibilmente di sera con un atmosfera leggera e silenziosa.
Quasi mistificatoria e trascendentale, la ricerca della fede assume sfaccettature diverse: dal contrasto bene/male e dal giudizio universale, si passa all’introspezione interiore e all’importanza della coscienza come principio espiatorio, come sentimento atto alla Redenzione e sublimazione di sè stessi, attraverso la consapevolezza dei propri errori e delle proprie colpe.
Tutta la struttura, antica e moderna, reale e fantasiosa, assume connotati morali ed etici, proiettati all’insegnamento, al messaggio e al sentimento.
Ed è proprio attraverso una memoria “alla memoria” che l’immobilità del tempo e del ricordo trasmette messaggi di vita e di costume, di coscienza e consapevolezza.
Il silenzio stesso, rievocando trascorsi sereni e felici, incanta il proprio Io e distaccandolo dalla realtà lo spinge verso un mondo parallelo, lontano anni luce ma vicino poche miglia: non occorre, infatti, andare troppo lontano,è sufficiente cercare dentro di sé, dentro il proprio cuore e il proprio animo.
È in questo modo che si avverte l’immobilità del tempo e della memoria, del ricordo e del suo silenzio: come fotogrammi, le emozioni del cuore e i messaggi dell’animo, proiettano un film dove spettatori e attori, sono la medesima cosa.
L’intera narrazione attraverso un viaggio personale nel proprio passato riflesso nel presente esplica “in divenire” tematiche varie ed eterogenee.
Comune all’intera narrazione è il tema della “morte”nella sua più varia espressione: morte fisica, materiale, spirituale, ideologica e trascendentale.
Le tematiche dell’amicizia, degli affetti, della metamorfosi genetica e umana, riportano alla luce momenti e atti imprescindibili di una società cambiata e profondamente alterata.
I rapporti umani modificati, resi quasi scientifici e distaccati testimoniano il passaggio da una visione idilliaca e romantica, ad una visione tecnologica delle concrete avventure e degli stessi esseri umani.
L’amicizia diventa “tecnica”, l’affetto dei cari, all’ombra dei cipressi, mera formalità; la fede stessa da spirituale diventa materiale.
La perdita di ogni legame, della “propria ombra” come conseguente uccisione della propria spiritualità, esprime concetti di alto contenuto, dove il recupero interno avviene solo tramite un tuffo nella propria memoria e nel proprio ricordo.
Questo ricordo inteso come celebrazione di un evento o di un personaggio ma anche come semplice atto vissuto, acquista tramite l’introspezione e l’analisi, un significato leggendario ma favoloso ma anche nostalgico e ormai perduto.
In questo lungo viaggio trasversale e trascendentale, dove metafisica e fisica s’incastrano, paradossalmente, tutto sembra circondato da un alone di speranza ma anche di rassegnazione.
Osservare da un finestrino la “morte virtuale” di ogni essere o cosa rappresentativa di un epoca, di un momento storico, porta a riflettere con sguardo malinconico sulla diversità dei gesti umani e dei medesimi oggetti.
Tutto è improntato alla funzionalità tecnica: i legami umani, la fede e la stessa anima.
La narrazione lineare e semplice, senza artificiose figure retoriche, ma solo simbologie e metafore educative ed efficaci, contribuiscono ad una lettura appassionata e trasportatrice.
L’importanza del testo è cogliere gli aspetti nascosti ma visibili, rielaborarli e trasmetterli, con l’obiettivo di assimilarne i contenuti e i concetti.
L’ora del lupo, visto come “ora della morte” va oltre se stessa e la sua definizione letterale.
È una “morte” sottile, ma non impercettibile; è una “morte” umana e sociale.
“Morte” e memoria in reciproca simbiosi, fungono più da immaginaria evocazione che letterale strutturazione.
Il senso di un viaggio reale e immaginario nello stesso tempo, consente la libera interpretazione del racconto e più importante, il proprio immedesimarsi nelle storie narrate.
Quasi paragonabile ad uno “scheletro narrativo” dove mantenendo la base si modificano i fatti e le situazioni tangibili e personali.
Da qui la bellezza non solo contenutistica, ma anche strutturale dell’intero racconto: l’adattabilità e il personale coinvolgimento sono espressive circostanze.
Immergersi nella lettura significa leggere sè stessi e il proprio essere: significa leggere il proprio vissuto, il proprio trascorso e il proprio presente.
La magnificenza del racconto, la sua varietà tematica, sfugge però da una lettura pessimistica e insidiosa: tutto è organizzato strutturalmente e scritturalmente in modo da alleggerire il racconto stesso.
Lo scopo principale è, infatti, la riflessione, non solo l’assoluto nichilismo di se stessi e della natura che ci circonda.
Riflessione in quanto ri-scoperta e ri-valorizzazione di ciò che si è perso nel tempo, ed auspicabile è il ri-approprio di quei valori e sentimenti che un tempo ci caratterizzavano e rendevano “essenze pure”.
Un consiglio? Mentre leggete provate a “immergervi” nel racconto e ripercorrete gli attimi della Vostra vita come un film proiettato nei Vostri occhi!!
Io l’ho fatto e l’effetto immediato è stato un rigoglioso senso di rigenerazione interna.
Vincenzo Colosimo
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lunedì, 15 ottobre 2007
analisi dei nostri codici culturali
VITO CAPORASO
L’ora del lupo
Favole a corrente alternata
EDITRICE TOTEM
Analisi critica di
Silvia Trentini
Uno scontro fra scena e proscenio, un percorso nella sua vita e fra quelle che con essa si sono incrociate non “per dare una lezione” o per farsi profeta di una giustizia e di leggi sociali, ma andando oltre al suggerimento di una morale, per proporre di guardare alla realtà non solo dalla platea, per far incontrare il mondo oggettivo con le sensazioni soggettive. Questo propone Caporaso nella sua raccolta di vicende, favole e narrazioni.
Dietro a episodi di vita comune, mostra con semplicità complice e agghiacciante la crudeltà che a volte la vita obbliga ad edulcorare, costruzioni sociali irrispettose di rolex che permettono di trattare con diniego e che stizziscono se non confermano la propria autorità. Irriverenti scherzi del destino o della mente che ci intrappolano nella rivisitazione “senza diritto di replica” delle nostre azioni, del nostro relazionarci e che mostrano un giudizio universale ancor più surreale.
Ci troviamo così travolti da un simbolismo che rimette in discussione il dualismo tra realtà e spirito, di visibile e invisibile. Caporaso lo fa con garbo ma con determinazione, riesce a scardinare le certezze che ci permettono di non vedere il male nei nostri affetti, ma allo stesso tempo mostrando come a volte questi siano l’unica cosa che ci possa salvare, come siano gli unici nella nostra vita ad essere considerati portatori di un conflitto di interessi se chiamati a giudicarci.
Andando oltre a ciò che è direttamente visibile dall’occhio umano, Caporaso riempie le sue pagine dei simboli del mondo, proprio come la mamma nasconde nel lupo cattivo la malafede di certe nostri incontri. Un susseguirsi di forti contraddizioni, di drammaticità, di ossimori e antitesi che richiamano alla ragione l’orrore tipico della vita, mostrandone il peccato e la perversione, ma riuscendo anche ad assaporare l’armonia e la serenità che si incontrano nella vita, e anche dopo.
Caporaso guarda al mondo con un misto di curiosità e disappunto; interesse e vitalità verso quella Natura che lo avvolge e rasserena fra le Dolomiti del Trentino, che lo inebria di tramonti e lo stupisce di magie; ma anche disappunto, amarezza verso la Natura che guida la vita delle persone e che spesso decide per loro, che produce scherzi del destino capaci di segnare il volto delle madri. Brevi racconti, che attraverso la proposta di immagini ed esperienze, spingono con violenza alla riflessione, a togliere le maschere e vedere il male, la morte che si cela in sorrisi di circostanza, in gentilezza che imbroglia, in “maniche larghe” che segnalano l’incongruenza fra sacro e umano. Quasi uno spleen baudleriano, la morte che incombe e si insinua, il male che sta nei bambini oltre che nei fiori, nell’indifferenza mascherata da piranha.
Ma c’è altro, c’è tanto altro in queste pagine che fanno sorridere di quotidianità, ma che qualche paragrafo sotto concludono il racconto con un pugno allo stomaco.
Una scrittura che scorre veloce sotto gli occhi, che si ripete in testa con i suoi termini comuni, con i dialoghi che ritroviamo come nostri… e proprio per questo può sconvolgere ancora di più, perché conosciamo la sensazione della rabbia, dell’ingiustizia subita e anche fatta ma che vogliamo evitare. Caporaso, con metafore e fantasie non lo permette. Ma sempre per questa sua semplicità riesce a prendere con sé anche i nostri amori, la comune speranza in una giustizia divina che si manifesta a noi ricompensandoci con fiori che non appassiranno mai sulle tombe dei giusti.
Sono favole a corrente alternata proprio per questo, perché mescolano verità a fantasia, bene e male.
Ed è l’ora del lupo proprio perché siamo chiamati a metterci in gioco, come fanno i bambini nell’ascolto della favola della buona notte, inconsapevoli di andare alla scoperta del mondo attraverso la negoziazione dei simboli e dei significati della vita quotidiana, iniziati all’immenso palcoscenico della vita dove l’uomo diventa attore e si misura con gli altri. L’autore ci inizia invece all’analisi dei nostri codici culturali, fa luce sugli stratagemmi delle persone quando si relazionano con gli altri e propone la rivalutazione del bene e del male attraverso inconsci parallelismi. L’intrecciarsi di racconti di vita e pagine di pura fantasia, in un ordine destrutturato, riesce però in conclusione a fornire un quadro omogeneo di una filosofia di vita che fa della analisi critica e della metaforizzazione il suo carattere dominante; con parole semplici di quotidianità parla di Cristo e di Satana attraverso fantasia pura o richiamando l’attenzione su fatti di cronaca realmente accaduti. Il giocare con l’aldilà, con le forze del bene e del male, umanizzando ciò che è entità astratta, riesce a rendere ancora più concreto l’approccio dell’autore: Dio che, vittima anche lui del proprio carattere mutevole, riacquista il sorriso la notte di Natale mentre Satana portatore di morte e malvagità ordina il disastro sulla linea metropolitana di Roma a una seguace che poi all’ultimo si ravvedrà alla vista di un bimbo mendicante, invisibile invece agli occhi “buoni” degli altri passeggeri.
Niente quindi di ciò che è la nostra realtà è coerente con l’oggettività comune e la soggettività altrui, niente è privo di interpretazioni, diverse angolature, richiami d’amore e d’odio reconditi al raziocinio. Contenuti articolati questi, a volte difficili da accettare nelle parole delle persone, ma proposti con pulizia e linearità, senza acrobazie letterarie e dominati da una sintesi che rende ancora più densi e tesi il racconto e il suo significato. Proprio lo stile privo di una ricerca di stupire il lettore, rende ancora più agevole l’immedesimazione di quest’ultimo nelle vicende di normale straordinarietà che si susseguono senza una logica apparente; parole semplici, numerosi dialoghi, racconti fra amici, gossip fedifraghi fra colleghi, cene di mezz’estate, incontri con sconosciuti che ci richiamano figure del passato, favole fatte di pesci, di San Pietro, di spiriti innamorati del luogo del loro trapasso. L’intera narrazione è segnata dalla semplicità, con sparsi qua e là altrettanto semplici orpelli tipici di quando si raccontano gli episodi della propria vita o di quella dei nostri compagni di viaggi, con gli immancabili siparietti comici che danno colore ai fatti. Ricche di botta e risposta, di scambi di opinioni e di metafore, le pagine scorrono via veloci, mettendo in evidenza lo stretto rapporto con l’aldilà e la Morte che l’autore porta con sé fin dall’infanzia e che ora rivive e rivede senza il filtro dei genitori, ricamando le sue nuove favole della Buona Notte dalla vita trascorsa. Inseguire la sorte e darne una spiegazione oltre l’apparenza, questo ora vuole Caporaso, questa è la sua attuale ora del lupo, che non ha più le sembianze dell’aggressore di Cappuccetto Rosso o dell’uomo nero riparato nell’armadio ma che adesso si presenta con il suo nome, la Morte, e con sembianze sempre diverse, spesso difficili da riconoscere, spesso simbolo della nostra società, spesso semplice destino. Non essendoci più la possibilità di proteggersi fra le braccia rassicuranti dei genitori si deve aprire i sensi ai gesti d’amore che nonostante tutto ritornano costantemente, e godere, proprio come fa l’autore, dei ricordi, dei colori e delle sensazioni.
Silvia Trentini
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domenica, 14 ottobre 2007
visione cinica di un’esistenza
VITO CAPORASO
L’ora del lupo
Favole a corrente alternata
EDITRICE TOTEM
Analisi critica di
Saveriana Fredella
Trascendendo nell’animo più profondo dell’io, interrogato e consapevole di una vita malsana, breve, minima e inavvertitamente asociale e superficiale, il libro cerca di penetrare quello che i nostri occhi accecati da una patina di plastica tentano di coprire e di non vedere, e di sottolineare come l’esistenza dell’uomo, se pur precaria, è una sfida, è solitudine, è morte.
Perché “l’ora del lupo”? E chi è il lupo? Il lupo è un animale che incute timore, il senso della paura, il panico, è un uomo senza ragione, feroce, che accecato dall’orrore della sua esistenza uccide, sbrana, annulla, un po’ come la vita che noi tutti percorriamo, sudicia, inaffidabile, che si abbandona a stupide frivolezze e non va oltre l’involucro apparente dell’individuo.
Ma il lupo è anche la dolcezza di un essere che ha bisogno che lo spirito del mondo lo coccoli, lo cerchi e non lo caratterizzi in un sistema.
Attraverso il racconto breve cioè il modo di raccontare un’esperienza vissuta che poi diventa esemplare, la metaforizzazione della scrittura in cui la sensualità ed il godimento del linguaggio vengono marcati e elementi carichi di simbolismo in cui gli oggetti prendono forma e la scrittura crea una corrispondenza tra il mondo oggettivo e le sensazioni soggettive in cui vi è un recupero spirituale di tutto ciò che esiste nella realtà che non è visibile all’occhio umano il libro diventa un percorso ed un viaggio attraverso esperienze autobiografiche e non, raccontate dall’autore Vito Caporaso in terza ed in prima persona, che cercano attraverso l’inavvertita voglia di suscitare la fantasia e la perdizione in luoghi, fatti, sentimenti, racconti di un mondo fatto di preclusioni, di dolore ed orrore, che porta tutto ad un’unica congiunzione, la morte; l’evoluzione di un proprio percorso o solo uno stupido circuito esistenziale?
La morte è spiegata nel racconto di “Massimo”, un tenero germoglio la cui esistenza è stata segnata verso un tramonto di sogni spezzati a causa di una malattia; e ci si chiede se è giusto, si pongono delle domande ma senza una risposta che possa definire un senso.
Attraverso racconti narrativi, l’autore cerca di catapultare il lettore nelle parole, mediante la descrizione di oggetti che si materializzano e prendono forma in uno spazio incrostato dal peso mortificante dell’uomo medio.
L’uomo come un animale, come una scimmia che si spulcia nel racconto “The Grooming” che non bada che agli altri e che presuntuosamente crede di essere una mosca bianca in mezzo ai suoi simili, un èlite di un’inavvicinabile giudizio.
L’uomo avaro, in cerca di potere che fregherebbe pure se stesso per raggiungere la sua meta nel racconto “L’Appartamento”; qui però l’autore esalta il lieto fine in cui il sentimento dell’amore, quella follia segreta, l’amarezza soffocante e nello stesso tempo una salutare dolcezza prende forma, si materializza con i corpi vecchi di due amanti che antepongono se stessi alla vita e vivono solo di felicità.
Entrando nell’intrinseco labirinto episodico che il libro ci propone, restiamo fulminati da quanta grazia e da quanto pudore la gentile schiera dei ricordi dell’autore viene mossa attraverso ridondanze pudiche e come il loro rispetto e la loro fotografia in bianco e nero diventi lacrima, verso un’infanzia difficile ma speciale e riconoscente come nell’episodio de “La vipera” o “All’ombra dei cipressi” dove la morte diventa silenzio di pace e gioia fugace.
Il puzzle sognante si contorce anche proiettando racconti inerenti a pittori illustri come “Michelangelo”, o immagini riflesse del pensiero come “Il pesciolino Isidoro” , o chiedendo aiuto al grande Maestro Gesù di Nazaret, che con tagliente ironia e un sottile gioco di casualità rendono partecipe il lettore di come il bene ed il male creino sconclusionati equivoci, elevate emozioni e profetiche invocazioni.
Vito Caporaso ci prende per mano, attraverso la visione cinica di un’esistenza che chiede e mai dà, egocentrica, istrionica, che reca alle emozioni, alla sensibilità, all’amore il soffocamento ed il suicidio della propria imperfezione in questo mondo dove per tutto debba o almeno sembra essere perfetto.
Saveriana Fredella
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sabato, 13 ottobre 2007
Una esplicita geografia inconscia
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COME CRISTALLI AL SOLE
CLAUDIA GATTI |
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Titolo : COME CRISTALLI AL SOLE |
| Autore : CLAUDIA GATTI |
| Casa editrice : Editrice Totem (Lavinio) |
| Sito Web : www.editotem.it |
| Collana : Clan |
| Genere : Narrativa moderna |
| Pagine : 108 |
| Data pubblicazione : Maggio 2007 |
| Prezzo : Euro 15,00 |
| ISBN : 978-88-902894-7-7 |
Una fantasmagoria di innesti narrativi che si succedono sulla tastiera picchiettata di una sensibilità originaria che sembra chiedere al lettore una condivisione totale e silenziosa. Una esplicita geografia inconscia di richiami agli affetti terapeutici della scrittura che nel raccontare sospende il tempo e quindi il vivere non è più un problema. L’Autrice non occulta un sostrato narrativo legato alla teoria della differenza a causa dell’impossibilità di comunicazione con l’universo maschile e quindi le donne di “Come cristalli al sole” sono sempre al centro di inquietudini eternamente divise tra il desiderio di libertà e bisogno di legami. Claudia Gatti, al suo esordio letterario, esprime una densità avvincente di piani mentali che si intersecano e si sovrappongono in una sorta di morsa letale per il lettore già dalle primissime pagine coinvolto e catturato da tutti i possibili indizi utili a sciogliere l’amaro happy end di amori enigmatici che non possono intrinsecamente essere chiari. (Gianfranco Cotronei)
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postato da: laureato alle ore 13/10/2007 17:24 | Permalink |
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giovedì, 11 ottobre 2007
La favola come antidoto alla notte
VITO CAPORASO
L’ora del lupo
Favole a corrente alternata
EDITRICE TOTEM
Analisi critica di
Vita Rita Santitto
Il tempo da destinare alla lettura, come la soglia di attenzione da dedicarle, oggi si è irrimediabilmente ridotto.
Bisogna quotidianamente fare i conti con una vita sempre più frenetica e cinica.
Queste motivazioni sembrano giustificare il motivo per cui il racconto breve sia diventato, nella narrativa contemporanea, il rappresentante più significativo delle elaborazioni letterarie del nostro tempo.
La rapidità e l’essenzialità sembrano le caratteristiche che lo portano a premiare: la necessità di eliminare tutto ciò che è superfluo, accessorio, suggerendo, piuttosto che descrivere fino in fondo, preparando la rete in cui resterà preso il lettore.
Di racconti brevi, agili, dove la favola e la notte diventano quasi un’endiadi indissolubile, è costituita la silloge L’ora del lupo. Favole a corrente alternata.
Già dal titolo intuiamo che tra le righe si nasconde un fantasma minaccioso: il lupo, animale da sempre considerato molto pericoloso.
Antagonista in molte favole, ha rappresentato, nel tempo, la minaccia maggiore per gli uomini e ha prevalso, a suo riguardo, il significato negativo di immagine delle potenze selvagge e sataniche. Sebbene ci siano leggende in cui, al contrario, lupe allattano e crescono bambini, diventando, da animale da preda, protettore di creature indifese, in ogni caso predomina la paura del “lupo cattivo”.
Il lupo simboleggia, per lo più, la perfidia e la slealtà, come ci ricordano tante e tante favole.
Anche nell’interpretazione psicologica, l’incontro onirico con esso richiede all’uomo lo sforzo di canalizzare una gran quantità di energie estranee, comportando lo scatenamento di notevoli tensioni.
Ma, se per la psicoanalisi freudiana la liberazione dell’ “uomo dei lupi” comportò delle conseguenze, la scuola junghiana lascia qualche speranza: le immagini del lupo vengono, in genere, intese come allusioni alla minaccia di forze incontrollate che compaiono in modo “intelligente” e incondizionato. Nella favola questo “inconscio irruente” può essere, però, circuito dal fanciullo avveduto o dalla capretta, sicuri che il grande cacciatore lo potrà vincere.
La favola , d’altronde, costituisce una grande riserva di simboli.
La favola come antidoto alla notte, metafora del mistero, del perturbante e della morte.
La favola come rimembranza dei tempi felici, i tempi dell’innocenza, ormai persi per sempre, ma dissepolti attraverso il ricordo e la scrittura.
Assenze che si vogliono rendere presenti attraverso artifici, lasciando che i fantasmi del passato possano prendere vita nell’opera nel momento in cui si comincerà a leggerla.
La scrittura, d’altra parte, secondo un’espressione di Freud, è comunicazione con l’assente, al contrario della parola che viene acquisita come presenza.
Caporaso riesce, con la freschezza e la semplicità di un nonno, come scrive in Un giorno o l’altro, a restituire frammenti di memoria altrimenti destinati all’oblio, oscillando tra il racconto fantastico e surreale e la rappresentazione di eventi quotidiani.
Favole a corrente alternata, per l’appunto, raccontati per flashback, che ci immettono ora in situazioni paradossali, ma purtroppo reali, o verosimili, come direbbe Aristotele, ora, in altre, dove ad agire è piuttosto il desiderio di fuga dalla realtà.
I racconti si snodano, così, quasi come in una tetralogia, dal momento che sono percorsi da registri che vanno dall’ironia alla tragedia, dal visionario alla favolistica.
Nel primo registro possiamo includere Mi venga a trovare…, Sondaggio triste, Errore di calcolo, La prescrizione, Giuseppe e il teorema dell’amicizia, The grooming, Con giocosa ironia, Composizione n.1, Negli ultimi vent’anni, Posti riservati…, Intermezzo, …E posti trafugati, Il peso dell’anima.
In questi racconti l’incontro/scontro con l’Altro lascia alla fine un senso di amarezza, nonostante l’autore con humor riesca a restituirci brillantemente i momenti vissuti.
Ci imbattiamo, così, nel primo racconto, in prepotenti e boriosi incuranti del “prezzo” del tempo della vita altrui, reso efficacemente dall’opposizione: falso Rolex di tremila lire, sfoggiato dal protagonista in congedo dal dis-Onorevole possessore del vero e prezioso Rolex, (entrambi, però, misurano allo stesso modo il tempo che scorre!); nel secondo ci scontriamo con l’invadenza e con la diffidenza ispirata dall’amico di turno ; in Errore di calcolo nella malasanità presente, insospettabilmente anche nelle cliniche più lussuose.
E ancora, in amicizie interessate: “amici” pronti a non rialzare più la cornetta del telefono non appena hanno ottenuto ciò che volevano, o, almeno, fino alla prossima richiesta di qualche altra “cortesia”; nella amara delusione per una notte passata in bianco alla ricerca di quaranta amici veri, per scoprire che l’amicizia è un tesoro davvero raro; o nel bel mezzo di un viscido gossip fatto a spese di malcapitati colleghi.
Anche le incursioni in eventi di cronaca, come il caso “mucca pazza”, diventano occasioni per sperimentare con disgusto lo squallore dei piani alti, certi che, quando si è giunti al congedo, ci sarà qualcun altro a prendere il nostro posto e ad andare ai “funerali”;o la presa di coscienza di quanto possano essere “ordinari” certi Ordinari all’Università.
Passiamo ora ad esaminare il secondo gruppo, o del tragico, come La classe, Il tesoro di Barbanera, Donna Giulia.
Questi tre racconti sono caratterizzati dall’elemento sorpresa, che si abbatte, inaspettato e devastante, come uno tzunami, nella vita che sembra scorrere tranquilla, pur nel dolore che ad ognuno può toccar di vivere. Il tragico, anzi, il mostruoso, spesso si nasconde dietro la facciata della più insospettabile dimora. Penso che non occorra aggiungere altro, per non rovinare il piacere della lettura.
In Io, Giovanni…, La fuga del silenzio, Il ritorno di Daniele, L’ultima vittima, L’ombra e l’asfalto, Il Natale del cavaliere, l’autore analizza con spirito critico gli aspetti consueti della vita reale e li sviluppa in situazioni che ne colgono e accentuano i lati paradossali.
Il soprannaturale irrompe, così, nella quotidianità, destando sulle prime meraviglia, per essere, infine, accolto e accettato con naturalezza.
In essi non vi alberga l’orrore, è piuttosto il mistero, l’inquietante, il perturbante, ospite oscuro della mente umana ad operare.
Emergono, come del resto in quasi tutte le storie di questo testo, i valori spirituali del narratore che, disilluso puntualmente e inflessibilmente dal genere umano, sembra mettersi fiducioso nelle mani dell’Altissimo, col quale in Io, Giovanni…ha un incontro ravvicinato.
Questi racconti possiamo annoverarli nel vasto filone rappresentato dalla narrativa fantastica e surrealista, etichette che possiamo apporre, ma solo a costo di una forzatura, dal momento che non si tratta di una narrativa ascrivibile al genere del “fantastico puro”, né tantomeno al vero e proprio surrealismo, mancando i canoni tipici di questo movimento, ovvero la scrittura automatica e la deformazione onirica.
Surrealista è, piuttosto, la rilettura che si fa di alcuni esempi di racconti romantici dell’Ottocento, come quelli di Hoffman e di Poe( ascrivibili invece alla letteratura fantastica “pura”), modificati e rinvigoriti dall’innesto di contenuti kafkiani, come ad una certa filmografia che ricorda molto Ai confini della realtà .
Possiamo annoverare tra la favolistica: La vipera, L’ora di Giuda, Storia di Isidoro, Un giorno o l’altro, Il camper dei miracoli, L’ultima strega.
La solitudine fa emergere il ricordo dell’antico calore delle braccia materne, quando era lei a iniziare al mondo incantato delle favole l‘autore, a trasfigurare la realtà con le gocce della fantasia, a scacciare il lupo, dissipando ogni paura e sciogliendola in tenerezza, come lo stesso Caporaso ci confida.
Accogliendo la preziosa eredità, si accosta al mondo infantile, ma, forse, anche al fanciullino che custodisce ancora.
E, allora, ecco che, come nella Storia di Isidoro, anche un delfino può sorridere per aver salvato un pesciolino imprudente dai denti aguzzi di un piranha cattivo; far appello alla fantasia per spiegare, con le parole più dolci, al nipotino curioso, la cruda legge di natura: Un giorno o l’altro …; o L’ultima strega riuscire a redimersi poco prima di morire.
Il Bene è più forte del Male, sembra volerci ricordare l’autore, a volte si somigliano anche, come in L’ora di Giuda, occorre saper discernere, facendo sempre molta attenzione.
Legati insieme da uno sfondo che si staglia come una nota amara, la narrazione si profila come una meditazione sulla morte e un’inquietante colloquio con l’anima.
La morte sembra continuamente aleggiare su ogni racconto, metaforicamente resa presente da termini come, ad esempio, capolinea, tramonto, o da i più disparati spunti: dalle visite al cimitero, o, dall’occasione di uno sfratto esecutivo, che porta l’io-narrante a percepire come profanazione di un segreto la visita del- L’appartamento di una coppia di anziani, ultimi testimoni di un’”antica e bellissima storia d’amore”, passati ora a miglior vita.
Possiamo far rientrare alcuni di questi racconti nel filone intimista e memoriale che si riappropria di coordinate introspettive sperimentate nella narrativa novecentesca europea sull’onda della Recherche proustiana.
Sviluppando il tema precipuo del ricordo autobiografico, si destituisce di valore qualunque intreccio, mirando alla ricreazione di particolari atmosfere e stati d’animo.
Le narrazioni, vuoi ambientate nella città eterna, dove il Nostro risiede, vuoi nella città natale, delineano per lo più spazi geografici definiti, come a limitare regioni spirituali, referenti di avventure esistenziali.
Volendo esemplificare la prevalenza dei paesaggi interiori dei racconti si può far riferimento a L’appartamento dove, ad una minuziosa descrizione del mondo concreto, fa riscontro la configurazione degli ambiti insondabili della mente.
Un’altra ricognizione nella mente, trasfigurazione letteraria di alcuni temi ricorrenti nella biografia del narratore, tratteggiata poco alla volta in ogni racconto, la troviamo in quella che possiamo definire una trilogia: Posti riservati…, Intermezzo, …E posti trafugati.
Il viaggio in treno diventa palcoscenico della coscienza del protagonista, illustrazione, nella descrizione quasi “diaristica”, delle beffe che spesso la vita riserva trasformando in un’avventura rocambolesca quel che si prospettava come una semplice commissione.
La non linearità che si avverte nella lettura del testo, costituito da un continuo andirivieni nel tempo soggettivo, nella memoria, ci immette nell’immaginario dell’autore.
D’altra parte, la diegesi è in grado di superare i limiti della logica rettilinea, consequenziale, per esprimere la particolare natura dei sottili legami e dei fenomeni profondi, complessi, della creatività letteraria.
Se il tema della memoria, il richiamo al passato, cercando tra i frammenti del vissuto la tessera mancante che possa dare un senso alla vita, è stato uno dei temi cardini della letteratura novecentesca, svolgendo una forte attrattiva, e conducendo ad una proliferazione dell’atto di scrivere, la ricerca di qualcosa di definitivo, venendo disattesa, delusa dalla sua incompletezza, porta lo scrittore a ergersi solo come tessitore di trame.
Lo scrittore sente l’esigenza di raccogliere le idee, di concatenarle per potersi esprimere, ma avverte che le parole per comunicarle perdono il loro vero significato.
Nemmeno il pensiero può venire in aiuto per realizzare l’aspirato concatenamento.
Non resta che affidarsi alle parole per descrivere delle situazioni, per suggerire delle atmosfere.
Nel lavoro della scrittura le parole vengono concatenate in frasi, imprigionate attraverso i soli materiali del linguaggio e in tutto ciò gioca la propria parte l’inconscio.
Ecco il perché del bisogno di una costruzione a corrente alternata, il continuo bisogno di cambiare registro.
Il movimento che si genera, lungi dall’estinguersi, produce, invece, un dinamismo, verso un punto del passato inafferrabile, come un punto asintotico generativo.
Tutto è legato, dunque, da una pulsione inconscia: esorcizzare la morte attraverso le parole, sfuggirle attraverso la costruzione di trame, seguendo quel bisogno metafisico rappresentato dall’illusione e dalla fantasia.
Dietro le vicende narrate si cela la sfida tra lo sguardo umano e la realtà delle cose, i giochi mentali di cui lo scrittore dispone per dire la sua sul mondo, manifestare la sua weltanschauung: la realtà è tragica.
Il tragico, allora, si manifesta sotto diverse spoglie: dalla dimensione del ricordo al trasalimento surreale, la quotidianità appare assurda, cruda, frustrante, talora violenta o banale, sebbene la speranza nel riscatto sia presente.
La redenzione può avvenire anche un istante prima di morire. Bisogna solo volerlo.
Vita Rita Santitto
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mercoledì, 10 ottobre 2007
Persino negli spezzoni più realistici
VITO CAPORASO
L’ora del lupo
Favole a corrente alternata
EDITRICE TOTEM
Analisi critica di
Zafarana
Una delle chiavi di volta de L’ora del lupo, questa raccolta di racconti, di fiabe e di brevi brani situati a metà tra narrativa e fiaba, è di certo bene rappresentata da un concetto di fondo: la stretta e spesso tribolata relazione che sussiste tra infanzia e maturità dell’uomo. La stessa strutturazione in tal senso particolarmente articolata dell’opera, che continua ad insistere sull’alternanza tra questi due poli opposti, ne conferma la basilare importanza. Al di là infatti della presenza nel testo di fiabe vere e proprie, qui, il rimando alla dimensione fiabesca, come d’altronde viene bene preannunciato dal tenore del titolo, è quasi onnipresente. Persino negli spezzoni più realistici e spesso, potremmo dire, più crudi di questa lettura, possiamo ritrovare in molti casi lo stile ammiccante, pervasivo, quell’invito dinamico di chi vuole ad ogni costo “interagire” con una fantasia priva di freni come quella dei bambini, che è proprio, per l’appunto, del pensiero fiabesco.
E il culmine di questa imprescindibile relazione, giunge al suo perfetto compimento, almeno in termini diretti, nel racconto Il tesoro di Barbanera. Qui si avverte quasi il senso dell’adempimento dei cicli della vita di ogni uomo nel rapporto perfettamente simmetrico e commovente che si intuisce con forza nel leggere di questo uomo molto anziano, ormai giunto alla fine dei suoi giorni, che gioca con un bambino. Si tratta di una simmetria che allude certo alla complementarità e all’indissolubilità dell’infinita, cosmica relazione tra la morte e la vita. Relazione esistenziale che viene direttamente attestata in questo brano, ad esempio quando parlando del signore anziano si afferma: <<L’uomo grande non rispose, se non con un divertito sorriso di comprensione, che evidenziò ancor più l’intreccio reticolare del suo volto rugoso>>. Da questa descrizione viene fuori, quasi spontaneamente, mediante la semplice constatazione di un effetto naturale, come nel vecchio, l’espressione positiva determinata dalla carica vitale di un sorriso, vada ad accentuare per contro proprio il segno di una decadenza fisica che volge sempre più verso la fine. Anche in questo caso si può facilmente scorgere in altre parole la sovrapposizione, la commistione del concetto di vita, di nascita, di carica creatrice con il concetto di morte, distruzione, logoramento.
Ma una tale manifesta complementarità tra il vecchio e il bambino non si presenta come un elemento perfettamente inquadrabile secondo una relazione matematicamente e meccanicamente bilanciata. Essa infatti viene turbata da alcuni attimi di scontro tra i due che si verificano al momento in cui il bambino si accorge che il suo compagno di giochi, per “stanchezza”, non riesce ad essere perfettamente partecipe e “presente” al gioco rifiutandosi ad esempio di scavare la buca <<nel giardino della grande casa>> entro cui poter riporre il loro personale “tesoro di Barbanera”: la buca verrà scavata infatti soltanto dal bambino. Qui, la protesta di quest’ultimo sembra corrispondere proprio ad una ribellione della vitalità stessa, della vita quasi nel suo senso più strettamente fisiologico, che trovandosi di fronte al suo opposto, intuisce la sconfinata malinconia di un distacco sconosciuto ma pure naturale e, in un certo senso, profondamente amico.
Così, come si stava accennando, il continuo riferimento dell’autore ad una dimensione che, assieme agli aspetti più problematici di una società “adulta” e composta da adulti, non dimentica mai di contemplare il mondo immaginifico della fanciullezza, prenderà corpo in un altro elemento che subito colpirà l’attenzione del lettore: il linguaggio adottato.
Questo, un po’ come succede non a caso proprio nelle fiabe, è un linguaggio che per lo più si presenta come familiare, “corrente”; è generoso, ci viene incontro, è un linguaggio che fa il primo passo, che ci viene a cercare e che si spande tutto intorno a noi, in maniera mutidirezionale, ma che in questa sua generosità quasi ci costringe con delicatezza a partecipare della sua danza di parole e di multiformi situazioni. È un linguaggio che però, in linea generale, pur in questa sua forte carica attrattiva, assieme all’andamento delle situazioni narrate, ci lascia liberi anche di rimanere in superficie, ci concede la scelta di limitarci ad intrattenere con l’autore un semplice rapporto di piacevole compagnia, o al contrario di scendere in profondità, fino ad immergerci completamente assieme alla parte più essenziale della nostra stessa realtà. Ecco perché L’ora del lupo si potrebbe di certo definire come un’opera esoterica ed essoterica al tempo stesso.
L’ironia che assieme alla peculiarità del linguaggio appartiene indissolubilmente all’ambito del suo stile, è quasi perennemente l’indiscussa sovrana ne L’ora del lupo ed assume di volta in volta le sembianze più inattese ed eterogenee: materna e delicata quando il suo oggetto e più vicino al mondo delle fiabe, sferzante, dissacrante e impietosa quando si muove all’interno di una narrazione più propriamente realistica. Ed è certamente proprio l’ironia, anche in questa sua forma ambivalente e dai toni contrastanti, che contribuisce, assieme alle caratteristiche del linguaggio qui espresso, ad amalgamare la materia di questi due poli opposti cui fanno capo, ancora, maturità e fanciullezza.
È importante però mettere adesso in rilievo altresì come l’autore non si riferisca a questo apparente dualismo considerandolo secondo quell’aspetto semplificativo e falsamente etico per cui il bambino corrisponderebbe ad un modello di bene assoluto mentre l’adulto e la società degli adulti si collocherebbero al contrario sotto un’insegna solo infamante ed esecrabile. Essere bambini non corrisponde affatto ad essere angeli. E questo assunto viene si potrebbe dire drasticamente puntualizzato dall’autore, con particolare rilevanza, nel brano intitolato La classe. Qui si sottolinea in modo drammatico fino a che punto sia un banale luogo comune quello di affermare l’ammissibilità di questa presunta identità bambino-angelo. E l’effetto dell’annientamento di una tale convinzione è ancora più accentuato dalla capacità che si riscontra nel corso della narrazione di abbattere, di distruggere dopo poche righe una frase come questa: <<È bello, aveva poi detto a se stessa la maestra, colpita dalla composta serietà del suo uditorio, parlare ai bambini. Sono semplici, aperti, generosi e umani, figli di un dio trasparente, portatori sani di un amore che non ha confini…Si, è bello parlare ai bambini!>>.
In questo racconto, forse come non mai, l’autore, decidendo di lasciar sprofondare la sua narrazione fino alle radici più remote dell’essere umano, si spinge fino ad interrompere di colpo ogni gaiezza, ed il tono gentile dal linguaggio accomodante e liberale usato un po’ nel corso di tutta l’opera si fa ad un tratto serio ed intransigente. La sua ironia si trasforma adesso in un’immagine dalle fattezze amare e funeree così da far percepire un abisso tale da irrompere e dilagare dentro l’esistenza del lettore stesso, dentro la sua realtà, fin quasi a compromettere per qualche attimo la fiducia assonnata nella sua stessa quotidianità e nelle persone che gli stanno immediatamente attorno. Si tratta di un momento in cui il fluire regolare della narrazione subisce una brusca interruzione che farà almeno in parte cambiare di segno retroattivamente al significato della lettura che si era dispiegata fino a quel momento e di quella che si dovrà ancora definire. Da ora in avanti, chiusa la lugubre, perentoria precisazione, si potrà forse ricominciare a giocare, riprendendo da dove si erano lasciati i momenti di commossa fragilità, le dissacranti critiche sociali, gli spunti caldi, sereni, ovattati delle riflessioni esistenziali, ma tutto ciò potrà riprendere solo a partire da una consapevolezza in più atta a ricordare ciò che per un attimo aveva scosso le fondamenta stesse del significato e del senso della natura umana.
È un profilo integrale dell’uomo dunque quello che emerge dalla lettura di quest’opera la quale se da un lato si esprime, come avviene nella gran parte del suo procedere, per mezzo di un tono prevalentemente giocoso, disimpegnato, da un altro lato invece non trascura non di rado di rivelarsi estremamente diretta, scottante.
E proprio in relazione a questa tendenza a cogliere integralmente e a differenti piani prospettici i diversi caratteri dell’animo umano, è importante sottolineare come questi siano qui considerati ora causticamente in rapporto ai vizi di cui l’uomo di società si fa fautore e portatore, ora, al contrario, secondo un’ottica che lo conduce ad una riabilitazione anche, se volgiamo, pedagogica della sua esistenza. È una condizione quest’ultima che si impone ad esempio nella descrizione del rapporto metafisico dell’uomo con un Dio cristiano che viene riesposto secondo categorie, ancora una volta, fiabesche, le quali non a caso ricordano quanto siano per un bambino vicine e quasi sovrapponibili le idee di fiaba e religione.
Il Dio che viene raccontato, sempre per far appello al senso di completezza che emerge dalla lettura del testo di Caporaso, è un Dio profondamente cosciente delle infinite debolezze umane e per conseguenza anche dotato di un’incalcolabile disposizione al perdono, ma, nonostante ciò, è anche un Dio che non trascura di tener sempre presente la netta distinzione che separa la condizione della dannazione spirituale dai suoi eletti.
È un Dio che non permette che le sue disposizioni vengano discusse, o men che meno contestate, ma che in tutto ciò non suscita il malcontento di chi viene coinvolto in qualche maniera ad un contatto diretto e profondo con la sua onnimpotenza in quanto, in un caso simile, chi si trovasse a suo cospetto non potrebbe non intuire l’incommensurabile giustezza dei precetti divini che ha avuto modo di conoscere, cosa questa che ne giustifica l’inappellabilità.
Innumerevoli sarebbero ancora gli spunti di riflessione che si potrebbero trarre da questo ricco e composito lavoro di Vito Caporaso.
Noi qui ci limiteremo tuttavia ad aggiungere, a completamento del punto di osservazione fino ad adesso suggerito, soltanto un’ulteriore considerazione espressa dai seguenti spunti di pensiero:
alternare o mischiare dei racconti per bambini a delle narrazioni prettamente rivolte ad un pubblico di soli adulti non significa forse spingere questi ultimi ad un avvicinamento verso il complesso e fatato universo dei bambini? E ancora: non significa condurre l’anima del lettore a ripercorrere le tracce della propria infanzia? Infondo in cosa consiste il fatto di diventare finalmente adulti se non nel ritrovare la propria infanzia dopo averla perduta?
Zafarana
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martedì, 09 ottobre 2007
un mondo etereo ed impalpabile
VITO CAPORASO
L’ora del lupo
Favole a corrente alternata
EDITRICE TOTEM
Analisi critica di
Marco Malacario
L’ora del lupo è una raccolta di racconti o, come suggerisce il sottotitolo di ‘favole’. Brevi componimenti magistralmente orchestrati dalla rapida ed icastica penna di Vito Caporaso. Ma multum in parvo: in ogni ‘favola’ vive una ricchissima esperienza di vita, associata ad uno sguardo attento ed indagatore, ad una mente acuta sempre proiettata a cogliere l’aldilà delle cose, a notare ciò che la torma indistinta e ingrigita non degna d’attenzione. “Di me amate il riflesso, quella memoria che sale dalle cose che tocco”, scriveva Andrea Pazienza nel 1983. Ed è proprio questo riflesso, questa memoria dolorosa e al tempo stesso struggente che incanta, sorgendo dalle pagine del libro; “L’appartamento è ammobiliato, ci sono tutte le cose che c’erano quando vi scorreva la vita, tracce di un passato che, di colpo, si è imposto alla mia incuriosita attenzione, lanciandomi un intrigante richiamo” recita un passo del racconto L’appartamento. I ricordi, amati compagni delle ore della nostalgia, sono uno dei poli, passando al sottotitolo Favole a corrente alternata, tra cui si alterna l’elegante scrittura di Vito Caporaso; l’altro polo è quello della dimensione favolistico-fiabesca che informa di sé una parte del narrato. Così la vipera dell’omonimo racconto muta le sue spoglie, trasformandosi da bracciale aureo in icona, intesa, con Florenskij, come una porta regale, un prezioso passaggio dalla veglia al dormiveglia che sembra condurci in un mondo etereo ed impalpabile in cui la nostra anima sfiora vette inimmaginabili, si astrae, entra in contatto con arcane verità che, come per l’estasi, le saranno sottratte quando tornerà alla realtà cosciente del giorno; così i bambini si avviluppano “al calore della mamma: sapevamo che stava per arrivare l’ora della magia ed era bello[…]”. Così, nel racconto Un giorno o l’altro, il narratore si affida “al magico mondo delle favole” per spiegare al nipotino dove va il vento quando soffia, facendo appello ad “un attacco di fantasia”, preferendo “raccontare panzane, vivendo l’orgoglio di una scelta infantile”. Così Caporaso ricorre alla favola, mai abbandonando la quotidianità o la realtà, ma proprio per spiegarle e raccontarle da un punto di vista altro. E per spiegarsi e raccontarsi la vita vissuta in prima persona, dando voce alla fresca ed argentina voce del fanciullino, spesso soffocata nell’età matura dall’assordante rombo della vita d’intorno. Proprio nel silenzio dei ricordi essa parla più squillante che mai, scevra ormai dalla paure di un tempo, quando l’uomo nero, Barbablù, l’orco di Pollicino, la strega di Biancaneve, i ladroni di Alì Babà o il lupo spingevano l’autore bambino a rifugiarsi nel “lettone”; e racconta, con gli occhi del lupo delle favole, una quotidianità in cui si aprono crepe che lasciano vedere inquietanti ed affascinanti orizzonti solitamente nascosti; nascono così racconti di buzzatiana memoria come Il ritorno di Daniele o Il Natale del Cavaliere in cui il reale si mescola con il surreale.
Aggiungono valore alla narrazione uno stile sostenuto, ma mai retorico ed un’ironia graffiante ed elegante con cui vengono rappresentati personaggi con cui tutti noi entriamo in contatto; di questa galleria fanno parte molti funzionari della labirintica burocrazia, moderna Idra di Lerna: il professore-presidente-onorevole-Eccellenza di Mi venga a trovare, pregno di indifferenza ed insolente tracotanza; gli agenti amministrativi del racconto La prescrizione coinvolti “nella difficile ricerca di un semplice foglio uso bollo che, però, ogni giorno di più, sembrava assumere le caratteristiche di un introvabile Sacro Graal”; i personaggi delle alte sfere che nel racconto Con giocosa ironia nascondono il loro volto dietro quello del protagonista mandato allo sbaraglio. Ci sono poi i gustosi bozzetti con cui l’autore ritrae gli agenti immobiliari nel racconto L’appartamento o il ferroviere stitico di …E posti trafugati che “elegantemente avvolto nell’attillata uniforme del prestigioso nuovo look aziendale, sembrava un flacone di Tantum Verde pronto alla bisogna”.
Oltre a questo palpita nelle pagine de L’ora del lupo un delicato sentimento di compassione, nel senso originario del termine, dell’affrontare, anche per un istante solo, insieme le salite di cui è costellata la vita; proprio la compassione è la chiave per abbattere il muro che divide il nostro sentiero da quello di un altro essere umano, per carpirne la voce celata ed umanizzante. Così accade durante il dialogo tra il protagonista e lo sconosciuto fioraio del racconto All’ombra dei cipressi: “adesso nel locale di Franca era sceso un silenzio solidale e complice, un silenzio di quelli che uniscono, stemperando imbarazzo e reciproca estraneità, perché, improvvisamente, nel giro di pochi minuti era emerso, nel cuore di due uomini, il comune diritto al ricordo di una persona speciale”. O nel breve, ma intensissimo, L’ultima vittima che, nella chiosa, recita:”E’forte l’emozione che nasce dai messaggi del cuore”.
Le favole di Caporaso sono dunque dei messaggi al lettore, dedicatario dell’opera, nel tentativo di dialogare, recuperando e dando un senso alla propria memoria, e vincere l’oblio ed il silenzio che, affidandoci alle parole de La fuga del silenzio, “potrebbe anche piacere e forse preso a piccole dosi magari fa pure bene, ma in caso di assunzione massiccia può essere fatale”.
Marco Malacario
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lunedì, 08 ottobre 2007
importanti riti d’iniziazione
VITO CAPORASO
L’ora del lupo
Favole a corrente alternata
EDITRICE TOTEM
Analisi critica di
Daniele Tempera
Alzi la mano chi non ricorda la fiaba di cappuccetto rosso. Il peregrinare della bambina nella foresta, il travestimento del lupo da nonna: tutti gli elementi di questa famosissima narrazione sembrano enfatizzare un delicato rito di passaggio. L’età dell’infanzia lascia spazio alla cosiddetta “età della ragione”, con tutti i dubbi e i problemi che essa comporta, primo fra tutti il delicato compito di distinguere il bene dal male.
Fu l’antropologo Vladimir Propp, che per primo identificò nelle fiabe il retaggio di importanti riti d’iniziazione. Queste cerimonie regolavano nelle comunità antiche il passaggio all’età adulta, tramite il superamento di prove spesso dolorose e pericolose. Orchi, streghe, lupi e quant’altro, tramandati oralmente dalle narrazioni popolari, non sarebbero nient’altro che la metafora degli ostacoli che questo delicato rito di passaggio comporta. Fu poi Carl Gustav Jung ad identificare nei personaggi e nelle vicende fiabesche, archetipi dell’inconscio collettivo. I mostri e le fate di queste narrazioni parlerebbero in realtà delle pulsioni e delle paure che scuotono in profondità la nostra cultura. Ben lungi dal considerare la fiaba come semplice racconto per bambini, essa si è rilevata quindi nel corso del Novecento, uno strumento di profonda e potente analisi della realtà.
E’ la struttura narrativa fiabesca ad intelaiare sapientemente questi racconti di Vito Caporaso. E se è l’inconscio collettivo a trovare un’efficace rappresentazione nella fiaba, in queste pagine è spesso il nostro inconscio nazionale a irrompere profondamente. La tragedia della seconda guerra mondiale, l’incubo del terrorismo, le aberrazioni e le linee d’ombra della guerra di liberazione, così come l’incidente del 2006 nella metropolitana di Roma o l’italianissima paura dell’infedeltà coniugale, sono solo alcuni degli elementi che compaiono in questi trentadue racconti.
“L’ora del lupo” è un viaggio all’interno di una memoria non di rado trasfigurata dalla fantasia, una narrazione ricca di sorprese. Caporaso sa come stimolare le nostre aspettative interpretative, per poi frustrarle spesso implacabilmente, direzionando la nostra attenzione verso nuovi livelli di consapevolezza. E se spesso l’autore si serve dei meccanismi propri della creazione fiabesca, talvolta non esita a rielaborarne la struttura. La rottura dell’equilibrio iniziale, infatti, non corrisponde sempre ad una riaffermazione finale di un rigido ordine narrativo caratterizzato dalla positività (Il classico “vissero tutti felici e contenti”). La reinterpretazione della struttura della fiaba, da parte dell’autore, caratterizzata talvolta da un mancato riequilibrio del racconto o dalla creazione di un ordine inverso, è funzionale piuttosto all’apertura di lucidi e attenti sguardi sul reale. Ed è soprattutto l’ambiguità e la difficile distinzione tra i poli morali di bene e male a caratterizzare prepotentemente queste pagine, in uno stile narrativo che vira spesso dal fantastico al noir. Accade quindi che la figura minacciosa di una vipera si trasformi in uno splendido braccialetto, che una strega contemporanea salvi un povero mendicante, che un gruppo di bambini idealmente innocenti si trasformi in un gruppo di orchi sanguinari, raffigurando così situazioni tristemente note al nostro presente.
E’ un male molto difficile da distinguere, quello che Caporaso descrive, polimorfo e ingannevole, un male che persino Leonardo Da Vinci ha difficoltà a raffigurare nel volto di Giuda.
Ma, se i “lupi” assumono spesso le sembianze più impensabili, la “foresta”, luogo in cui gli eroi delle fiabe genericamente si perdono o sono attaccati da mostri, è in questo libro pienamente identificabile. La foresta descritta da Caporaso sembra essere uno spazio labirintico, dal sapore vagamente kafkiano, uno spazio strutturato dalle distorsioni di un potere: burocratico, cieco e corrotto; uno spazio in cui il semplice cittadino si aggira spinto dal bisogno. Sono le disfunzioni aberranti del Belpaese a far vagare inutilmente il protagonista con abiti laceri per i corridoi di Montecitorio, a trasformare viaggi ferroviari in buffe e melodrammatiche odissee o a mutare un’innocua operazione chirurgica in un incubo da cui svegliarsi in fretta. Lo strumento che permette ai protagonisti di uscire illesi da queste “selve oscure” è allora quello dell’ironia, un’ironia magistralmente dosata, che risalta non raramente come un potente atto di accusa.
Ma l’uso della fiaba è nel libro anche funzionale al ricordo, una regressione sottile verso lontani e struggenti “posti delle fragole” che hanno segnato e addolcito la vita dell’autore. Sono gli oggetti, in una sorta di “lacrimae rerum”, a rappresentare maggiormente la nostalgia del protagonista e ad incarnare la vera essenza del passato. Sono queste forse le pagine più struggenti del libro; Caporaso che non esita a raffigurare l’infanzia e il dolore che l’ineluttabilità dello scorrere del tempo comporta, figurativizzandolo in oggetti che acquistano valore di lucidi simboli. Accade quindi che, in uno stile che oscilla tra il buffo e il fantastico, San Pietro provi una grande nostalgia dei tempi lontani in cui scarrozzava con un camper con Gesù ed altri apostoli nelle strade della Palestina, accade che entrando in una casa da affittare affiori nella memoria dell’autore la memoria di un amore leggendario consumato eroicamente nella quotidianità, un amore il cui aroma è ancora percepibile tra le mura domestiche, accade di rivivere il ricordo lontano dei genitori, nella fragranza di semplici fiori. Lo spazio narrativo si configura dunque come il luogo in cui i ricordi prendono forma, zona di riabilitazione di una memoria individuale e collettiva.
Se la fiaba classica marca spesso un rito di passaggio, Caporaso, non esita ad utilizzare gli strumenti del fantastico per identificare importanti fasi di cambiamento esistenziale. Ed è ancora una volta l’espediente dell’immaginario a descrivere l’umana assurdità del tempo che passa, ridisegnando continuamente il volto e le fattezze dei personaggi. Un silenzio progressivo sembra segnare maggiormente il passaggio all’età della maturità: un silenzio positivo che può scaturire da un vaso ingiallito (come il genio della lampada di Aladino) proprio durante gli onori e le ipocrisie di una festa di pensionamento, o un silenzio segnato dalla restrizione progressiva dell’universo del protagonista. Ma è sempre la volontà narrativa dell’autore a caratterizzare e a trasfigurare questo processo. Lo scorrere del tempo sembra così talvolta invertirsi o assumere direzioni e prospettive inaspettate nel racconto fiabesco di un nonno e nell’ironia di un nipote, o nello splendido racconto incentrato su un bambino affetto da senilismo precoce.
Il tema della maturità è poi spesso accompagnato dalla ricerca dell’essenzialità; è l’essenza del percorso esistenziale dell’autore a essere talvolta indirettamente ricercata, con un’esigenza che si manifesta nelle forme più variegate: da una discussione con un vecchio compagno di scuola, ad un dialogo tra il serio e l’ironico sull’anima.
Il meccanismo soggiacente alla narrazione è frequentemente quello del sogno. Nel sogno le figure più familiari assumono forme e caratteristiche assolutamente inaspettate, stimolando così i nostri desideri e le nostre paure; il sogno come spazio chiaroscurale, zona d’ombra leggera, dove la fiaba può verificarsi e interfacciarsi al nostro presente. E’ l’atmosfera onirica a determinare gran parte dei racconti, marcando ad esempio l’incontro del protagonista con uno splendido fantasma che assume i contorni di una fata (una stupenda raffigurazione sognante della giovinezza), o la vicenda di una fuga misteriosa di un ragazzo, in uno schema inquieto, che ricorda solo parzialmente quello della fiaba classica, arricchito da uno stile che indugia sapientemente verso un attento e studiato lirismo. Nell’addentrarsi fra le pieghe della narrazione, l’autore riesce spesso a piegare il linguaggio adeguandolo alla necessità di una reale comunicazione emotiva.
Ed è forse proprio nel racconto “La Fuga di Daniele” che si esplicita maggiormente l’abilità di Caporaso di sprofondarci in un mondo di dormiveglia, sospeso inestricabilmente tra sogno e realtà. Nella vicenda di un ragazzo che scompare inspiegabilmente tra gli aromi e i profumi dell’estate, per poi ricomparire altrettanto inspiegabilmente un anno dopo, sembra di intravedere quasi un rito di attraversamento del mondo delle ombre. Pollicino ha attraversato quel gioco di specchi inestricabili che è la realtà ed è ritornato a casa, ammantato (forse) di una nuova consapevolezza, accolto dalla famiglia come il “figliol prodigo”. Ed è in questo stato preonirico che la realtà si interfaccia col sogno, spingendoci verso nuovi livelli di comprensione emotiva.
“Caduti gli steccati della luce soltanto i cavalieri più brillanti saltano, e i mondi stanno appesi sopra agli alberi”, terminava così una delle poesie più note e intense del poeta Gallese Dylan Thomas. Gli universi, creati da questi racconti sono appena sopra di noi, sospesi, rovesciati, ma spesso paralleli e complementari alla nostra realtà, lasciando tutti noi cavalieri-lettori con la stessa: curiosità, attrazione e angoscia. Lo stesso struggimento, paura e gioia che proviamo talvolta nel socchiudere gli occhi di fronte alla notte.
Daniele Tempera
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domenica, 07 ottobre 2007
La riflessione dell’autore sulla vita
VITO CAPORASO
L’ora del lupo
Favole a corrente alternata
EDITRICE TOTEM
Analisi critica di
Nicola Figlioli
Un tragitto fatto di dossi, di salite e discese quotidiane, la cui direzione sfugge a coloro che si affannano a percorrerlo. E’ la vita descritta da Vito Caporaso nel suo libro: un percorso il cui attraversamento si svolge con la costante presenza della morte, scomodo compagno di viaggio che, come uno specchio in cui ci si riflette senza vedersi, sottolinea in maniera enigmatica la reale dimensione delle cose. “L’ora del lupo” è l’ora delle paure comuni, è il momento in cui la mietitrice sembra sfiorarci beffarda senza prenderci con sé, magari portando via chi ci circonda e lasciandoci lo spazio vitale per analizzare il passato in maniera serena.
L’autore organizza la sua narrazione in 2 parti distinte, attraverso 30 agili racconti dal ritmo altalenante, “a corrente alternata”, adottando un punto di vista mutevole e passando dal piglio autobiografico della prima persona ai commenti sagaci di un narratore esterno. Una visione multiprospettica, così come quella della vicende umane descritte. Storie ambientate nelle strade amate e conosciute, in primis di Roma, oppure in posti più reconditi, senza tempo; in sogni realistici presenti solo nell’anima dell’autore. Come in un tuffo in acque sempre più profonde, si passa, all’improvviso, dall’ironia sui potenti e sul loro cinismo di “Mi venga a trovare”, alla falsa sicurezza di sé che ogni uomo ostenta agli altri nella descrizione delle proprie virtù amatorie, come in “Sondaggio triste”. La penna tagliente trasforma, nel lettore, un semplice sorriso in una vera e amara risata, quasi una smorfia, a constatazione del meschino atteggiarsi di tante tra le persone che nella vita ci circondano. Una narrazione che si immerge così, senza continuità, in temi sempre più velati di malinconia e ricordi.
La presenza della morte appare in ogni storia, quasi sempre nascosta dalla subdola veste di una grave malattia, a volte deformante e spaventosa allo sguardo altrui. La malattia che strappa via i familiari, come la madre ne “La vipera”, o che rende un bambino grottescamente simile ad un anziano anche nel fisico, come il senilismo precoce nello struggente “Il tesoro di Barbanera”. Ancora, la malattia che trasforma chi ne è soggetto in debole e vittima delle angherie altrui, in “La classe” , o al contrario, il morbo utilizzato come uno scudo, furbescamente eretto di fronte agli altri per non adempiere i propri doveri, alla maniera del falso amico di “La prescrizione”. Ma è un male affrontato sempre con dignità e forza, anche quando una triste realtà fatta di medici poco competenti e ospedali freddamente sterili sembra fiaccare qualsiasi sentimento di resistenza. In questa lotta la dignità dei protagonisti è restituita dal buonumore, quando la malattia è solo una compagna di vita e non un presagio di morte, e dalla protettiva ironia nei confronti di alcuni camici bianchi deposti alla cura dei cittadini, che, in “Errori di calcolo”, non smentiscono la fama di avidi affaristi.
La riflessione dell’autore sulla vita e il suo aspetto quotidiano diventa, con lo scorrere delle pagine, sempre più difficile da porre, piena di dubbi: come un pensiero che cerca lumi sul confine tra il Bene e il Male. Un Male che si può mostrare crudamente, anche nella finta innocenza di un bambino capace di azioni indicibili, sempre ne “La classe”. La ricerca di questo limite indefinito è comunque riservata all’uomo e alla sua perseveranza e le varie epifanie, disseminate nella narrazione, tentano di mostrarlo. Bene e Male appaiono così l’unica parte di un circolo, il circuito frastagliato di dossi che gli uomini percorrono sulla terra. Tutta la difficoltà di questo discernimento si mostra in “L’ora di Giuda”, in cui anche il genio di Leonardo da Vinci si deve arrendere all’impossibilità di rappresentare con le sue arti l’Iscariota, il Male, nel famosissimo affresco de “L’ultima cena”. Il grande artista risolverà la sua immobilizzante angoscia rappresentando il traditore con le stesse fattezze di Gesù Cristo. Davanti ai lettori si mostra qui evidente la terribile rivelazione dell’ambiguità tra Bene e Male.
Quando la narrazione riprende una dimensione più quotidiana, ecco comparire lo spazio dedicato ai compagni di vita, agli amici veri e a quelli presunti. Amici che il tempo sembra inesorabilmente decimare, attraverso la sempre presente falce mortale. Amici che scompaiono, più semplicemente, per il ravvedimento del protagonista-narratore. L’avanzare dell’età porta a scalfire, infatti, l’illusione di essere stato circondato, nella propria vita, di presenze importanti, che, alla fine, si contano invece sulle dita di una mano. Affetti che si mischiano alle tante e anonime “conoscenze” che purtroppo si è costretti a frequentare più spesso, nelle occasioni di rito o per la soddisfazione di bisogni materiali. Cinici, come appaiono i compagni della rimpatriata in “La fuga del silenzio”, capaci solo di falsi sorrisi e cameratesca caciara, a tal punto da indurre il protagonista a desiderare, come dal titolo, un rasserenante e protettivo silenzio. Persone che quando si ritrovano insieme sembrano essere capaci di fare ancora più male agli altri di quando sono sole, similmente alle dita di una mano chiuse in un pugno. Folle che si tramutano in giurie senza ritegno e onore, nutrite dall’invidia e dalla maldicenza. In questa maniera appaiono i colleghi di lavoro in “The grooming”, uomini trasformatisi da semplici istrioni a vere e proprie “scimmie sparlatrici”.
Ma non di sole persone appaiono circondati i protagonisti de “L’ora del lupo”. Un ruolo decisivo nella narrazione assumono infatti anche gli oggetti, consunti dal tempo, narratori a loro volta di storie dimenticate, portatori di una simbologia enigmatica. Oggetti di gozzanesca memoria, come il vaso di “La fuga del silenzio”, metafora rovesciata di un vaso di Pandora che, invece di straripare di spiriti maligni, rende la giusta pace al protagonista. Oppure l’anello di “La vipera”, simbolo dell’affetto materno che l’infame mano di improvvisati ladri tenta, senza successo, di cancellare. Oggetti, ma anche esseri della natura come un cocomero o una rosa, che lanciano sapori e odori mai corrosi dal tempo e sempre vivi nel ricordo. Ed in una società dipinta in maniera così ironica nelle sue pieghe quotidiane, in un mondo di fatto cinismo e male lingue, sono poche le ancòre di salvezza indicate dall’autore. La prima è sicuramente la famiglia, l’affetto dei genitori, possessori di una saggezza e di una dignità proprie di un’altra generazione. La loro anima vaga sempre nel cuore dei figlio, in una narrazione che torna fortemente autobiografica. Ma spesso non ci si ricorda più la loro voce e bisogna risvegliarla tramite il rispetto e la fedeltà ai morti, costretti al riposo nel camposanto. Un rapporto così forte da sopravvivere alla scomparsa fisica e rimanere presente nei luoghi di chi l’ha vissuto, come descritto da “L’appartamento”. Non da meno è l’amore verso tutti gli uomini, che serve a salvarci dalla paura della vita, in primo luogo, e della morte poi. Sentimento descritto come slegato dal contesto della coppia ed esteso all’accezione caritatevole e cristiana. L’amore che si dona agli oppressi, ai malati, ai mendicanti e ai deboli.
Le ultime “favole” ridiscendono attraverso la quotidianità dell’autore e si legano tra loro in un allegorico viaggio in treno, attraverso cui Caporaso ci racconta, ancora con arguta ironia, le “italiche virtù”. Da “Negli ultimi vent’anni” a “E posti trafugati…”, passando per “Intermezzo”, il cono di luce proiettato dalla narrazione illumina la città di Roma, luogo di una vita serena ma in continua lotta con l’approssimazione di istituzioni e abitanti. Un viaggio di andata e ritorno, circolare e ciclico come l’andirivieni tra vita e morte di tutte le anime dell’universo.
A concludere “L’ora del lupo” non poteva che essere una potente rappresentazione del Male, che, in “L’ultima strega”, assume tutte le spaventose sembianze di Satana in persona. La bestia è qui alle prese con i malvagi ordini da impartire alla sua lussuriosa serva terrena. Ma, in poche righe, ecco che la sua terribile presenza viene prima stemperata, ancora dall’ironia e da un linguaggio effervescente del narratore, e poi addirittura sconfitta dalla protagonista, con un gesto estremo di ravvedimento finale. Una strega che, a cospetto dei suoi ultimi istanti di vita, sceglie a sorpresa la via dell’Amore.
Il messaggio salvifico, strisciante e nascosto in alcune delle storie, permea tutto il finale. Ed è così che “L’ora del lupo” non fa più paura.
Nicola Figlioli
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sabato, 06 ottobre 2007
assurdi paradossi della società in cui viviamo
VITO CAPORASO
L’ora del lupo
Favole a corrente alternata
EDITRICE TOTEM
Analisi critica di
Giulio Rubino
L’ora del lupo giunge prima dell’alba, quando la notte è vecchia e quando chi veglia, qualsiasi sia il motivo, più fortemente agogna la luce del sole.
È l’ora in cui molte persone nascono oppure muoiono, in cui i sogni sono più vividi e gli incubi più intensi. Ed è anche l’ora in cui una storia, un racconto ben narrato, può darci un po’ di sollievo dalla solitudine che sempre accompagna questo momento e fornirci di quella piccola spinta, di quel briciolo di forza, per arrivare a vedere il nuovo giorno, e magari di vederlo anche con occhi nuovi.
Sono racconti, quelli di Vito Caporaso, che sembrano esserci narrati dalla viva voce dell’autore, come i racconti di un vecchio amico davanti ad un caffè, o lungo una passeggiata serale.
Nelle sue storie c’è una vita assolutamente reale, tanto che ci scopriamo a sorridere insieme all’autore nelle sue riflessioni, a commuoverci con lui, riconoscendo nei suoi intrecci delle storie che ci sono quasi note, ma che trovano, nella sua particolare sensibilità, nella sua discreta ironia e nella sua capacità di stupirsi, il loro particolare senso, e che ci fanno riflettere su noi stessi, sulle piccole e grandi cose che siamo abituati a dare per scontate, sugli assurdi paradossi della società in cui viviamo.
In questo libro troverete racconti molto diversi l’uno dall’altro, in ognuno di essi l’autore esprime un diverso lato del suo sentire, collegato ai diversi aspetti della sua vita.
Un giovane studente si confronta con l’arroganza del potere, colleghi che si scambiano pettegolezzi durante la pausa del pranzo, disavventure di un viaggio in treno, da racconti assolutamente realistici come questi in cui Caporaso sottolinea con divertente satira il malcostume della nostra società, fino a storie in cui emerge la natura più privata dell’autore: la sua capacità di relazionarsi al mondo dell’infanzia ad esempio, come ne “La storia di Isidoro” un racconto che immediatamente ci riporta alle nostre favole della buonanotte, ma che nella vicenda abilmente costruita rivela anche una profonda e amara riflessione sull’indifferenza nei confronti del male, che è in fondo più orribile del male stesso.
In “Un giorno o l’altro” alla domanda di un intelligente quanto giovane nipote, Vito Caporaso racconta una favola di grande saggezza, interpretando con un invenzione il senso del diventare vecchi, quando spiega al nipote come da quel giorno in poi ringiovanirà giorno dopo giorno al suo fianco, finche il nonno si sederà piccino a fianco del nipote adulto
Si fondono i ricordi di un Italia che quasi non esiste più, e che sorge dalla memoria presente e viva dell’autore, con i mutamenti recenti della cultura del nostro paese.
La nostalgia dell’autore non è per i tempi di una giovinezza lontana, quando per un mondo di valori e sentimenti che nella confusione della nostra Italia contemporanea, si vanno perdendo progressivamente, la sua nostalgia è per la stabilità dell’amicizia, della famiglia, per il senso della riconoscenza, del rispetto.
Il viaggio nel tempo in cui Caporaso ci accompagna ci porta, dalle storie di un nipote a quelle di un padre, attraverso l’arco di quattro generazioni: nel toccante episodio intitolato “All’ombra dei cipressi” che apre la seconda parte di questa raccolta un uomo torna, dopo una lunga assenza, a visitare le tombe dei genitori. Di fronte alla loro scomparsa la sua sofferenza più grande è per l’affievolirsi dei ricordi, per l’aver dimenticato la voce del padre. Quasi in risposta alla sua pena, in destino ordisce per lui un fortuito incontro, con un fioraio che fu sottoposto sotto le armi di quel padre morto che, ed è proprio il ricordo di un estraneo che restituisce in una piccola epifania a quell’uomo la perduta serenità, in un istante di riconoscimento e di calore.
In “Negli ultimi vent’anni” Vito Caporaso ci trasporta con meravigliosa leggerezza nel vagabondare della sua memoria, attraverso un viaggio in taxi, nel traffico romano di cui ci sembra di vedere le luci e di sentire il rumore, dipingendo delle istantanee della sua strada di casa, che ci parlano dei cambiamenti, delle piccole illusioni e promesse del futuro.
Nel constatare il fallimento di quelle promesse, nella constatazione delle condizioni del presente, l’autore ci dimostra come si possa ancora provare un moto di giusta rabbia di fronte a quella che ci siamo purtroppo abituati a chiamare “normalità”, e, senza moralismi, ci fa stupire di nuovo, finalmente, di fronte all’arroganza, all’indifferenza, alla solitudine che si sono imposte nella nostra vita quotidiana.
Ma al di la della vita di ogni giorno, Caporaso dimostra grande talento anche nel darci la vera misura della straordinarietà dell’esistenza grazie alla sua elevata spiritualità. Non mancano, nei suoi racconti, momenti di vera e propria magia, che con grande discrezione si affaccia alla soglia della natura. In “L’ombra e l’asfalto” la ferita spirituale oramai sepolta dalla coscienza di un uomo si manifesta nella scomparsa della sua ombra, e, quando finalmente si accorge della sua mancanza, la ricerca che intraprende lo porta alla ricerca di un uomo, un missionario privo di un braccio, che pero ancora proietta l’ombra dell’arto mancante.
Come in questo anche in altri racconti la magia che ci racconta Vito Caporaso è il giusto limite scontrandosi col quale il racconto diventa veramente aderente alla realtà, entra discretamente e in modo talmente naturale che la riconosciamo subito come quella vera magia che ha, almeno una volta, fatto sentire la meraviglia per la vita in ognuno di noi. Naturalmente questi episodi sovrannaturali sono anche delle metafore, ma delle metafore mai banali ne didascaliche, che approfondiscono il senso delle storie, e rappresentano delle ricerche coraggiose nel vero senso della vita.
Come nelle parole dello stesso autore, è un libro questo che si mette al cammino al nostro fianco, che ci fa sorridere e commuovere e pensare, che ci accompagna gentilmente facendo eco ai nostri pensieri migliori, un compagno di viaggio semplice e generoso che renderà interessante un piccolo tratto del nostro viaggio, buona lettura.
Giulio Rubino
postato da: laureato alle ore 06/10/2007 14:37 | Permalink |
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venerdì, 05 ottobre 2007
espressione violenta dell’emotività
Claudia Gatti
Come cristalli al sole
Editrice Totem
ANALISI CRITICA
di
Serena Carsillo
Storie dentro storie, racconti, parole e dettagli per identificare uno stile di scrittura… Pillole d’inchiostro in un centinaio di pagine per parlare di romanzo… Basteranno?
Poco importa, i cristalli al sole di Claudia Gatti sono il pretesto per la narrazione. Lo stile semplice, diretto e caparbiamente nervoso si serve di frasi brevi e dialoghi serrati da divorare in pochi secondi. Un romanzo che lascia però aperti alcuni interrogativi, che incessantemente vuole far riflettere chi legge, forse vuole interrogarlo. Altrimenti perché affrontare tematiche diverse, attraverso il vissuto di personaggi eterogenei senza alcun limite spazio-temporale?
I racconti sembrano piccole monadi distanti l’una dall’altra, un incessante zapping fra vicende che guardano con occhi umani il caleidoscopio della società.
Nel turbine della narrazione è però possibile riconoscere alcuni temi ricorrenti, la verginità del foglio bianco sporcato con irruenza e passione dalla mano dei fantomatici personaggi, il diverso come eretico, la paura delle dissomiglianze, l’ipocrisia del benpensante.
Quasi politicamente scorretta, l’autrice si appropria dei pensieri dei suoi personaggi, li arricchisce di particolari. Particolari che non vogliono descrivere, ma evocare.
Il simbolismo di Claudia Gatti è funzionale all’espressione violenta dell’emotività che esplode con una forza tale da sfociare spesso nella poesia.
Lo stile dell’autrice va ben oltre il rapporto biunivoco fra significato e significante. La scelta delle parole è spesso dettata dal loro suono più che dal significato tradizionale, questo perché la parola deve poter evocare e creare suggestioni nel lettore.
A ben guardare, nella quasi totalità dei racconti l’autrice ci fa percepire chiaramente il diffondersi di una melodia. Che si tratti di un brano musicale, di una canzone, del mare in tempesta o dello scrosciare della pioggia poco importa. Il particolare del dettaglio soccombe e lascia spazio ad un’armonia sonora di ampio respiro che avvolge, coinvolge ed accompagna il lettore. Un leit-motiv totale che implicitamente e forse anche inconsciamente ribadisce l’importanza del suono, la sua purezza e la sua immediatezza.
La supremazia del suono permette all’autrice di esprimersi al meglio evitando inutili giri di parole senza scarnificare la narrazione, impreziosendola con l’uso della metafora.
Il potere delle metafore è quello di innescare una forza emotiva di rimando, perché l’essenza di un’espressione sostituisce quella del termine originario. In questo modo si delineano immagini pregne di emotività, che riescono a stimolare l’inconscio, la sua forza creativa. Una continua ed incessante suggestione.
Evocazione, simbolismo, passione per lo scrivere e nello scrivere, capacità di emozionare sono elementi che, inevitabilmente, differenziano un romanzo dall’altro.
I cristalli al sole ne sono un esempio, gli svariati errori grammaticali, le sviste, gli improbabili errori di battitura sono coerenti con il concetto base del romanzo ovvero l’irruenza del pensiero, che non ha bisogno di riletture e correzioni per arrivare e comunicare la sua forza. Le parole scivolano l’una dopo l’altra. Dopo un iniziale smarrimento il lettore riesce a capire che la scelta di non ritoccare e modificare è inevitabile per chi decide di non sovrastrutturare il pensiero. Mi piace pensare al flusso di parole come flusso di coscienza…
Ma allora, c’è un’incongruenza fra la purezza del pensiero e la sofisticazione di chi sceglie un virgolettato old-style che pretenderebbe di emulare quello di una vecchia macchina da scrivere, una dissonante forzatura che lascia un senso di smarrimento nel lettore.
Per l’ennesima volta, vittima e carnefice dell’autrice o forse, più semplicemente, del bisogno di viziare tutto cercando di dare la giusta interpretazione.
Serena Carsillo
postato da: laureato alle ore 05/10/2007 07:38 | P
mercoledì, 08 agosto 2007
diretta conseguenza della vita inchiostrata
Claudia Gatti
Come cristalli al sole
Editrice Totem
Analisi critica di
Carla Di Nuzzo
“Come cristalli al sole” non è semplicemente un romanzo.
O perlomeno non lo è nell’accezione odierna del termine.
Più o meno fedele al filone novecentesco dello scrivere, l’autrice infatti va qui oltre molte aspettative del lettore.
La trama c’è ma non c’è, sospesa tra le pagine come le vite di cui si testimonia. Già. Perché in questo libro non si racconta, ma si vive ; la scrittura si trasforma per diventare vita gettata su carta, la carta diventa quella piccola tabula rasa che è il nostro vissuto, tabula che viene poi macchiata dalle nostre esperienze, più o meno forti, più o meno vissute, ma tutte incise da quell’ inchiostro che non è più inchiostro, ma sangue che pulsa nelle vene, che lascia una traccia di sé su ogni singola parola, su ogni singola pagina ,sull’intero scritto dell’autrice, al suo esordio letterario.
Potremmo pertanto dire che quello che già gli scrittori del secolo scorso avevano iniziato, ovvero la frammentazione se non l’ annullamento del tessuto tramativo tipico, il passaggio dal senso del vero al senso del sentire, ovvero dalla realtà all’io, dall’ oggettività alla soggettività, il rivoluzionamento dello stile dello scrivere, non più
narrativo e descrittivo, ma introspettivo e metaforico, trova in questo romanzo una evoluzione ulteriore.
Al flusso di coscienza, che ha costituito il fulcro attorno al quale si è mossa la rivoluzione narrativa novecentesca, l’autrice preferisce un tipo di scrittura che va oltre, scavalca la coscienza stessa per far parlare la vita.
Ci sono persone , ci sono parole dette, scritte, ci sono frammenti di vita, ci siamo noi.
Già. Perché quello che sorprende in questo romanzo è il modo in cui silenziosamente ma efficacemente l’autrice si tenga da canto e lasci parlare la vita, raccolga insieme esistenze senza alcun legame apparente, visibile agli occhi, ma in realtà strette l’una all’altra da fili sottili a noi molto familiari, gli unici che accompagnano questi vissuti di inchiostro e li tengono vivi al di là di tempo e spazio, al di là delle nostre finitezze, siano esse reali o presunte, siano esse limiti interiori ed esteriori, fili che tenuti insieme richiamano all’amore, all’amicizia, al ricordo, ma che sottintendono tutti “una mano che cerca un’ altra mano”, ovvero una comunicazione tra le anime, così viva e difficile per queste vite inchiostrate. Se una mano tesa rimane sola, è costretta a rimanere nel dimenticatoio.
Del resto, noi siamo delle eterne metà, esseri imperfetti che abbisognano di continuare a vivere oltre il limite del reale, nel cuore e nella mente di qualcuno.
Ma perché tutto questo?
Per capirne le ragioni, bisogna soffermarsi sulla concezione del vivere che pur emerge dalle pagine del libro.
Parlare di concezione , però, in questo caso limiterebbe la straordinaria capacità pittorica dell’autrice.
Una concezione presuppone un giudizio, e un giudizio una soggettività narrante ingombrante, ed invece la scrittrice si guarda bene dal “giudicare”, così come lei stessa afferma in un passo del libro.
Dunque sembra più corretto in questo caso affermare che non è l’autrice a costringerci in una Weltanschauung, in una intuizione del mondo con la quale molti filosofi velavano il mondo.
Qui è la realtà stessa che si confessa, e la scrittrice non può fare altro che “raccontare”, o meglio testimoniare, questa sua necessità.
È la realtà a muovere la mano d’inchiostro, non l’inverso.
E questa realtà si presenta agli occhi scrutatori dell’autrice come “uno schizofrenico che si muove incessantemente “, come uno tsunami che trascina via con sé ogni brandello di vita, in un ciclo incessante che si ripete all’infinito, e all’infinito si ripresenta allo stesso modo.
Un “panta rei”, insomma, dove a farla da protagonista è il Tempo.
Tutto scorre velocemente, incurante del mondo, incurante di noi, sospesi tra la solitudine e il bisogno d’amare.
E al Tempo, così come qui ci si presenta, bisogna porre una particolare attenzione. Non essendovi narrazione parliamo ovviamente di un tempo interiore, o meglio introiettato.
Non c’è linearità spazio –temporale, ma tutto è posto sullo stesso piano, perché tutto è filtrato e vissuto internamente. Passato, presente e futuro si alternano così in una altalena continua che si identifica alla fine con quello che già in precedenza Sant’ Agostino aveva definito tempo dell’anima. E questo diviene possibile dal momento che la focalizzazione qui è nettamente interna,ovvero i fatti lasciano ormai lo spazio alle percezioni e ai pensieri di chi “si scrive” , alle sue sensazioni, ai ricordi e alle sue aspettative.
Non a caso in un passo del libro il tempo viene così descritto: lampi del passato, tuoni del presente, speranza del futuro. Tre definizioni che lasciano ben intendere un tempo vissuto , attraversato dalla nostra soggettività. E non a caso la scrittrice assimila il passato a un lampo, perché da quanto emerge nel suo scritto, esso è sempre vissuto come uno squarcio della mente, a cui si ritorna quasi per caso, sostenuti da quel mare di malinconia che ci accompagna. Il presente non a caso è visto come un tuono, dal momento che può dirsi un frastuono al quale difficilmente riusciamo a far fronte e che ci lascia sempre con l’impressione o meno che debba piovere.
Così il futuro è visto come una speranza; dal momento che non si è più padroni della propria esistenza, anche il futuro lascia posto alle incertezze, diventando possibilità, anelito, nostalgia esso stesso.
Già. Qui tutto è nostalgia; nostalgia del passato,di ciò che è stato o sarebbe potuto accadere; nostalgia del futuro, di ciò che potrebbe come non potrebbe essere, delle mille possibilità che avrebbero potuto o che potrebbero avverarsi. E al centro il “passaggio”, ovvero il presente.
Come far fronte allora a questo divenire?
In un mondo in cui tutto viene dalla scrittrice posto sullo stesso piano, dal granello di sabbia all’uomo, quest’ultimo può tuttavia sfuggire all’oblio attraverso , abbiamo detto, la relazione con l’altro.
Solo vivendo l’uno nell’altro possiamo sopravvivere al finito.
E si può vivere innanzitutto nel ricordo di chi ci ha amati. E al valore
del ricordo si aggrappa l’autrice, come le vite che imbrattano le pagine del suo libro, un ricordo anche questo strappato alla sua accezione comune per diventare il nostro nido, per fondersi con quell’ unica parte di noi che non può perdersi insieme a noi, ma ci sopravvive e ci eleva al di sopra delle nostre stesse finitezze, che lo si capisca o meno.
Qui il ricordo non è immaginato, qui il ricordo non appartiene alla mente. Qui il ricordo diventa cuore che batte, vita che pulsa, brandello di vita ,vita esso stesso. E ad esso non tocca né una interpretazione negativa, né positiva. E’ semplicemente vita, come vita è il libro dell’autrice.
Vita che fa male, che fa innamorare, che fa soffrire, che fa immalinconire, vita che si fonde a quella delle persone che attraversano le pagine di questo libro e le rende “sofferte”, cioè vive.
Ma il ricordo può vivere solo nel cuore di chi ci ama, ed ecco come quest’ultimo si aggrappa a sua volta al sentimento, nelle sue sfaccettature, alla relazione tra le persone e alla comunicazione tra anime, la quale purtroppo non sempre si rivela così semplice da costruire.
Qui l’amore non è più quello delle fiabe, non c’è più il “c’era una volta” , dove la conclusione era scontata. Qui l’amore è difetto, come difetto umano della realtà siamo noi, è imperfezione, e proprio per questo motivo straordinariamente umano. È un amore così “straordinariamente sbagliato” da farci commuovere.
Spesso , in effetti, nel libro si accostano termini come questo, che sembrano annullarsi, quando invece descrivono sapientemente, silenziosamente, senza troppi fronzoli, la nostra stessa essenza di esseri sofferenti e felici al tempo stesso. Qui nulla è assoluto, dunque neanche la felicità o la tristezza.
Ma pur nella sua nuova accezione, l’amore, così come l’amicizia, si disegna in questo quadro scritto come un’ancora di salvezza, un modo per sopravvivere e sopravviverci. E non importa quale sfaccettatura abbia, l’importante è che le nostre mani non rimangano senza il calore di altre mani. E anche questi casi sono contemplati dall’autrice.
Casi di mani gelide, sole, destinate a perdersi.
Anche perché, con la sua delicata obbiettività, l’autrice non manca di sottolineare la difficoltà odierna dei rapporti umani, persino del rapporto con noi stessi (“mi cerco ma non mi trovo”).Siamo sempre alla ricerca di noi e degli altri, una ricerca piena di incomprensioni, di occhi che si celano dietro occhiali scuri, di sguardi bassi, di passi indifferenti.
Qui i rapporti sono in effetti inquinati dalla realtà contemporanea, la quale spesso, così come la giovane autrice ci ricorda, ci soffoca con i suoi valori distorti, e ci fa dimenticare la nostra umanità.
È il caso dei due amanti che parlando di sé ricorrono ad un’ ipocrita quanto modaiolo “relazionando”, finché una delle due parti non si ravvede e ricerca l’amore; è il caso della donna in carriera che si soffoca dietro una maschera civile di dirigente che sembra non aver bisogno dell’altro, è il caso della ragazza che macera nel ricordo e solo alla fine riconosce l’amore in due occhi che le erano così vicini, eppure così distanti.
C’ è un passo dove l’autrice descrive con sagacia la condizione odierna del sentirsi, in senso heideggeriano, gettati nel mondo. Attraverso poche ma vibranti parole, infatti, quest’ultima passa dalla leggerezza del bambino, nel quale soltanto possiamo trovare “milioni di farfalle colorate”, ai primi amori, ai battiti del cuore fino alla presa di coscienza e alla consapevolezza dell’esistenza, che ci lascia un retrogusto amaro eppure fortemente voluto.
E c’è un passo dove sembra suggerire una via d’uscita, nelle parole di Amanda al suo vecchio amore ingiallito ma mai sbiadito;”Vivi, sbaglia e chiedi scusa..ma vivi”. C’è dunque un’esortazione a bere la vita a grandi sorsi, prendendola a piene mani, vivendola fino in fondo, cercando di ritornare all’innocenza dei bambini, cercando di rimanere sempre nella stagione “estiva”.
Tutto quanto detto può far dire alle vite di questo libro..”Per sempre” e farsi beffa di ogni finitudine che li attraversa.
Altro punto essenziale di cui tenere conto è ,come da manuale, l’analisi del tipo di scrittura.
Ma anche in questo caso non si tratta di una semplice analisi. Si è già accennato che qui la scrittura va vista come diretta conseguenza della vita inchiostrata; qui la mano di chi scrive è dettata dalla necessità , non dalla volontà.
La scrittrice si lascia semplicemente dettare dalla vita, il suo sguardo si posa su di essa senza filtri né mezze misure.
Ne emerge pertanto un tipo di scrittura frammentata, sconnessa, così come frammentate sono le vite che si susseguono nel libro.
La focalizzazione interiore, in particolare, fa si che la narrazione lasci il posto a nuovi moduli espressivi, che giocano per lo più sull’allusione, sull’evocazione, sulla metaforizzazione, sull’emozione, non potendo più essere fattuale.
La scrittura insomma segue e si adegua alla vita interiore dei “personaggi”, ognuno con le proprie percezioni, sensazioni, emozioni, ognuno con la propria espressività specifica.
Non a caso l’autrice lascia parlare tutti: dall’ essere più semplice a quello più complesso, e in tutti i casi ne segue gli umori e le espressioni.
E a tale varietà di moduli espressivi corrisponde un’altrettanta variegata mole di generi narrativi: qui troviamo scene noir, susseguirsi di epistole, frammenti erotici, drammatici, tutti filtrati da una scrittura che più che dire evoca, allude, accenna, passando dalla narrazione alla sospensione della narrazione e rimanendo in sospeso il lettore stesso,
il quale si sente così coinvolto sin dalle prime pagine. È questa una sospensione che trova le sue radici nell’ essenza stessa del libro ; la scrittura è sospesa perché sospesi siamo noi , perché sospeso è il nostro tempo, perché sospese sono le nostre esistenze, sempre in bilico, mai certe, ma in balia del possibile, del poter o non poter essere.
Ogni pagina è un’allusione, ogni pagina è una metafora, un frammento nel quale ognuno di noi può trovare qualcosa di se stesso,
nel quale ci si può riconoscere.
Ma scrivere in questo libro non ha solo un valore funzionale, non si cerca solo la partecipazione emotiva del lettore. Qui la scrittura
ha anche un suo preciso intento e significato, è essa stessa protagonista.
Le ragioni di quanto detto emergono con evidenza dalle stesse pagine del libro. Più volte infatti i personaggi che lo popolano ricorrono essi stessi alla scrittura come strumento ulteriore per fermare il divenire delle cose, per esprimere la propria natura , per macchiare di sè la propria esistenza. Non a caso la scrittrice ricorre spesso, a tal proposito, al termine imbrattare; non si sta infatti semplicemente scrivendo, si sta macchiando un foglio che non è un semplice foglio, con un inchiostro che non è un semplice inchiostro. Il foglio si anima e diventa amico, confessore, amato, odiato, l’inchiostro si trasforma in sangue che pulsa nelle vene; insomma scrivere equivale qui a vivere.
E non si fanno distinzioni: si parla di foglio cartaceo, foglio elettronico, di tela bianca. Ogni volta è sempre una possibilità di fermarsi, di macchiare la vita di sé.
È emblematica a tal proposito la figura dello scrittore che in preda alla depressione si consola con l’alcol e poi, nell’ennesimo tentativo di scrivere, viene assalito dal sonno. In quel caso però la giovane autrice gli permette di scrivere lo stesso; sarà il suo stesso capo, che preso dal sonno si rovescia sulla tastiera, a dettare per lui parole non dette.
Non c’è esempio più specifico e toccante , a mio avviso, di come in questo testo scrivere equivalga a viversi. Non importa come e in che modo, basta che si scriva.
A questo proposito è interessante notare come la scrittura venga più volte paragonata ad una lava incandescente che cerca di scalfire le rocce, segno visibile di un tentativo di sopraelevazione dal finito e dal transeunte, che trova il suo corrispettivo soggettivo e personale nel termine imbrattare. Come la lava, così deve essere lo scrivere; un flusso sconnesso e vibrante di pensieri ed emozioni anche violente, non più celate, non più nascoste sotto falso perbenismo anche espressivo. È uno scrivere perché, uno scrivere affinché, non uno scrivere per sé, quello di Claudia Gatti.
È altresì interessante notare come in questo libro si scriva quasi sempre in orari notturni; la notte sembra essere fedele compagna di chi sta svelando un segreto , un angolo nascosto di sé che si cela al giorno. Notte e giorno assumono dunque anch’essi in questo testo un significato che va oltre quello letterale, per assumere i colori dell’individuo, di quello che viene definito un cristallo al sole.
Ma perché “Cristalli al sole” ?
Perché come cristalli che rifrangono i raggi del sole, le nostre vite non possono più dirsi vissute in questo libro, ma trafitte dalla vita.
Una vita che ci colpisce violentemente e alla quale con “ violenza” rispondiamo, una violenza di sentimenti ,impressioni, azioni e reazioni da cui emerge tutta la nostra fragilità di esseri umani, ma anche tutta la nostra grandezza.
Una grandezza che può essere riconosciuta nella nostra capacità di spezzare il finito con l’infinito che c’è in noi, quei piccoli frammenti di vita ,di sogni mai vissuti ,persi, immaginati, desiderati, ma cuciti addosso, molto più vivi e brucianti di quella piccola vita che ci attraversa.
Una grandezza che permette a noi cristalli di raccogliere in noi quel raggio di vita, attraversarlo e imbrattarlo del nostro vissuto, e riportalo alla luce con mille nuove sfumature, alcune nobili, alcune no, alcune luminose, altre oscure, ma tutte ugualmente sofferte in maniera intensa.
E queste sfumature non sono altro che la proiezione di noi stessi nel mondo, la testimonianza di quello che siamo e che siamo stati, la consapevolezza che, al morire del giorno, la notte ci accompagnerà spegnendoci, ma la ulteriore coscienza che quel raggio che ci ha colpiti, lo abbiamo reso eterno, lo abbiamo fatto nostro, lo porteremo con noi non come semplice ricordo di ciò che è stato o non è stato, di ciò che abbiamo assaporato o di quello che non abbiamo mai sperimentato, ma come noi stessi.
Si. Noi siamo vite, noi siamo cristalli, noi siamo raggi rifratti, noi siamo amore, noi siamo mani tese l’una verso l’altra, noi siamo ricordo.
Ricordo di noi stessi a noi stessi.
postato da: laureato alle ore 08/08/2007 08:29 | Permalink |
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giovedì, 19 luglio 2007
La tentazione dell’invisibile
Lucianna Argentino
Se nel nome è il destino, come si diceva nella cultura latina antica, quello di Lucianna Argentino potrebbe essere di riflettere la “lucentezza” discreta e tenue dell’argento, piuttosto che quella sfarzosa e carnale dell’oro; con una composta eleganza apollinea, lontana da ogni fugace esuberanza dionisiaca.
La sua fedeltà al suo destino aveva cominciato a rivelarsi, nella sua precoce vocazione poetica, già nel 1991, con la sua prima silloge “Gli argini del tempo”; e da quei labili argini emergeva ancora timorosa la particolare sonorità della sua voce che “ tra vapori e pulviscoli / di cose remote” trovava corpo solo “dove la vita / diviene ricordo”.
Cominciava a compiersi quella trasfigurazione della parola, nella sua scrittura, che con “Biografia a margine” (del 1994) forniva più evidenti indizi del carisma del Poeta per necessità estrema, come tramite eletto dell’avviso di un mistero: un invito segreto a divenire testimone dell’invisibile ed interprete dell’ineffabile, in una continua dialettica del senso e della funzione della Poesia nell’Essere: “Mimetizzata nelle parole / non so dire se / oltre la parola vivo / nella parola scompaio / o se / oltre la parola scompaio / nella parola vivo…”
E’ quasi tutto in questo cruciale dualismo che si delinea la peculiarità della sua poetica, nell’ansia di un’ineluttabile aporia che si celebra la sua estenuata ricerca e, forse, la sua vittoriosa condanna (di non rassegnata Euridice, con la sua rinuncia a seguire il suo Orfeo).
Col tempo la sua pagina diviene sempre più estuario di un sofferto percorso, di cui il lettore può individuare le tracce, nel quale non si cercano né accolgono scorciatoie e accomodamenti.
E più ancora nel suo “Mutamento”, del ’99, Lucianna consacra il consapevole dono del suo “sangue nero di china”…”oceano solcato dalla sua lingua”, in un continuo ricorrere all’allegoria, ben oltre la consueta metafora, per rendere colmabile “l’abisso tra passione e coscienza”.
Ma è in “Verso Penuel”, del 2003, territorio del confronto più estremo e verticale, che essa ritrova nuove risorse per la sua perpetrata lotta con l’Angelo, seppur ferita dalla balenante presenza divina.
In questa sua dimensione terrena, in cui “la verità umana zoppica”, Lucianna avverte più intima e aspra la necessità di una “pazienza in cui si affila il verso”… “perché non si sconsacri il cuore / nel presagio della carestia / e sia divino questo nostro umano / tentare l’invisibile”.
Francesco De Girolamo
Lucianna Argentino è nata a Roma nel 1962. Ha collaborato a diverse riviste e partecipato a letture pubbliche e a rassegne di poesia. Nel 1991 ha pubblicato la raccolta poetica “Gli argini del tempo” (Editrice Totem). Nel 1993 ha ricevuto il primo premio “Donna – Poesia”, in seguito al quale ha pubblicato con Fermenti la raccolta “Biografia a margine” (1994), con prefazione di Dario Bellezza, segnalato al Premio Montale nel 1995. Nel 1999 è uscito “Mutamento” sempre per i tipi della Fermenti, nella collana “Il tempo ansante” diretta da Plinio Perilli, con prefazione di Mirella Bettarini. La sua più recente raccolta poetica “Verso Penuel” è stata pubblicata dalle “Edizioni dell’ Oleandro”, nel 2003, con prefazione di Dante Maffìa.
postato da: laureato alle ore 19/07/2007 07:27 | Permalink |
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mercoledì, 18 luglio 2007
Storia d’amore e d’amicizia
Storia d’amore e d’amicizia
Sceneggiato in sei puntate, tratto da La ballata di un campione di Guglielmo Spoletini, pubblicato dalla casa editrice Totem di Roma. Regia di Franco Rossi. Tra gli interpreti, Ferruccio Amendola, Marisa Merlini, Claudio Amendola, Elena Fabrizi, Massimo Dapporto, Massimo Bonetti, Barbara De Rossi, Nanni Svampa
postato da: laureato alle ore 18/07/2007 10:30 | Permalink |
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mercoledì, 18 luglio 2007
alessandra maiorino presenta claudia gatti
Le pubblicazioni del: 14 Giugno 2007
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14 giugno 2007
letteratura
il libro della giovanissima scrittrice anziate
Claudia Gatti
«Come cristalli
al sole»
Editrice Totem
al Forte San Gallo
UNA splendida location come quella del Forte San Gallo a Nettuno,
la giusta atmosfera e la voglia di dare credito ad una giovane scrittrice
di casa nostra. Un mix giusto per la presentazione del libro «Come
cristalli al sole» della 24enne anziate, Claudia Gatti. Sotto lo sguardo
attento ed emozionato dell’autrice ad avviare l’incontro l’editore
Gianfranco Cotronei e la sua collaboratrice Alessandra Maiorino,
che con un’analisi attenta e dettagliata ha offerto ai presenti una
speciale e particolare interpretazione del libro. «Una goccia di cognac
sul mobile di noce, una macchia di rossetto sul bicchiere di cristallo
vuoto» è la metafora che Maiorino fa del libro. «Un libro per nulla
scontato, non una favola con il suo “c’era una volta”, non la storia lineare
e coerente con un inizio e una fine ma una storia dinamica, in
continuo divenire, aperta alla possibilità e all’impossibilità, con personaggi
diversi tra loro che trovano il loro referente in diversi contesti
dell’esperienza umana».
La professoressa Muzzi commossa ha ricordato
Claudia tra i banchi di scuola.
«Sono stata sua docente e poi sono diventata sua amica… ho avuto
l’onore di essere stata la prima a leggere e correggere il libro quando
ancora non aveva preso la sua forma definitiva».
Scherzoso e molto incisivo l’intervento del Consigliere
del Comune di Anzio Romeo De Angelis che ha espresso tutta la sua
amicizia e ammirazione per l’autrice e che ha invitato tutti i presenti
ad acquistare il libro, a regalarlo per un compleanno, per Natale, per
una ricorrenza. «Questa giovane autrice dai capelli biondi e dai
profondi occhi azzurri, al suo esordio letterario merita di essere sostenuta
e di continuare a scrivere perché i cristalli devono continuare a brillare».
casa editrice totem
via acqua marina 3
00040 lavinio lido
tel. 069820260
mail [email protected]
sito www.editotem.it
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martedì, 17 luglio 2007
appagano ogni desiderio e curiosità di crescita.
MARIA LUISA CAPUTO
Le storie di Mizar
EDITRICE TOTEM
Analisi critica di
Lucia Pulpo
Il manoscritto: Le storie di Mizar, si chiude con la soddisfazione dell’autrice-bambina cosciente di non aver più bisogno di favole, né di illusioni con maghi, cavalieri e principi azzurri, perché la sua infanzia è stata piena di racconti di vita che appagano ogni desiderio e curiosità di crescita.
I verbi usati, infatti, sono tutti coniugati al tempo passato, un discorso a cui non interessa attualizzarsi, che non vuole esibire relazioni dirette col presente ma, come ricorda la poesia iniziale dal titolo: Immutabilità, i ricordi sono parte integrante, seppur inconscia, del nostro presente e segni tangibili, premonizioni del nostro destino.
Un sapore vagamente verista, che rimane appena accennato perché sopraffatto dalla vitalità dei personaggi, in maggioranza donne, eroine che sopportano, anche, la repressione che segue ogni tentativo di reazione allo statu quo (Caterina, Concettina, Teresina); per questo, alla fine delle loro brevi storie, ricevono in premio, la serenità sognata.
Racconti al femminile, dunque: la scrittrice, la protagonista Mizar, mescolate ad un mondo popolare animato dalle voci delle pettegole di paese ed intriso dall’odore di pesce, da quello del sugo sui fornelli e da quello lasciato dal troppo vino bevuto dagli uomini, abitualmente, brutali.
Alle regole della società esterna e per questo estranea, fa eccezione la famiglia dell’autrice con una mamma non sottomessa ai costumi ed alle superstizioni del tempo, un padre sempre disponibile al colloquio, a dare conforto alla figlioletta ed ottimista, una nonna energica e cordiale, che instaura un rapporto confidenziale con la nipotina e, perfino, con Benedetta, il vero capo-ufficio del quartiere.
Un mondo di memoria, di esperienze di vita che richiama quello della ispirazione di Natalia Ginsburg ma con un linguaggio più morbido, le parole scorrono senza ferire il lettore, neppure nei momenti più drammatici, come le liti coniugali, il discorso non si irrigidisce in giudizi scontati.
La Caputo presenta i propri racconti come momenti, battiti d’un’unica storia con un unico cuore ed, infatti, la scena e il periodo che fanno da sfondo ai 13 racconti, sono gli stessi così da dare al lettore un interessante spaccato di un paesino campano vicino al mare, in una Italia, ancora, analfabeta e senza televisione.
Il primo racconto presenta una situazione surreale, un matrimonio dai colori grigio e nero, come un funerale, colori che si rispecchiano nell’umore del cielo nuvoloso nel primo caso, soleggiato nel secondo. Uno scambio di parti che non concede spazio ai dubbi, la felicità non è nella forma (matrimonio nel caso in questione), ma nella sostanza dei risultati.
Il secondo racconto si apre con la vacanza al mare, i giochi sulla spiaggia con le cuginette fino all’incontro particolarmente appassionante con lo stupefacente Mizar. Un episodio che richiama alla mente un’altra spiaggia quella di Babel, località balneare della Normandia, dove il giovane Proust incontra un gruppo di giovani che si riuniscono per giocare sulla spiaggia. L’autrice, come Proust, non narra una vicenda vera e propria ma offre al lettore, con un procedimento quasi da pittore impressionista, vari quadri in cui rivive l’ambiente dell’infanzia; il Proust di: alla ricerca del tempo perduto, è un giovane che s’innamora di Odette, mentre la nostra autrice è una bambina ingenua di otto anni che arrossisce in viso, incantata alla vista del biondo e riccioluto marinaio Mizar.
Al terzo racconto colpo di scena: Mizar è una lei argentina che, alla prima occasione, mantiene la promessa fatta di raccontare una storia, e rispettando l’impegno conquista, definitivamente la bambina che ricambia innalzandola a faro da seguire nell’incertezza della notte.
Mizar è, soprattutto, una persona di cui fidarsi, a cui voler bene, e quindi nei giorni di vento (Maestrale, il quarto racconto), Maria Luisa si preoccupa delle onde del mare agitato che scuotono violentemente, la barca di Mizar, mettendone in pericolo la vita stessa.
Il brutto tempo chiude la stagione balneare, cosicché a questi seguono racconti ambientati nell’entroterra, nei vicoli, lontano dal mare, al riparo dalla salsedine e dalla umidità delle coste.
Il quinto racconto parla di due donne brutte: Ofelia e Cornelia. Brutte nell’aspetto e nei modi, per questo la gente le tiene a distanza, e questa discriminazione inconsapevolmente parte, anche, Maria Luisa testimone del fidanzamento di Ofelia con Turi che, però, la lascia, dopo il matrimonio, appena impossessatosi di tutti gli averi della sposa. La bambina si sente in colpa, la gente continua a sparlare e lei ci ha creduto, un atteggiamento comune a Malony, il protagonista di : Gente di Dublino (scritto da Joyce), che con i sensi di colpa, manifesta l’amicizia per Leo Dillon, malgrado le critiche mosse, intimamente, contro Leo .
Originale il coro di voci che si seguono, fermano ed intrecciano, nel sesto racconto, con credenze superstiziose premessa a racconti seguenti come: Occhio di cane, dove la superstizione esercita un potere oscuro come quello che nel castello Kafka-k. vorrebbe affrontare ma cade in un sonno profondo e malato.
Il settimo, l’ottavo e l’undicesimo racconto sono una ricostruzione di fatti, di persone di paesaggi impressi nell’anima al suo affacciarsi alla vita, come nella: Gente in Aspromonte, di Corrado Alvaro, elementi di vita regionale si intrecciano ad atmosfere drammatiche e liriche ma non vincolate né soffocate da polemiche e considerazioni sul piano sociale e del costume.
Gli ultimi racconti ritornano al motivo iniziale del mare, la spiaggia e Mizar, quest’ultima è cambiata, ha lasciato le vesti dell’eroe dei mari ed è incinta, la risposta felice a tutti quei matrimoni combinati ed imposti con violenza a cui la piccola Maria Luisa, incosciamente, si ribellava, la speranza per una viaggio intrapreso da poco con curiosità propria di una capo-banda di otto anni.
Spesso il linguaggio è pirotecnico nell’inventare termini e mescolare i suoni ottenendo effetti un po’ grotteschi e bizzarri ma efficaci.
Settanta pagine avvincenti che conquistano velocemente il lettore.
Lucia Pulpo
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lunedì, 25 giugno 2007
Particolari che diventano simboli
MARIA LUISA CAPUTO
Le storie di Mizar
EDITRICE TOTEM
Analisi critica di
Cristina Ghezzi
Con l’opera “Le storie di Mizar”, Maria Luisa Caputo prende per mano il lettore e lo trasporta nel mondo incantato della sua infanzia. Un’infanzia costellata di situazioni e personaggi che sembrano appartenere ad un’altra epoca, ad un’Italia arretrata e bigotta, ma vivida e ricca di umanità e passione.
Si tratta di un mondo che il lettore vede con gli occhi di bambina della protagonista: una bambina attratta da tutte le persone e le circostanze straordinarie o fuori del comune, una bambina curiosa circondata da adulti che non sono in grado di rispondere alle sue domande. Ad eccezione di Mizar.
Mizar dà nome al libro, ne costituisce il filo conduttore, rappresenta l’interlocutore ideale cui la protagonista si rivolge. Si tratta di una donna davvero straordinaria in quel luogo ed in quel tempo: possiede un peschereccio che porta il suo nome, Mizar, ed ogni mattina esce in mare con i pescatori. Porta i pantaloni, lavora come loro: la piccola Maria Luisa in un primo momento la scambia per un bellissimo uomo. Ha un accento ispanico, che la bambina identifica come argentino per l’assonanza con il modo di parlare di un amico del padre, proveniente appunto da quella terra. Il suo strano linguaggio la rende ancora più straordinaria ed esotica agli occhi della giovane protagonista, che prova sin dal loro primo incontro una straordinaria attrazione, una sorta di innamoramento nei suoi confronti.
Mizar le appare totalmente diversa da tutte le donne che conosce: è forte e indipendente, quando lavora si veste come un uomo, le persone che la circondano la rispettano. Anche il suo essere straniera la differenzia dalla gente del paese; nell’immaginario della bambina l’Argentina si profila così come l’ha descritta l’amico del padre: una terra sconfinata, dove tutto è immenso e si respira un clima di abbondanza e libertà.
In realtà non sappiamo se Mizar provenisse veramente dall’Argentina, né dove si svolgano i fatti narrati. Anche se poco fa ho parlato di un luogo e di un tempo in cui inquadrare i protagonisti delle vicende, in realtà il contesto non è esplicito. A partire dalle storie dai personaggi e dagli indizi disseminati qua e là dall’autrice, il lettore riesce però a collocare le vicissitudini della piccola Maria Luisa in un “altrove” spazio-temporale con delle caratteristiche precise, che rendono del tutto eccezionale la figura di Mizar.
La piccola sente di poterle porre tutte le domande che la assillano; quando arriva l’inverno e la famiglia smette di scendere in spiaggia, lei continua a pensare a Mizar. Ogni volta che assiste ad una situazione anomala o perturbatrice, si ripropone di chiedere delucidazioni a quella donna straordinaria, l’estate successiva.
Tali situazioni, vissute nell’aspettativa di quell’incontro chiarificatore, danno vita ad una serie di storie in cui l’intreccio, spesso debolissimo, lascia spazio al ritratto, alla descrizione, all’introspezione, alla forza evocativa dei particolari. Particolari che diventano simboli, in quanto espressioni del pensiero infantile; i bambini infatti non argomentano in maniera logica le loro opinioni e non danno un nome alle loro sensazioni, preferendo esprimersi in maniera simbolica ed allegorica.
Il linguaggio che anima la narrazione, come quello infantile, è fortemente evocativo e metaforico: così, ad esempio, la chiesa di fronte casa “spalanca la bocca”, e dalle sue “fauci” escono gli sposi o le bare, mentre i malumori della bambina “gelatinano” sulla spiaggia come meduse. Così, ancora, i discorsi delle donne riunite in un cortile diventano una sinfonia, ed i pettegolezzi svolazzano come tafani.
Il ritmo della narrazione è incalzante e coinvolge fortemente il lettore: alla prosa elegante e scorrevole del discorso indiretto si alternano i dialoghi, in cui l’autrice non manca di riportare fedelmente espressioni gergali o dialettali.
Per quanto riguarda l’accento ispanico di Mizar e dell’amico argentino del padre, questo viene reso trascrivendone esattamente la pronuncia, proprio come farebbe una bambina. Così troviamo “mugher” in luogo di mujer, dove l’acca esprime l’aspirazione della jota spagnola, o “istorrrria” per historia, con una trascrizione che evoca la pronunzia calcata della erre tipica degli ispanofoni.
L’uso della prima persona, la visione soggettiva, la prospettiva dell’infanzia, il linguaggio metaforico inseriscono l’opera nel filone della narrativa memoriale del Novecento, che spazia dalla “Ricerca del tempo perduto” di Proust a “Gita al faro” della Woolf, dal “Lessico Familiare” della Ginsburg alla “Coscienza di Zeno” di Svevo.
Le situazioni descritte riguardano tutte la vita familiare, il quotidiano, rappresentano scene di vita vissuta dipinte con mano sapiente. Il meccanismo memoriale è prodotto dalla sensazione, sia fisica (colori, odori, sapori) che psichica (orgoglio, frustrazione).
Se lo sguardo con cui vengono messi a fuoco certi eventi, come abbiamo detto, è quello dell’infanzia, a volte la bambina lascia per qualche istante la penna alla donna, che riflette a posteriori sui fatti narrati: “allora ero molto piccola, ma capivo abbastanza da immaginare che quello era un rimedio inutile, dannoso..”. In questi casi il racconto si fa più critico: mentre la bambina cerca di capire, la donna, che ha riflettuto ampiamente su quegli eventi, li giudica.
L’autrice preferisce però che a parlare sia la bambina, esplicitando i sui giudizi il meno possibile, in modo che il lettore tragga le proprie conclusioni.
Pur riguardando la vita familiare e quotidiana, le vicende narrate offrono numerosi spunti per una riflessione di tipo sociale sull’ignoranza, sulla chiusura di certi ambienti, sulla superstizione, sul male che possono fare le “voci” del paese.
Sono tuttavia le tematiche legate all’amore, al matrimonio ed alla maternità ad emergere con più forza dall’opera della Caputo. O meglio, le problematiche legate al ruolo femminile: sono quasi tutte donne le protagoniste delle storie, anche se le loro vicende risultano più o meno legate agli uomini della loro famiglia, mariti o padri che siano.
Non è un caso che nel corso del primo racconto la piccola Maria Luisa affermi di non volersi sposare, esternando una istintiva ma giustificata ripulsa nei confronti di ciò che “essere donna” significa nel contesto in cui vive, e che nell’ultimo la sua beniamina Mizar compaia incinta.
L’opera presenta una struttura ad anello: si apre con un matrimonio riparatore, si chiude con un approccio del tutto diverso alla maternità.
Dopo un primo momento di delusione (“era diventata una donna qualsiasi!”), la dolcezza e la forza di Mizar riconciliano la bambina con la femminilità.
Una femminilità che troppe volte ha visto calpestata, umiliata, oppressa, vittima di una società chiusa ed arcaica.
Nelle storie che la piccola protagonista ci narra, si intravede solo uno spiraglio di salvezza per una donna: il lavoro.
Le spose infelici Wenda e Caterina si realizzano infatti andando a lavorare l’una a Torino in fabbrica, l’altra a Roma come maestra. Conquista l’indipendenza anche Teresina, che dopo aver ucciso il marito ne eredita il mestiere e diventa l’arrotino del paese. Questa possibilità viene però offerta loro solo dalla vedovanza: la bambina si chiede in effetti come mai Caterina sembri contenta del suo stato.
Mizar rappresenta invece un autentico esempio di femminilità “in positivo”: bella, forte, ma soprattutto libera, è capace di lavorare come un uomo e di essere indipendente senza per questo rinunciare alla gioia di essere donna, madre e amante.
Cristina Ghezzi
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domenica, 24 giugno 2007
sentimenti raccontati e vissuti con eleganza
MARIA LUISA CAPUTO
Le storie di Mizar
EDITRICE TOTEM
Analisi critica di
Giulia Marchese
In questi racconti si compie il viaggio di Maria Luisa Caputo nell’intimo del ricordo. L’io narrante riconquista la dimensione dell’infanzia sin dalle prime righe e percorre a passi leggeri la strada dell’esperienza, avvolta dai misteri ma anche da caldi suoni e colori del Sud Italia.
Le storie di Mizar sono infinite storie mitiche mai iniziate, eppure così avvincenti, che accompagnano l’immaginario di un paese lontano e sconosciuto. Gli occhi e le orecchie dell’infanzia intrecciano queste storie alle vite di un piccolo paese del Sud. I paesani, i famigliari, i luoghi con i quali la protagonista cresce, hanno tutti storie ricche e misteriose che una bambina può solo ascoltare con grande curiosità, frammenti di discorsi incomprensibili che nemmeno la fantastica Mizar può spiegare. Ma Maria Luisa sa che con queste storie può imparare a conoscere il mondo. L’infanzia del sud è ricordata e analizzata senza rancore, senza accuse. Anche la tristezza, le sofferenze e le incomprensioni sono sentimenti raccontati e vissuti con eleganza, accarezzati con delicatezza.
Portati dal mare ora a ritmo lento, ora con onde violente, i racconti emergono dal passato dell’autrice e si infrangono lasciando sulla spiaggia pezzi di vita da raccogliere e collezionare nel percorso di crescita. “Le storie di Mizar” si presenta quindi come un racconto di formazione estremamente personale, quasi una dichiarazione poetica, sulla scia di un genere letterario di antica tradizione quale il romanzo di formazione. Lo stile narrativo, ricco di metafore e colori, si spinge fino al simbolismo pittorico partendo dalle basi di un realismo tradizionale italiano. Gli episodi raccontati da Maria Luisa sono infatti scene di quotidiano domestico scritte come immagini immobili nell’atto di compiersi. Le esperienze dei personaggi sono esempi per spiegare e spiegarsi la realtà della vita.
I singoli racconti appaiono al lettore come piccoli frammenti: con poche parole e pochi gesti i personaggi prendono forma e consistenza e velocemente scompaiono lasciando inappagato il piacere della conclusione. Ma l’opera nella sua interezza dichiara che ciò che manca appartiene all’intimo, è intuibile solo seguendo il percorso più profondo che porta alla formazione. Con gentilezza l’autrice si muove tra i rumori dei paesi, delle spiagge, dei cortili. Entrando fin dentro le case, nelle stanze private, nei posti sicuri delle persone raccoglie e fotografa voci e suoni, dai ronzii fastidiosi ai lamenti muti. Ascolta, guarda e ripercorre con se stessa e i suoi personaggi le tappe che l’hanno portata alla maturità e le azioni che le hanno dato la consapevolezza della propria identità.
La ricerca di risposte a domande antiche, la necessità di concludere la storia, sono bisogni che svaniscono davanti a Mizar e alle sue mille storie ancora da raccontare.
Giulia Marchese
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sabato, 23 giugno 2007
grande umorismo nero
MARIA LUISA CAPUTO
Le storie di Mizar
EDITRICE TOTEM
Analisi critica di
Paola Delfino
Le storie di Mizar. Tante piccole storie che racchiudono un universo culturale, temporale e psicologico che diventa il filo conduttore per un racconto. Il libro si apre come enigma, e questo enigma andando avanti si ispessisce. Perché Wenda si sposa di mattina presto e con un vestito grigio? Una domanda alla quale è difficile rispondere per una bambina. L’autrice, voce narrante, ritorna a ricordi infantili e li fa uscire dal cassetto della memoria per diventare favole, sogni di un passato lontano non solo a livello temporale, ma anche è soprattutto sociale. Quel vestito grigio a simboleggiare un pezzo della storia culturale del nostro paese. Quel vestito grigio a confondere immagini di festa con immagini funeree. Un matrimonio o un funerale, che differenza fa se si è comunque vestiti di grigio?
È proprio del grande umorismo nero presentare la cosa più indesiderabile come la cosa più desiderabile, così fa l’autrice. Ed allora “la sposa triste” diventa per quella spettatrice bambina il nuovo, lo sconosciuto, l’inspiegabile ed acquista quindi attrattiva. E non è questo l’unico personaggio ad incuriosirla. Le descrizioni si susseguono.
Vite a sé stanti, ma riunite dal tempo, dal luogo e soprattutto da Mizar. Mizar un raccontastorie, Mizar l’unica domanda che riesce a trovare risposta, Mizar la sola persona adulta che si svela volontariamente ed involontariamente all’infanzia. Un riconoscimento che la rappresenta come una figura mitica, capace di percorrere tutte le microstorie all’interno della storia, come un peschereccio che solca le onde. Onde peraltro che nascondono leggende spesso terribili e spaventose, anche quando sono le chiacchiere dell’essere umano a trasformare in orchi e streghe i suoi simili, a rendere favolistica la realtà.
Si va avanti, dunque, per simboli. Un simbolico inteso in senso barthesiano, come codice che nega le attese del lettore e le regole della verosimiglianza narrativa per affermare le ragioni dell’inconscio. Una specie di linguaggio che si sovrappone alle parole del testo per darne un’ulteriore chiave d’accesso, talvolta in contrasto con la prima evidente interpretazione. Non una comprensione finale del tutto, ma una comprensione che va di pari passo alla lettura perché, come dice Barthes, “ il senso non è alla fine del racconto ma lo attraversa”.
Un racconto breve che è espressione del sentire moderno e, per questo, ha poco da invidiare a quel grande e totalizzante affresco che è il romanzo Ottocentesco. Riassumere il mondo intero e i particolari della storia è il mito dello scrittore dell’Ottocento. Si pensi al romanzo storico, realistico e naturalistico, alle grandi serie produttive di Balzac e Zola. L’autore novecentesco al contrario rifugge dal tutto configurato, risalendo a modelli più antichi, che coincidono forse con le origini stesse della narrazione orale, riscopre lo humour di Swift, disperde la storia in una pluralità di incidenti narrativi, la fa continuamente deviare, le impedisce di assumere una configurazione. Così il racconto diventa un genere letterario, seppur trascurato dalla critica e dalla teoria almeno fino agli anni Sessanta. In Italia in particolare è stato spesso considerato, da studiosi e scrittori, una mancanza o un ripiego dovuto all’incapacità di avvicinarsi a generi più alti. Una considerazione paradossale per chi, certamente, riconosce quanto la letteratura italiana abbia la vocazione per le forme brevi in generale.
Forse è più logico soffermarsi su un’altra riflessione e cioè se dopo il Novecento sia ancora giusto parlare di generi. Certamente non è più possibile parlarne se non in termini di usi editoriali, ricorrenze paratestuali, insiemi dinamici che si sovrappongono, influenzandosi vicendevolmente. Genere dunque come punto di partenza dal quale guardare tutti gli altri generi. Solo così si potrà allargare lo sguardo, andare oltre l’evidenza empirica da cui siamo partiti, e cioè che il racconto breve esiste, essendo dotato di una sua riconoscibilità intuitiva. Solo così potremo individuare tanto nel romanzo quanto nel racconto la stessa dialettica di forze centripete e centrifughe di cui parlava Bachtin. E se questo vale oggi per molti dei generi contemporanei è particolarmente valido per il racconto e per il romanzo di tutto il Novecento. È questa familiarità che permette fusioni straordinarie (come in Svevo o in Pirandello) fra romanzo e novella.
Eppure per quanto si attraggano narrazione lunga e narrazione breve continuano ad opporsi su un piano strutturale, mosse da principi costruttivi diversi. Lo scrittore contemporaneo fa della dissociazione poetica il suo nucleo, rinunciando a progettare il tutto minuzioso della storia. La sua cellula vitale è il frammento, l’episodio che non si connette logicamente agli altri, ma è lasciato libero di muoversi seppur per simbolizzare il più delle volte un concetto unico. La sua tradizione è quella umoristica in cui il mondo si presenta sotto forma di un problema non da risolvere, ma da usare come spunto per aprire la strada ad una più ampia serie di quesiti. E la narrazione quindi procede senza incontrare un orizzonte e senza neppure ricercarlo. L’importante è insinuare il dubbio nel lettore, porlo di fronte ad una riflessione, fargli cercare il centro della narrazione.
In questo quadro si inserisce quest’opera.
Paola Delfino
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venerdì, 22 giugno 2007
percorso cosmico e spirituale attraverso le età dell’uomo
MARIA LUISA CAPUTO
Le storie di Mizar
EDITRICE TOTEM
Analisi critica di
Margherita Bai
Le storie, il romanzo, i racconti. Riflessioni di genere
Se mai, nell’approccio ad un’opera letteraria, si rischiasse di cedere alla tentazione di fornire una definizione affrettata e irriflessiva del genere letterario, queste “Storie di Mizar” rappresentano senz’altro un valido antidoto ad ogni colpevole distrazione. “Romanzo ritmato in racconti”, questa la rabdomantica combinazione alla quale l’autrice, Maria Luisa Caputo, sceglie di affidare la descrizione formale della propria opera: una valutazione senz’altro pregnante, che in apertura fornisce un saggio significativo delle potenzialità caleidoscopiche della sua modulazione narrativa, eppure – per quanta sofisticata puntualità possa esibire – non è tale da raggiungere la perfezione e la compiutezza già presenti nel titolo. Storia, questa la parola essenziale che non viene mai tradita dal testo, sia per quel che riguarda il suo significato più ordinario e immediato – l’evento – sia per quel che concerne la sua valenza precipuamente espressiva, che è il dato che ora interessa: la peculiare cifra stilistica della storia acquista in quest’opera una dimensione di primo piano, capace di caratterizzarsi per una sua irripetibile singolarità da qualunque altra sfumatura di genere. Il primo elemento distintivo che rende autenticamente storie queste storie è ravvisabile nella profonda e magmatica relazione che intessono con la terra, intesa nel senso primitivo e originario di comunità, dove l’orizzonte culturale è una soglia comune alla quale collettivamente si affacciano le vite di un intero paese, e dove la condivisione e la riflessione su ogni aspetto dell’esistenza sono affidate all’oralità. Questo tessuto umano che è prima di tutto sonoro è restituito, come una quinta invisibile, dietro l’impronta soggettiva e quasi confidenziale della narrazione in prima persona: la dimensione corale e il radicamento nella tradizione orale non emergono da una rappresentazione veristica che miri a lasciar sussistere, in una naturale emersione, le voci altre dal narratore; qui la lingua personale della narratrice si lascia permeare dal ricordo di parole lontane, di discorsi affidati al vento: e li riporta, fedeli e al contempo visceralmente interiorizzati, trasfigurati in una nuova musicalità, nel suono risorto di una paesanità onirica, sfumata e al contempo nitida, incantata. La vasta eco che si produce proprio a partire da questo esercizio della musicalità, fondato sulla ricostruzione meticolosa della tonalità linguistica collettiva e al contempo sulla sua rimodulazione in una voce personale che da quel coro sia in grado di staccarsi, fornisce un elemento ulteriore di definizione delle storie: quando l’autrice parla di “romanzo ritmato in racconti” sente probabilmente l’esigenza di esprimere quella condizione ossimorica di relata discontinuità che caratterizza la sua opera. Da un lato infatti si può parlare di romanzo in virtù di una coesione ideale, strutturale e climatica che avvolge tutti i brani nella medesima densa atmosfera, senza sfasature né repentine fuoriuscite. D’altro canto rimane da render conto di quella musica, di quel ritmo cadenzato che, suddividendo i singoli brani e affidando a ciascuno la descrizione di un personaggio e di un relativo episodio, pare conferire al dettato l’andatura del racconto, in sé compiuto e sufficiente. Tuttavia, rischiando di peccare di semplicismo, mi sembra che tanta tecnica sofisticazione potesse essere risparmiata ricorrendo ancora alle potenzialità, sul piano narrativo, del termine storia: questa si muove dalle profondità di un passato remoto e indistinto, che funge da terreno comune e condiviso di lingua, immaginario, leggenda, mito, per dipanarsi poi, con andamento progressivo e incompiuto, nei più diversi e vari episodi: ciascun brano vale per sé ma solo nella misura in cui se ne colga e riconosca la discendenza univoca dal medesimo cosmo generativo. Questa la storia, che non comincia né finisce, nella tradizione popolare. Queste le “Storie di Mizar”, che nascono da un mondo e a quel mondo ritornano, con un moto che ontologicamente si definisce ciclico e umanamente grato: un tributo appassionato e spregiudicato insieme alla propria terra.
Con gli occhi di una bambina: l’eterna terza persona.
Ma veniamo ora, abbandonando i tecnicismi, ad addentrarci nelle “Storie di Mizar”, precisando da subito che non sono, a pieno titolo, di Mizar – personaggio soffusamente simbolico di cui più tardi si dirà – ma appartengono in verità alla narratrice, alla bambina che dice “io”. Le storie, narrate in prima persona, hanno in effetti la peculiarità di essere non già semplicemente ricordi, ma ricordi d’infanzia. Questo comporta che il filtro della memoria non si limiti a stendere una fascinosa coloritura memorialistica sulla narrazione, ma che debba operare un balzo dimensionale, un vertiginoso salto dall’era adulta all’era infantile, un viaggio che non è semplicemente e linearmente nel passato, ma è altresì un percorso cosmico e spirituale attraverso le età dell’uomo. L’autrice imposta questa complessa operazione con estrema fluidità e naturalezza, senza indugiare in tentativi sperimentali di riproduzione non mediata del linguaggio o del pensiero infantile: al contrario, sovente si dà giustificazione della distorta o favolosa percezione di un evento proprio facendo riferimento alla condizione infantile della protagonista-narratrice. Pur con questo andamento scoperto e piano, che rifugge dal virtuosismo dei giochi prospettici e si affida al piacere caloroso e appassionato del raccontare, la sfasatura sensoriale e concettuale che connota l’infanzia è resa con straordinaria pregnanza: le associazioni irriverenti della spontaneità, come quella tra matrimoni e funerali nell’episodio di Wenda; l’impossibilità di abbattere una barriera pregiudiziale che affondi le proprie radici nell’immaginario orrido e fiabesco dei monstra sociali, come nel caso di Ofelia e Cornelia; la sintesi non coerente di una serie di fatti, come emerge dal racconto dell’ingiustamente misconosciuta Benedetta; la restituzione delle proporzioni assolute, granitiche e misteriose del male nello splendido brano dove si narra del curativo occhio di cane: surreale già quasi per vocazione, questo è forse l’episodio dove al meglio l’infanzia si ritraduce, offerta nella sua commistione più inquietante e ambigua di innocenza e crudeltà. L’introduzione della dimensione infantile ha dunque in primo luogo il pregio di sdoppiare, se non tecnicamente almeno idealmente, la voce narrante, la quale si arricchisce in virtù di quella dilatazione temporale che, attraversando diverse ere della coscienza individuale, vede prodursi un mutamento non solo quantitativo – l’accrescimento del patrimonio esperienziale – ma anche qualitativo, il lento e doloroso imprimersi nell’anima delle svolte esistenziali. In seconda battuta l’elemento infantile si presta a creare una interazione estremamente proficua, sempre sul piano dell’efficacia narrativa, con il microcosmo della vita paesana: il ricordo di bambina, carico di puntigliosa curiosità ma scevro della malizia greve e stantia del mondo adulto, vale a scalzare d’un fiato tutte le tacite convenzioni e i soffocanti meccanismi comunitari fondati sull’ipocrisia, sul ricatto e massimamente sulla maldicenza. Gli occhi della bambina non si oppongono a tutto questo in nome di un più alto ideale di giustizia, di correttezza e di buon costume, ma prima che per ogni altra ragione rifuggono quel sistema perché ne colgono con pienezza di sentimento l’assurdità, il riddiculus, l’artificiosità e il groviglio torbido di irrazionalità che lo alimentano. In questo senso, l’infanzia fornisce la chiave di volta per denunciare e mettere a nudo le maglie perverse e profondamente radicate della diceria, le ferree leggi omertose e reazionarie di un sistema chiuso, senza che questo comporti il trapasso ridondante nella polemica, nella schermaglia moralistica: l’occhio della scrittrice che recupera le visoni dell’infanzia riesce a essere limpidamente spregiudicato, affiancando alla nitidezza della visione il passo leggero, poetico e garbato proprio di un punto di vista costituzionalmente e non ostilmente estraneo. Ecco in che senso si è parlato di eterna terza persona, facendo riferimento agli studi di Bachtin sulle figure del servo e del buffone: il bambino gode degli stessi privilegi di questi estranei, che l’opinione comune non considera come figure compiute e integrate a tutto tondo nel consesso umano e proprio in virtù di questo misconoscimento sono liberi da quei vincoli e da quelle dinamiche e possono rivolgere uno sguardo fermo, incorrotto e inosservato sul mondo che li ha banditi.
Cromatismo, musicalità, parola. La scrittura sinestetica.
Prima di passare a spendere qualche riflessione sul personaggio che dà il titolo al libro, non si può fare a meno di notare – suggestionati forse dagli intensi legami che stringono l’autrice all’arte figurativa – che la scrittura che fluida si riversa nelle pagine di questo romanzo ritmato non è altro che una interminabile, avvolgente sinestesia: la sovrapposizione e l’accostamento ardito dei diversi e divergenti campi sensoriali si attua, più che a livello dei singoli sintagmi o di isolati episodi verbali, nell’intero svolgersi e articolarsi del testo. Si prenda, come esempio emblematico, la squillante e vivacissima descrizione dell’episodio di maldicenza che colpisce direttamente la protagonista e la sua famiglia, narrata in Spettri domestici. Qui le sfumature cromatiche e le cangianti campiture degli interni popolari, con l’inventario umile e domestico delle verdure e dei ferri da calza – tra un Bernardo Strozzi e un Courbet – si miscelano magistralmente con le partiture musicali che sottolineano con note taglienti e ironiche il vario declinarsi delle voci d’orchestra. Musica, pittura e parola sono d’altra parte presenti nella loro interazione reciproca nell’intera opera. A questo proposito, più significativo di ogni altra esemplificazione può risultare il primo verso della poesia che è posta all’inizio, al limitare del romanzo, e che ci servirà qui di seguito per tentare di formulare qualche ipotesi sul cronotopo del romanzo: “Avanza l’estate / tra lampi e sgrosciolii”. Una definizione temporale, per la precisione stagionale, seguita da due elementi che richiamano rispettivamente la sfera sensoriale della vista e quella dell’udito. E questa è effettivamente, pur trasposta nella forma prosastica, l’essenza della scrittura delle “Storie di Mizar”: con una informazione in più che riguarda, come si accennava, il cronotopo. L’estate non è infatti una mera determinazione di tempo; è anche un luogo, uno spazio ben definito che si apre come un mondo a parte, un universo con le sue leggi, i suoi rituali, le regole extraordinarie che presiedono alle relazioni umane, la sua natura di precarietà che si fonde e si compensa con il suo carattere ciclico, di morte e resurrezione. L’estate è un regno di vento, di mare, di viaggi mattutini alla spiaggia, di incontri, di partenze e di ritorni: è la regione autonoma in cui la vita assume una consistenza evanescente, fuggevole, di presente vissuto già come leggenda, lontano dallo scorrere ordinario dei lunari terrestri; “sotto un sole svenante”, avrebbe detto Pasolini, mostrando in quell’impedimento violento dell’abbaglio e del calore le coordinate spaziali di altre forme a priori, di un altro spazio-tempo dal quale si percepisce il mondo. “Le storie di Mizar” è strutturalmente un romanzo dell’estate, perché rende manifesta con una sensualità diffusa e dominante la distanza siderale che isola l’episodio estivo dai luoghi e dai tempi ordinari. Piace pensare poi che non sia un caso che l’autrice, sempre in margine di romanzo, voglia fornire precisazioni riguardo al tempo di scrittura dell’opera: “Iniziato il 10 agosto 2003 ore 0 e 5, notte di San Lorenzo sotto un cielo che sa di stelle nascoste.Ultimato il 18 Agosto 2003 ore 15 e 20 Sant’Elena mentre mille cicale intonano sinfonie d’amore nella calura insopportabile di questa torrida estate”. Il cronotopo dell’estate permea di sé, con sottile gioco metaletterario, la fase stessa della scrittura: che diventa così essa stessa voce tra le voci di un fuggevole mondo incantato.
Mizar: alba e tramonto di una stella.
Mizar: si è già detto che le storie non appartengono precisamente a Mizar, ma alla narratrice che, dopo averle vissute in prima persona o assorbite attraverso racconti e leggende familiari e paesane, le restituisce alla pagina letteraria. Ma non è senza ragione che nel titolo queste storie sono dette “di Mizar”: perché la pescatrice fascinosa dall’accento esotico e curioso, che ritorna ogni estate per andarsene poi di nuovo, col vento cattivo, è il simbolo di quelle storie, le rappresenta e le incarna come una creatura magica, e in un certo senso – pur non raccontandole né determinandole – le fa esistere. Mizar è il lare che veglia sull’estate, la vestale che amministra il rito di rinascita e tramonto della stagione, la divinità alla quale si chiedono e si affidano le sorti nella regione separata del sole d’agosto. Come ogni creatura fatata, Mizar non ha bisogno di intervenire direttamente e attivamente negli eventi: la bambina che l’ha eletta a sua guida e protettrice non ottiene da lei lunghe spiegazioni o dettagliati racconti, ma la semplice, essenziale e simbolica rivelazione del nome, Mizar. Tutte le altre domande, che la protagonista si annota scrupolosamente in attesa di rincontrare Mizar, non riceveranno mai dalla dea una effettiva risposta: perché la funzione di ogni divinità è quella di fondare la coscienza umana, di lasciar esistere e legittimare la presenza di un andito spirituale nel quale le riflessioni e gli interrogativi sul mondo trovino un loro spazio di espressione. In questo Mizar, o meglio ciò che ella è nella dimensione simbolica del suo nome-destino, riesce perfettamente: perché la luce intensa della sua stella – la stella più luminosa dell’Orsa Maggiore – è un porto saldo al quale il navigatore fa ritorno, la guida sicura che salva il naufrago dalla tempesta. Alla fine del romanzo, la favolosa Mizar si umanizza repentinamente, esibendo nel suo grembo una nuova vita, cedendo il suo ruolo di sacerdotessa per conquistare quello di madre. La magia si rompe, e la delusione attraversa per un attimo l’animo della protagonista: ma l’iniziazione è compiuta e la creatura fatata che ha accompagnato per un tratto la bambina nel lungo cammino dello spirito deve ora scomparire, o meglio dismettere i suoi panni simbolici, spegnere la sua stella e lasciarsi assorbire dall’umanità.
Margherita Bai
postato da: laureato alle ore 22/06/2007 06:14 | Per
giovedì, 21 giugno 2007
una memoria che attualizza ciò che evoca
MARIA LUISA CAPUTO
Le storie di Mizar
EDITRICE TOTEM
Analisi critica di
Paola Neri
Questi racconti tracciano un affresco di un Sud al tempo stesso reale e fantastico, ripercorrendo e rivivendo episodi e personaggi dell’infanzia della protagonista.
Una scrittura fluida e suggestiva ci restituisce l’immagine di un’umanità dolente e rassegnata, vittima di ignoranza e superstizione, su cui la protagonista posa il suo sguardo di bambina, curioso e talvolta anche irriverente, provando a penetrare i segreti e i misteri di un mondo ancestrale governato da antiche abitudini e leggi non scritte. Sono soprattutto le donne a dominare queste pagine; un mondo da cui la piccola protagonista si sente attratta e respinta, condividendone con timore e sospetto la condizione femminile. Quelle che vede scorrere davanti a sé sono vite di donne accomunate dal silenzio, dalla rinuncia e dalla sottomissione ed è a questo destino che lei, bambina, precocemente si oppone ostentando il suo rifiuto del matrimonio; per non dovere un giorno anche lei, come Wenda, celebrare un matrimonio riparatore, od essere costretta a partorire figli come fossero conigli, o magari essere abbandonata come la povera Ofelia; né aspetterà, come la zia Caterina, di diventare vedova per essere finalmente libera e serena. A queste storie si contrappone la voce di Mizar, figura mitizzata di donna pescatrice, simbolo di una femminilità forte e coraggiosa, capace di trovare il proprio ruolo nella società e di imporre le proprie scelte sfidando il brusio delle chiacchiere delle comari. Metafora del ribellarsi alle convenzioni e ai pregiudizi, questa donna bella e misteriosa, giunta da lontano, rappresenterà per la bambina l’incarnazione dei suoi sogni e dei suoi ideali, quasi una dea venuta dal mare, e attraverso un rapporto intenso e delicato cercherà di dare una risposta ai suoi turbamenti mostrandole la via da seguire per vivere una vita libera e consapevole.
E’ la memoria il filo conduttore di questi racconti in cui si va al recupero di sensazioni, sogni, sentimenti di un passato che viene rivissuto attraverso il filtro del tempo trascorso che restituisce, però, immagini non sbiadite, anzi solcate, per così dire, dai riflessi aggiunti dalle esperienze vissute nel frattempo. E’ una memoria che attualizza ciò che evoca, senza indulgere alla nostalgia del “buon tempo che fu” ma mantenendo la priorità di condividere con il lettore sensazioni ed atmosfere, più che episodi di vita privata.
Questi racconti scavano con sensibilità e acutezza nell’animo umano analizzandolo nelle sue paure e nelle sue contraddizioni più intime e nascoste, mettendo in luce la parte oscura di ognuno di noi, ma lasciando intravedere anche insospettate e improvvise possibilità di riscatto rivelate magari da insignificanti e casuali episodi.
L’Autrice mostra doti di attenzione e rivelazione psicologica e sociologica attraverso una puntuale ed incalzante descrizione di fatti ed atteggiamenti di vita quotidiana dietro i quali fa intuire al lettore i moti e i fremiti dell’animo umano lasciando spazio a considerazioni e riflessioni che si allargano ad una visione più ampia e generale.
Sullo sfondo dei racconti la presenza della natura che accompagna, partecipa e sottolinea le emozioni; con in primo piano il mare, fonte di vita ma anche di distruzione, quando l’uomo osa sfidare la forza delle sue mareggiate
La narrazione è supportata da una scrittura spontanea e suggestiva capace di descrivere colori, odori, paesaggi e di catturare caratteri e sensazioni attraverso dialoghi o gesti, con uno stile diretto ed immediato.
Paola Neri
postato da: laureato alle ore 21/06/2007 15:32 | Permalink |
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mercoledì, 20 giugno 2007
Un singolare percorso di agnizione
MARIA LUISA CAPUTO
Le storie di Mizar
EDITRICE TOTEM
Analisi critica di
Grazia Vaccariello
Un singolare percorso di agnizione
nella meravigliosa infanzia
Scritte in otto giorni, quindici ore e quindici minuti, Le storie di Mizar raccontano un segmento dell’infanzia della protagonista, Maria Luisa, di cui non si conosce l’attuale età, ma alla quale il lettore si accosta partendo dalle sue radici: da un lato la bambina curiosa, attratta da tutto quello che può racchiudere un enigma -come Mizar-, da ciò che per gli altri è disprezzabile -come la signora Benedetta-, o ancora dalle storie tremende e tragiche delle donne del suo paese; dall’altro l’intera comunità del borgo marino, con le sue tipiche figure, i suoi colori, i suoi ritmi e i suoi mutamenti.
Significativi sono i versi con cui il libro si apre: a contrastare il sentimento irreparabile di chi ha subito una perdita (ben due strofe, la seconda e la terza, hanno come incipit il participio passato del verbo perdere) -quella dell’infanzia-, il titolo della poesia segna quasi il ricongiungimento della protagonista che racconta, ormai adulta, con se stessa bambina, cioè ribadisce che quel tempo narrato negli otto giorni dell’agosto 2003 è ancora presente, immutato nella sua memoria. Di qui il tono con cui i racconti sono narrati è limpido come se la narratrice abbia ancora tutto sotto i suoi occhi. E’ un tono che tradisce, però, le inquietudini di una protagonista alle prese con i misteri del suo paesino, vale a dire con il mistero del mondo stesso, giacché per la bimba Sant’Elena è il mondo. Si tratta di un microcosmo in cui il tempo è scandito da antichi rituali, come la festa di San Vitaliano che segna l’inizio della stagione balneare, o l’avvento del Maestrale che prelude ad abbondanti battute di pesca. Il mare ne è elemento principale: con la sua calma orla delicatamente le spiagge, mentre con enormi ondate trascina tutto nei suoi abissi. Sant’Elena è, insomma, metafora del Mediterraneo, con i suoi dolci Zefiri, ma anche con le sue catastrofi.
La scelta degli episodi narrati conferma che l’indagine della protagonista è tutta rivolta a cercare il senso delle cose che per lei sono inesplicabili e, come se avesse il dono della chiaroveggenza, ricerca questo senso al di là delle apparenze: avverte che il giorno del matrimonio di Wenda sarà per la giovane sposa l’inizio di una morte (guardando la scena del rito nuziale da dietro i vetri di casa sua, Marisa pensa, infatti, che il matrimonio ed il funerale della ragazza si stiano svolgendo contemporaneamente); Cornelia e Ofelia la intimoriscono, ma al contempo le trova simpatiche; ella è capace di vedere ben oltre il segreto impronunciabile rivelatole dall’amichetta Celeste (la quale si è fatta medicare una ferita con un azzurro occhio di cane ammazzato a bella posta per farla guarire), e quindi decide consapevolmente e con saldo raziocinio di non crederci. La sua ansia di ricerca emerge vividamente nel promemoria dei quesiti che lei stessa stila -con tanto di numerazione- e che sottoporrà un giorno alla sua grande e misteriosa amica Maria Zarzuela Romiero.
Marisa è dunque un’eroina sempre alla ricerca, sorellina acquisita di altri piccoli eroi della letteratura italiana come ad esempio il protagonista di Tragedia dell’infanzia di Alberto Savinio o come Arturo, giovane e splendida creatura di Elsa Morante. Per tutti l’incantevole mondo della meravigliosa infanzia presenta delle incrinature pronte a farsi crepe e a distruggere l’immagine di una realtà quasi favolosa, mitica. Sono le storie brutali degli adulti le crepe di cui parliamo. Maria Luisa Caputo però ama la piccola Marisa, perciò la difende dai colpi bassi del tragico vero affidando alla protagonista che narra, ormai adulta, uno strumento narrativo essenziale e vitale: l’ironia. Si legga, a questo proposito, lo splendido racconto Spettri domestici. L’autrice carpisce le voci delle paesane, che per tutto il pomeriggio se ne stanno a spettegolare, e ne fa una vera orchestra, con i suoi strumenti e soprattutto con le sue modulazioni di fiati. Lo spettacolo è davvero divertente, e grazie all’ironia anche un aspetto così prosaico può essere narrato e rivisto nella rammemorazione di quel tempo più felicemente. Ma non tutte le donne amano conversare per i vicoli della cittadina: la mamma di Marisa detesta questa occupazione. Le donne, comunque, hanno sempre un ruolo da protagoniste e sono ritratte nelle pose più significative della loro vita. Scorgiamo una energica Teresina in grado di rifiutare e scacciare dalla sua casa un suo spasimante, di ammazzare il marito che l’ha ingiustamente accusata di adulterio, quindi di indossare i suoi panni e mettersi al suo posto a lavorare come arrotino. Per lo più maritate in giovanissima età, e a volte contro la loro volontà, queste donne custodiscono nell’intimità qualcosa del loro passato, qualcosa di prezioso come il diploma di maestra che permette a Caterina di realizzare il suo vecchio sogno di partire per Roma, dopo aver perso il marito. Di contro, gli uomini sono raffigurati come delle maschere fisse, incapaci di cambiare le proprie opinioni; oppure come veri e propri geni del male (si pensi a Turì che seduce ed abbandona Ofelia per prendere la via delle Americhe, proprio come aveva fatto anni prima suo suocero).
Spettri domestici è il sesto di dodici racconti che compongono questo romanzo ritmato, come l’autrice lo definisce. A ben guardare esso è il racconto centrale, ed in un romanzo dovrebbe essere quello che traina con sé tutto quel che è accaduto verso lo svolgimento futuro della storia. Spettri domestici può, tuttavia, essere letto anche senza ciò che lo precede e lo segue: è in grado di sostenersi anche da sé. Tutti i racconti di questo romanzo ritmato lo sono. Il lettore si ritrova di fronte ad una specie di sfera senza centro in cui ogni singolo racconto può essere un centro possibile, così come lo è ogni tema (la virilità sempre esibita dagli uomini, la predisposizione delle donne ad una grande capacità di sopportazione, le stravaganze e l’audace malignità -finanche la cattiveria- dei bambini). Fra una storia e l’altra intercorre una pausa che conferisce appunto il ritmo alla sinfonia complessiva che il romanzo costituisce. Il lettore, assieme alla scrittrice, può allora fermarsi e riempire lo spazio silenzioso con le immagini descritte vividamente, quasi realistiche, del paesaggio di Sant’Elena; oppure con i suoi suoni, le sue espressioni dialettali.
Maria Luisa Caputo sceglie per il suo libro una lingua sì codificata dalle norme grammaticali e ben comprensibile ma, essendosi tuffata completamente nella sua infanzia, nei suoi cieli azzurri ed anche nelle sue tempeste, non tralascia di far risuonare quel tempo con la sua voce più autentica: il dialetto, appunto. E non solo. Conferisce una strana lingua proprio al personaggio più affascinante, Mizar, la quale parla un dialetto italiano dagli accenti castigliani. Simbolicamente questa lingua raffigura perfettamente l’essere speciale che è Mizar. Ella appare la prima volta alla bambina come un marinaio, come un uomo molto bello; si rivela poi una donna che incanta sempre più Marisa perché ogni volta le promette di raccontarle una nuova storia. In realtà le dice veramente poco di sé. E che sia proprio quella magica lingua a compiere l’incantesimo assieme alla sua dualità, al suo essere uomo e donna insieme, alla sua capacità di conciliare gli opposti? Forse non è un caso che l’ultima volta che incontriamo Mizar la vediamo nella splendida e feconda immagine di donna che aspetta un figlio.
Grazia Vaccariello
postato da: laureato alle ore 20/06/2007 07:30 | Permalink |
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martedì, 19 giugno 2007
fantasmi nati dall’ingenuità e dall’ignoranza popolare
MARIA LUISA CAPUTO
Le storie di Mizar
EDITRICE TOTEM
Analisi critica di
Irene Bartolomeo
“Le storie di Mizar” di Maria Luisa Caputo non è un romanzo. Infatti, più che una vera narrazione, propone una serie di situazioni e di figure esemplari. Lungo un racconto che pesca nei ricordi di bambina dell’autrice, si susseguono personaggi a tutto tondo, altri solo accennati e altri, infine, presi in prestito da una tradizione allo stesso tempo popolare e fantastica.
Un’analisi attenta meritano i personaggi femminili che si manifestano con il loro destino già scritto, ma nella loro eccezionalità umana. Donne già madri, mogli, sorelle, si scoprono improvvisamente pronte ad una scelta, spesso in contrasto con il comune agire e che, solo a volte, ritrovano la loro dignità e l’accettazione da parte degli altri. In altre parole, oltre al personaggio di Mizar, che appare agli occhi dell’autrice-bambina il simbolo della salvezza rispetto ad un futuro deciso da altri e che nell’ultimo racconto raggiunge la sua completezza nel diventare madre, gli altri personaggi femminili entrano in scena al fianco, spesso nell’ombra, dei loro rispettivi uomini, padri e mariti, per poi ritrovare, dopo essere rimaste sole, la propria identità e la propria coerenza. In questa chiave vanno letti i personaggi di Wenda e Caterina “contente di restare vedove” e, soprattutto, di Teresina, che dopo aver ucciso il marito infedele, viene condannata a soli cinque anni dal giudice, difesa dagli uomini del paese e assolta dalle loro mogli.
Questi racconti, che sicuramente potremmo definire di memorie, vogliono testimoniare un momento della storia del nostro paese, una storia ambientata in un piccolo paese del sud dove collina e mare sono collegati da una funicolare, sulla quale non viaggiano solo uomini, ma anche le notizie che a volte cambiano il loro destino. Così accade al costruttore che ha sognato di erigere il Lido più bello e moderno del paese, così attraverso i finestrini assistiamo al cambio delle stagioni e all’arrivo dell’agognata estate. Non si può certo, però, parlare di racconti neorealisti, sia per la continua intrusione di elementi fiabeschi, sia perché l’autrice vuole caricare i suoi personaggi e gli ambienti di un forte valore significativo che in alcuni momenti diventa simbolo. E’ il caso dei racconti “Spettri domestici” e “Occhio di cane” dove credenze e fantasmi nati dall’ingenuità e dall’ignoranza popolare, turbano i sogni di una bambina. Nel racconto “Ofelia”, dove già il nome della protagonista e della madre, Cornelia, rimandano al concetto stesso di mito, gli uomini, che appaiono solo per un attimo nella vita delle due donne (giusto il tempo di concepire un bambino), lasciano come traccia di sé un ritratto “nero di seppia, baffuto e ricchissimo” che si trasforma in un simbolo immune al tempo.
Se, per quanto riguarda la relazione che l’autrice stabilisce con i suoi ricordi, non può non venire in mente l’opera di Pavese e la sua ricerca nella memoria delle ragioni del presente, in questi racconti, però, scompare il “male di vivere” per lasciare il posto ad una visione ottimista e quasi mai malinconica del passato. Un’altra considerazione che alla lettura appare inevitabile è la presenza invisibile e costante di una visione manichea, che si manifesta nel giudizio che i bambini danno degli adulti. Volendo cercare nella letteratura italiana del secolo scorso un’opera in cui ritrovare questo motivo viene subito in mente “Il sentiero dei nidi di ragno”, in cui Calvino attraverso lo sguardo inconsapevole di un bambino vede sfilare l’amore, la passione e il tradimento. Rispetto al protagonista del libro di Calvino, la bambina-autrice di questi racconti si ritrova in un mondo contadino dove le regole sono già stabilite e, a ricordarlo, intervengono direttamente i “cori” delle donne del paese, che parlano, sparlano, giudicano e, solo a volte, perdonano chi viola quelle regole. Questo impianto narrativo può apparire “classico”, ma l’autrice lo cala in una struttura complessa e moderna, dove il tempo viene sospeso e i tanti frammenti della memoria si fondono in un unico flusso di ricordi, che fa di questi racconti un’opera unitaria. Anche nella scelta lessicale e nell’alternanza di discorso diretto e indiretto la Caputo compie una ricerca che diventa stile. La presenza costante del dialetto catapulta, infatti, il lettore indietro nel tempo, vicino ai personaggi e all’interno delle vicende narrate. Sicuramente questo tipo di scrittura rimanda ad un linguaggio di stampo verghiano teso ad una narrazione quanto più possibile immediata. L’autrice di questi racconti, però, non pone mai una distanza netta tra lei e i suoi protagonisti, al contrario si sente sempre coinvolta nelle vicende e partecipa emotivamente alle loro gioie, delusioni, vittorie e sconfitte.
La scrittura di Maria Luisa Caputo può essere definita “prosa di colori” dove la narrazione, che alterna momenti di sovrabbondanza (in particolar modo lessicale) a momenti di sottrazione, si sofferma in descrizioni dettagliate di paesaggi variopinti, di odori intensi che vogliono restituire al lettore il significato ultimo della ricerca nella memoria delle proprie esperienze. Nelle ultime pagine dell’opera l’autrice rende manifesta la sua visione della vita, dove non tutto ha una risposta certa, una soluzione condivisa, pur sapendo che ogni cosa ha una ragione e che la scrittura è il mezzo (forse l’unico) per indagare la realtà e per ritrovarsi al fianco dei protagonisti dei propri ricordi.
Irene Bartolomeo
postato da: laureato alle ore 19/06/2007 14:25 | Permalink |
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domenica, 17 giugno 2007
una carrellata di figure femminili
MARIA LUISA CAPUTO
Le storie di Mizar
EDITRICE TOTEM
Analisi critica di
Lorena Loiacono
Lo sguardo di una bambina che si poggia sul mondo, la giostra di figure ed emozioni che le ruota intorno ed un sogno, fuso e confuso con la realtà, che le fa compagnia nel suo incedere: è questo il filo conduttore di un romanzo che, scavando nella memoria sia individuale che sociale, riscopre la verità e l’essenza dei rapporti umani, sempre sotto lo sguardo, attento, di una bambina.
“Non dimenticherò mai quel mattino di novembre”: sono queste le parole con cui l’autrice, Maria Luisa Caputo, incuriosisce il lettore e lo porta, attraverso le pagine del libro, a viaggiare tra i ricordi della giovanissima protagonista, nella sua memoria che, profondamente radicata nell’anima, non potrà mai andar perduta. Ecco allora che sovvengono, quasi in un gioco teatrale, figure, spesso femminili, altamente caratterizzate da uno spessore psicologico e sociale: è proprio in questa teatralità, resa con un linguaggio ed una struttura semplice e diretta, che emerge con evidenza una grande abilità descrittiva, in grado di lasciar scorrere sulle pagine del romanzo una carrellata di figure femminili, che assolvono allo stesso tempo il ruolo di comparse e protagoniste.
Un romanzo di formazione, ritmato su racconti brevi in cui, per un artificio letterario, la voce narrante è sempre la stessa, caratterizzata da una finalità: osservare tutto ciò che sulla “scena” accade, per poi riproporlo in un confronto finale tra protagoniste, confronto che invece, alla fine, il lettore non troverà sulle pagine del libro ma nella sua stessa coscienza.
Ogni racconto breve ha la sua protagonista, di cui viene narrata la storia, mantiene sempre la stessa narratrice, caratterizzata da una voce, da un linguaggio e da un punto di vista, infantile nella sua purezza, e fornisce costantemente la realizzazione del paesaggio o del contesto sociale e famigliare, con quei particolari-chiave in grado di rendere immediatamente chiara la scenografia che ruota intorno al personaggio e che, spesso, si erge quasi a protagonista.
Il paesaggio, o più genericamente il contesto, viene metaforizzato e diviene dunque protagonista: un paese campano, difficile da comprendere agli occhi della protagonista-bambina, ma accogliente e spesso divertente, pronto a crescere e ad emanciparsi ma ancora duro a comprendere i cambiamenti. Ecco allora che si creano, nella mente della giovanissima osservatrice, che parla attraverso la penna della Caputo, antitesi importanti e formativi: dalla sposa con lo sguardo triste tipico piuttosto di un funerale, alla “signora” del paese brutta ed arcigna che si trasforma in pochi gesti in una dolce e timida creatura, alla coppia madre-figlia odiata e temuta da tutti ma, in poche righe, commiserata dal lettore, fino al travestimento della stessa Mizar, che da uomo affascinante si scopre poi essere una donna, altrettanto affascinante, capace di creare senza troppe parole un personaggio intorno a sé dall’altissimo potere teatrale e dalla forte presenza di scena.
Un gioco di simboli, dunque, che emergono dalla memoria della piccola Marisa e assumono il ruolo di esperienze vissute, di lezioni di vita acquisite: c’è tutta la fatica per allontanarsi dai pregiudizi e per imparare a capire, domandarsi senza fermarsi alle apparenze, alle parole delle “pittigulune”.
Due occhi di bambina attenti e curiosi alle prese con la scoperta della vita, una figura femminile, materna e sensuale allo stesso tempo, tanto affascinante da divenire immediatamente guida e punto di riferimento, ed un paesaggio naturale ed umano a volte incomprensibile, a volte spassoso ma, comunque, sempre passionale e coinvolgente: tutto questo, sviluppato in 14 racconti brevi dall’andamento scorrevole e riflessivo allo stesso momento, per parlare di Marisa, una donna chiaramente adulta, che dà voce ai suoi ricordi di bambina per capire, oggi, se stessa e la società che l’ha vista crescere, con un’espressività tanto forte ed intima da rendere inevitabili le sovrapposizioni tra personaggio protagonista ed autrice.
E’ infatti proprio Maria Luisa Caputo, l’autrice delle “Storie di Mizar”, ad accompagnarci nella crescita emozionale e sociale di una bambina, Marisa appunto, alle prese per la prima volta con la necessità di “capire” tutto quello che, istintivamente, non si riesce proprio ad accettare: spesso è la famiglia stessa con i suoi comportamenti a destare curiosità negli occhi ingenui di bambina, con tutti i suoi meccanismi sia spontanei che dettati da una società ancora troppo tradizionale e restrittiva; altrettanto ricorrente e commovente è la scoperta, disarmante, dell’ignoranza, che frena gli entusiasmi, irrigidisce le passioni e capovolge ogni criterio logico, dedotto solo inconsciamente da una personalità troppo giovane per avere il senso della critica ma abbastanza perspicace per riconoscere, ed allontanare, il bene dal male.
Al fianco della giovane esploratrice, a cui farà compagnia per un anno intero, c’è Mizar, una presenza fissa nella memoria più che nella storia, decisamente più un personaggio di fantasia che una reale coprotagonista, affascinate, misteriosa e dolcissima nel suo accento spagnoleggiante, in grado di donare solo con il suo ricordo tutta la sicurezza ed il giusto stimolo per accendere curiosità e voglia di conoscenza in una bimba ancora libera da pregiudizi e regole sociali.
Mizar è libera: questo è il punto di forza, il vero motore della storia, Marisa riconosce immediatamente la forza della sua eroina nel sapersi mostrare senza paura e senza vergogna, in un lavoro da “uomini” ed in una società ancora troppo patriarcale che forse, proprio con la generazione della piccola Marisa, potrebbe giungere ad una svolta, ad un cambiamento, ad un’emancipazione dettata sia dal bisogno che dalla coscienza.
Un anno di tempo, dunque, si regala la protagonista per tirare le somme con la sua esperienza di vita: dodici mesi trascorsi con entusiasmo a raccogliere domande ed esperienze, ad osservare la sua famiglia, gli esempi esterni e le facoltà umane in generale, per poi sottoporre domande e dubbi alla sua Mizar, all’unica presenza che, per il momento, sembra in grado di poterle rispondere, capace di trasmetterle dolcezza con quelle poche parole e di affascinare chi la circonda, con la sensibilità femminile e coinvolgente mai conosciuta prima ma scoperta in quei pochi momenti a disposizione.
Scorrono veloci come un fiato le stagioni di un anno intero e portano in scena tanti personaggi ed altrettante situazioni, una carrellata di episodi, attenti, semplici, genuini e dolorosi, come solo la spontaneità infantile è capace di rendere la realtà: la bambina che osserva, scruta, indaga e poi, infine, impara tirando le somme. Si intravede tra le righe un “fanciullino” di pascoliana memoria, figlio però dell’Italia del dopoguerra, meridionale e sofferta, ma anche gioiosa e colorata: è questa la forza di Marisa, dall’alto dei suoi pochi anni di vita lei può capire, imparare e cambiare; sa riconoscere i torti e contrastarli, sa leggere sul volto degli uomini il dolore che provoca l’ignoranza, la superstizione, l’emarginazione ed il pregiudizio.
Il romanzo, delicatamente di formazione, racconta la storia di un cambiamento, di un progresso, di una “crescita” perchè Marisa sta crescendo e grida al mondo il suo bisogno di farlo, crea in se stessa una guida, un’eroina, e la rende importante, bella e splendente nei modi e nelle risorse: Mizar, quel tipo di donna che mai la piccola Marisa ha visto nella sua casa, tra i suoi parenti o tra le sue amicizie, la donna che viene da lontano, arriva dal mare affascinante come un uomo ma più dolce, più forte forse proprio nel suo essere materna.
L’immutabilità, questo spaventa e coinvolge allo stesso tempo l’autrice, è l’immutabilità il velo che copre tutte le emozioni ma, al contempo, ne svela l’euforia, tra lampi e sgrosciolii, tra lenzuola e brache, tra silenzi e risa lontane: l’autrice rievoca per se stessa e per chi, con raccoglimento, decide di ascoltare la sua lirica, paesaggi lontani, passati, trascorsi ma presenti, palpabili e ancora emozionanti.
Tutto avanza per poi, irrimediabilmente, perdersi nel vento: sono le notti che, decantate da sempre dai poeti più interessanti e sensibili, restano immutabili solo se trascorse a “raccattar le stelle”.
Le stelle dunque, i sogni di bambina, le speranze e le illusioni di donna, tutte le esperienze felici di una vita: questo non cambia mai, questa sensazione, e solo questa, è in grado trattenere la piccola Marisa, la fonde e la confonde con l’autrice, con la donna adulta che scrive e che, ora, legge ritrovando nelle parole infantili la propria natura, la propria origine, il proprio percorso. Un’introduzione forte dunque, attenta al passato ed alla memoria, chiaramente rievocativa di emozioni, rumori ed odori appartenenti al passato ma ancora presenti nell’anima: si vedono ancora i lampi e gli ulivi vibranti e si odono gli sgrosciolii, così come le risa ombrose o i lunghi silenzi. La memoria è ancora viva e forte, occorre ora riscoprirla e donarle la voce, la parola, per riportare in vita, assieme ai ricordi, l’ingenuità degli occhi di una bambina che scopre il mondo, si affaccia alla vita, si nasconde dietro un sogno inventato e trova così la forza di vivere, provare, cercare ed apprezzare tutto ciò che trova.
L’immutabilità, che è chiusura e bellezza allo stesso tempo, che gela nel passato la memoria ma che, per questo, è l’unica in grado di conservarla, è lo strumento magico dell’autrice: Marisa ricorda perfettamente la sua infanzia, rispolvera i suoi pensieri e ritrova il paesaggio estivo fatto di cicale, di barche, di temporali e di ulivi.
La lettrice non potrà non immedesimarsi con la protagonista, scelta e donata dalla Caputo: dalle pagine dei racconti emergono odori e rumori, voci e richiami, sfogliando le pagine con una lettura attenta ma leggera non sarà difficile ritrovarsi di fronte l’io, infantile e spaventato dalla propria curiosità, spinto alla conoscenza e frenato dalle regole sociali, nella fase della crescita personale. Ogni lettrice infatti, perché sarà proprio un pubblico femminile ad emozionarsi e commuoversi maggiormente con la Caputo, ritroverà se stessa bambina, i primi dubbi, le prime titubanze, i primi dolori.
Lorena Loiacono
postato da: laureato alle ore 17/06/2007 08:18 | Permalink |
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sabato, 16 giugno 2007
dimensione immaginaria che davvero sembra estraniata da ogni epoca
MARIA LUISA CAPUTO
Le storie di Mizar
EDITRICE TOTEM
Analisi critica di
Serena Frediani
Leggere “Le storie di Mizar” vuol dire trovarsi oltre le parole.
Questa raccolta di racconti non nasce in effetti solo per essere letta, piuttosto si lascia guardare, assaporare, ascoltare. Le prime cose che di essa ci raggiungono, sono le sue componenti veriste, attraverso le quali risulta talmente visibile nei particolari, nelle atmosfere e nei dettagli, che sembra scorrere tutta quanta su una sequenza di diapositive. Ma la sola vista non basta a contenere interamente le sue intensità: è una storia ritmata, ha voci sussurrate di mormorii di paese, e più spesso gridate, di bambini e pescatori.
Se possibile, è tangibile, corporea. Ha una sua temperatura: è calda, è soffice, e mantiene questo timbro termico anche se libera malinconie e simboli al di là di quanto è scritto. Nonostante il suo radicarsi profondo in una realtà di memorie e vissuti, questa raccolta di storie riesce sorprendentemente a contattare una dimensione immaginaria che davvero sembra estraniata da ogni epoca, tramandata da madri e nonne attraverso favole e miti popolari. Ed è quello il momento in cui sembra di ascoltarla.
Maria Luisa Caputo narra invece tempi e luoghi reali, imprimendo su queste pagine le tracce di molti percorsi fondamentali mossi nelle direzioni aperte da spaccature letterarie, storiche e morfologiche di un periodo variegato di correnti letterarie e realtà diverse quale è stato il secolo scorso. L’Italia del Novecento coltiva infatti sia la tradizione di narrativa breve dalla anteriore matrice di Verga, presente in Corrado Alvaro e mantenuta, nell’aderenza realista che contraddistingue il genere ma in tutt’altro ambito sociale, nei “Racconti romani” di Moravia, sia la fioritura letteraria femminile, in contesti geografici e tematiche completamente differenti, con Natalia Ginzburg e Paola Masino, che nelle novelle esplorano ognuna seguendo uno stile ben diverso ed estraneo alla tradizione (in taluni casi influenzate e spinte necessariamente dal presupposto politico e storico di quel tempo) la dimensione della memoria e la loro esperienza di donne riferita alla loro realtà, intima, sociale, immaginaria. Pur manifestandosi in maniera diversa tra loro, le due tradizioni letterarie e molti loro elementi si incontrano nella tipologia narrativa delle Storie di Mizar.
Maria Luisa Caputo ci fa vivere per un qualche momento in una cittadina sulla costa campana, e per evocarne la presenza “fisica” si serve formalmente di dialoghi contenenti dialetti e di pennellate descrittive con paesaggi caratteristici, entrambi elementi fortemente tipizzanti, reali e oggettivi come è nell’anamnesi della narrativa breve del secolo scorso.
La struttura stilistica si dipinge da sé con un tratto morbido, classico e armonico, attraverso il quale i fatti non arrivano mai agli occhi in modo brusco nonostante l’immediatezza di certe immagini, più rare ma forti come labbra leporine, occhi strappati ad animali, forbici e coltelli che l’Autrice sceglie appositamente per sostituire, richiamare, estremizzare o sviscerare al contempo altri concetti legati a pregiudizi, superstizioni, tradimenti e reati.
Vita e personaggi di un piccolo paese, santi protettori, pettegolezzi, matrimoni e funerali, sono tutti presenti in queste novelle con una verità tale che sembrano destinati a non morire mai, a non cambiare. In questo, le memorie della piccola Marisa realizzano un dipinto per ogni storia, per ogni personaggio, per ogni angolo di quella cittadina dove è passata una bambina che, aspettando il ritorno dello stesso peschereccio e della donna che ne porta il nome, diventerà lei stessa la pittrice del quadro finale.
Nella scelta del linguaggio e delle sue rappresentazioni visive, è sostanziale il fatto che i racconti siano scritti in forma memoriale di cui l’io narrato è appunto una bambina, che non sempre vive i fatti ma li attraversa e cerca di capirli, usando forme e strutture semplici. Dunque, sottolineare questo elemento vuol dire avere la chiave per scoprire i simbolismi che albergano dietro la semplicità della storia.
La cosa che sorprende è l’abilità con cui l’Autrice trascenda la parola e costruisca al di là del testo una superficie che può isolarsi dalla storia e raggiungere temi ricorrenti nel simbolismo della tradizione cara a Buzzati. E questa astrazione è conquistata senza complessi artifici paradigmatici, ma solo grazie alla discesa nell’interiorizzazione simbolica della realtà attraverso il racconto. Guardando al di fuori e aspettando altre storie, la voce narrante diventa un occhio aperto verso la parte più interna dell’animo e spinge ad afferrare quei contenuti esistenziali relativi alla solitudine umana, al tempo che passa accompagnato dall’attesa che qualcosa possa succedere e cambiare, e dalla speranza che la vita riservi ancora delle possibilità.
Tuttavia, mentre la sensazione di immutabilità esteriore e l’attesa intima sono sconfortanti in certi racconti brevi della tradizione meridionale, il sapore delle Storie di Mizar è invece nettamente più dolce che agro. L’Autrice elimina nostalgie perentorie lasciando luminoso spazio a nuovi e positivi significati, servendosi dello sguardo fiducioso ed entusiasta con cui una bambina guarda e aspetta il futuro.
Siamo perciò su un terreno diverso dal Deserto dei Tartari, anzitutto perché il palcoscenico è popolato da altre vicende e in secondo luogo perché la metafora della malinconia della vita e delle attese vane viene attraverso Mizar sostituita dalla certezza di una risoluzione consacrata dal suo ritorno.
Una donna bellissima, venuta da lontano, da un posto nuovo, con un accento diverso e caldo, e tante altre storie da dire: è questo che Marisa aspettava al porto. Una memoria fanciullesca che vede e traduce in parole queste immagini, generanti, a loro volta, emozioni meramente espresse: ciò che il ricordo non dice e che lascia inconsapevolmente intravedere, è quella massa di significati sottesi ad ogni sua parola, ad ogni immagine ed a ogni fatto da lei ricordato, raccontato e rappresentato.
Mizar significa una vita nuova, un’attesa entusiasta ma trepidante, a volte più sicura, a volte meno, ma di fondo è la bellezza che la fiducia nel futuro sa di avere in sé; fiducia che qui o altrove possa essere realizzata, concreta e non disattesa e che quel gusto dolce che dà al futuro non ci abbandoni, che arrivi o torni per noi che lo aspettiamo.
Serena Frediani
postato da: laureato alle ore 16/06/2007 07:31 | Permalink |
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venerdì, 15 giugno 2007
E’ la vita di un altro tempo
MARIA LUISA CAPUTO
Le storie di Mizar
EDITRICE TOTEM
Analisi critica di
Maria Daniela Brancaccio
In un appassionante mosaico di racconti brevi, che si susseguono l’uno dopo l’altro come tasselli incastonati tra loro, l’autrice ci guida entusiasta in un mondo di sogno.
Che tale luogo sia un piccolo paese come tanti nel Sud dell’Italia si deduce dalle prime parole dell’opera.
Luogo di memorie e di domande che, nel continuo oscillare della voce narrante, sospesa tra ricordi e consapevolezza del presente, si carica di simboli e messaggi segreti, arcani, remoti.
Tra il silenzio delle ore pomeridiane ed il rumore lento delle onde, sulla scia di mille profumi diversi, la narrazione assume contorni straniati e alle volte angoscianti, come quelli che può assumere il mondo reale osservato da uno sguardo fanciullo.
La percezione si acuisce e le case, la chiesa, diventano mostri dalle grandi fauci pronte ad inghiottire ogni cosa che vi si avvicini troppo. Le stagioni con i loro profumi e sapori entrano con prepotenza nell’animo del lettore, che quasi sembra esservi catapultato nel mezzo; il mare si trasforma in una forza oscura da tenere a bada con centenari riti propiziatori.
E’ la vita di un altro tempo quella esaltata dal testo, una vita diversa, più autentica, ma anche meschina e gretta, chiusa com’è nel suo cantuccio fatto di luoghi comuni e pregiudizi che come una piaga si intrufolano nelle case, attraversano le pareti che crollano alla prima scossa di terremoto.
E’ il trionfo di una musica tutta nuova, la voce solista della comare più anziana è echeggiata da tutto un coro di altre voci senza volto. La sinfonia invade i vicoli odorosi di sughi e minestre, rende il cielo ovattato e permette agli spettri di rifugiarsi indisturbati negli angoli delle vecchie case.
La narrativa del Novecento non si stanca di raccontare mondi del genere e, al contrario di come si potrebbe credere, lo fa con una precisione sempre diversa, mai ripetitiva. L’autrice, ormai adulta, è in grado di osservare le cose per come sono davvero, ma non nasconde un sottile piacere nel regredire ad un tempo passato.
Tempo di domande che non avranno risposta, tempo di paure e speranze, di bagni al mare in estate e di segreti narrati nella penombra delle cucine in inverno.
Su tutto questo, la figura enigmatica e misteriosa di Mizar cattura la scena con prepotenza fin dal primo racconto.
Nel vocio confuso dei bagnanti, essa assume una fisionomia sempre diversa. All’inizio è un nome scritto a grandi lettere sulla prua di un peschereccio di ritorno alla spiaggia. Poi diventa una figura umana, dai tratti confusi, che la piccola osservatrice si sorprende a seguire con lo sguardo, quasi stregata dal suo fascino segreto; poi le sensazioni tattili e olfattive hanno il sopravvento. Ritrovatasi in braccio a Mizar, la protagonista sembra quasi sospesa in una dimensione altra, dove l’odore del pesce ed il brusio della folla sono lontani. Persino il sesso di quell’entità ipnotica è imprecisato agli occhi della fanciulla. Un uomo come gli altri pescatori all’inizio, ma pian piano i suoi caratteri femminili vengono alla luce allo sguardo di un attento lettore, fino a quando il nuovo pronome personale utilizzato rende chiara la trasformazione. La dolcezza dei lineamenti, i soffici e lunghi riccioli diventano il tempio di una femminilità addolcita dal caldo accento spagnolo.
Dalla ammirazione di una bambina per una donna che sembra racchiudere nel luccichio degli occhi un mondo di storie misteriose, l’autrice crea il suo affascinante romanzo fatto di racconti, di musica, di sussurri lontani.
“Le storie di Mizar” sono un susseguirsi di domande che la protagonista si propone di porre alla sua nuova amica.
E’ la metafora della crescita e della corsa verso la consapevolezza dell’età adulta. In un percorso ciclico della durata precisa di un anno solare, l’autrice narra il suo primo incontro con Mizar e le sue esperienze quotidiane, alle volte spaventose, altre incomprensibili, ma sempre in possesso di una forza emotiva tale da spingerla a pensare, a chiedere, a voler sapere.
Mizar diventa l’amica che tutti i bambini vorrebbero avere accanto; la sostituta di una madre troppo presa dalla routine della vita e dalla paura dei pettegolezzi per soddisfare l’immenso desiderio di conoscenza di sua figlia; diventa il modello al quale la protagonista aspirerà per un intero anno; colei che tra le mille parole di una storia concretizza il segreto desiderio di fuggire da un mondo chiuso e oppressivo alle volte, un desiderio a fatica celato dalle parole della scrittrice, ma volutamente trasmesso ai personaggi secondari protagonisti dei vari racconti.
Una costruzione a cornice circonda il corpus del testo in cui, come in uno spettacolo teatrale, sfilano ogni volta caratteri diversi, segreti diversi e misteri sempre nuovi.
Il tutto diventa un perfetto e variegato ritratto del paese che fa da sfondo alla storia, il quale tenta disperatamente di tenersi stretto ad un passato ormai agonizzante ma certo e rassicurante.
Un mito inventato. Un oggetto venerato solo perché non del tutto conosciuto. Ma l’estate paziente che sempre ritorna, infrange il sogno variopinto.
Non è un angelo venuto dal cielo, nemmeno una creatura superiore quella che la protagonista ha atteso di rivedere per dodici lunghi mesi. E’ una donna, come ce ne sono tante. Una donna come sua madre.
Partorirà a breve, niente viaggi avventurosi e storie incantate dunque, l’ aurea che la circondava si spegne improvvisa, la realtà invade la fantasia con prepotenza.
Forse il Maestrale l’ha portata in Argentina e quella donna dai tratti più morbidi e il volto un po’ stanco è solo una sua immagine sbiadita; forse la vera Mizar ha dimenticato di avere un’ammiratrice su quella spiaggia lontana: o forse, semplicemente, dopo un anno, la bambina è cresciuta e può andare avanti da sola; un po’ come quando un piccolo amichetto immaginario, improvvisamente, così come era venuto, lascia la mente del fanciullo ormai pronto a crescere davvero.
Non importa se certe domande resteranno senza risposta, non importa se per un anno intero la bambina ha atteso quel momento. Il tempo darà tutte le risposte.
Basta solo avere pazienza, e saper guardare oltre la superficie delle cose, dove ciò che è visibile al mondo esterno si fonde con l’invisibile del sogno e dell’interiorità.
Il tempo dell’opera non è un attimo indefinito nel divenire eterno, ma si allunga con dinamico linearismo, caricandosi di valenze psichiche. L’alba, il tramonto, i giorni che si susseguono, sono tutti simboli di un percorso interiore che ha un fine preciso. E’ come il bruco che per diventare farfalla deve liberarsi dall’involucro esterno di quando era crisalide. L’interno è accogliente, caldo, ma finito e l’animo dell’autrice non sopporta tale finitezza, come Caterina che grazie ad un pezzo di carta straccia può fuggire lontano, come Wenda, che non sopporta il vestito da sposa nel grigio mattino del suo matrimonio.
Tra le pagine del romanzo viene alla luce la consapevolezza che, in determinati contesti, la parola non coglie davvero la realtà delle cose e, se ciò da una parte genera sfiducia, dall’altra apre la strada ad un mondo del tutto sconosciuto per la protagonista.
Lungi da un freddo realismo di stampo verista, la scrittrice è in grado di parlare di eventi reali che però, allo stesso tempo, si caricano di valenze simboliche, di significati soprannaturali e quasi magici.
La volontà di guardare il reale attraverso gli occhi di una bambina è metafora del desiderio di far emergere l’animo fanciullo che c’è in ognuno, il tutto non perdendo mai di vista l’incantata prospettiva romantica centrale dell’opera.
Allo stesso tempo, superstizioni e credenze radicate nella mente della gente si uniscono in un connubio così stretto con la vita quotidiana che risulta quasi impossibile capire dove inizia il sogno e termina il mondo reale.
Un realismo magico all’italiana insomma, che soltanto un grande amore per la propria terra e le origini possono generare. Racconti brevi che lasciano il segno.
Spesso anche crudi e concisi, ma mai inconcludenti.
In ognuno di essi è incisa a caratteri indelebili una piccola morale e vi è la risposta ad un piccolo mistero.
Come se, una volta cresciuta, l’autrice volesse prendere il posto di Mizar in persona e porsi come soluzione a tutti i quesiti irrisolti di lei fanciulla.
E’ il fascino della favola il vero protagonista del romanzo. Fiabe sempre nuove, che innescano nell’animo il desiderio di ascoltarne delle altre e di inventarne ancora di nuove, in un processo senza fine. Servono a esorcizzare la paura di essere schiacciati da una fredda modernità e allontanano la il buio e la notte. Come Shahrazàd faceva secoli fa in quelle lontane mille e uno notti.
Fiabe di miti, di amori veri e matrimoni che sembrano funerali, di tempeste e terremoti, di nascite e morti.
Il Sud con i suoi colori impregna ogni riga del testo e le parole spesso evocatrici della protagonista – scrittrice ci trasportano nel cuore di un Mediterraneo che non è solo un mare. E’ un intero universo, quasi separato dal resto del mondo, con i suoi scandali e le sue feste popolari, con i suoi borghi, le loro storie e le loro credenze.
Finché, quando Mizar si rivela una fantasia durata un anno, tornando sotto l’ombrellone, mentre il sole alto nel cielo infuoca la sabbia, la bambina si rende conto che la tanto attesa storia, quella che la sua amica sempre le prometteva di narrare un giorno, quella in cui avrebbe trovato tutte le risposte che voleva, quella storia in realtà è già iniziata.
Non resta allora che sedersi, in silenzio, chiudere gli occhi, acuire i nostri sensi e ascoltarla.
Maria Daniela Brancaccio
postato da: laureato alle ore 15/06/2007 17:29 | Permalink |
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giovedì, 14 giugno 2007
il potere di decidere i destini
MARIA LUISA CAPUTO
Le storie di Mizar
EDITRICE TOTEM
Analisi critica di
Simona Simbula
Nell’iniziare la lettura del romanzo, la prima sensazione è quella di venir catturati dall’atmosfera verista dei romanzi verghiani. Gli ingredienti ci sarebbero tutti, fin dall’episodio iniziale, quello che, in realtà, darà una ragion d’essere alla magica, esotica, quasi fantastica figura della protagonista: Mizar. Il titolo stesso del libro lascia supporre che l’intera vicenda si svolga intorno alle avventure di un misterioso protagonista, ma, in realtà, la narrazione delle Storie di Mizar, si snoda attraverso il racconto di piccoli episodi a sé stanti, che con Mizar avrebbero, in realtà, poco a che vedere. Gli episodi, ognuno con una propria, precisa identità, come tante perline cloisonnées in una preziosa collana dal gusto etnico, finemente lavorate e rifinite una per una, scorrono fluidamente sul resistente filo di refe che le unisce e abilmente le collega tra loro, Mizar, appunto. Credo che questa formula narrativa fornisca all’autrice la facoltà di comunicare una sorta di coinvolgimento sensuale e spirituale totalizzante: leggendo, si viene presi in una miriade di sensazioni a livello fisico, fatte di odori, di colori, di suoni, persino di sensazioni tattili, che hanno un’immediata ripercussione sull’io affettivo-emotivo. Potremmo quasi dire che ogni racconto è una sorta di dipinto en plein air, che cattura il momento e ce lo rimanda carico di emotività.
Maria Luisa Caputo parla in terza persona, evocando le immagini della sua infanzia con straordinaria vividezza, ma dando quasi l’impressione di essere estranea alle circostanze, solo una piccola osservatrice curiosa, tuttavia, l’uso di particolari formule definisce questa modalità narrativa in modo assai preciso, poiché, mentre descrive la situazione, essa dà anche dei giudizi personali ed esprime il proprio underground culturale. È il caso di espressioni come “Trasano!”, o “Dillo a chiddi pitteguluni…” che riportano direttamente il lettore all’esperienza e alla cultura del luogo in cui è ambientata la vicenda, dando per scontato che il lettore conosca già l’ambiente, le espressioni linguistiche dialettali, e addirittura i personaggi, che, spesso, non vengono introdotti in alcun modo, o vengono concisamente ed efficacemente caratterizzati con poche tratti essenziali, e di cui si parla con i nomi con i quali sono conosciuti nel paese, quasi come se fossero già noti anche a chi legge. In tal modo, il lettore è chiamato a diventare parte della vicenda, come fosse un abitante del luogo.
Parliamo, ad esempio, del matrimonio di Wenda, dove in un turbinare di colori, rumori e impressioni, che si riflettono sull’animo dell’autrice bambina, l’unica “grigia”, è proprio lei, la sposa. Grigia, fuori e dentro, fino nell’anima. È forse questo grigio reiterato, perenne, che cala sulla scena come una cappa opprimente, in contrasto con la vividezza dei colori circostanti, a comunicare la tristezza, l’ineluttabilità di un evento che, in realtà, dovrebbe essere gioioso, ma di gioioso non ha niente, diventa, anzi, quasi un castigo, una forma di espiazione per il peccato commesso.
Colpiscono subito la descrizione del reale, il moto perpetuo di persone e oggetti, poiché niente e nessuno è mai statico in questi racconti, e l’attenzione verso gli aspetti e i protagonisti più umili della vita quotidiana, ritratta, peraltro, in un contesto “regionale” che richiamerebbe automaticamente il disincantato clima dei romanzi veristi, col loro microcosmo fatto di mancata fiducia nel divenire sociale, di una natura ostile, matrigna quasi quanto quella leopardiana, di rassegnazione fatalistica, di attaccamento alla forma, alle convenzioni, alla “roba”.
Ma ecco che, nelle pagine immediatamente successive, improvvisamente, il panorama cambia. Dal grigio funereo, al colore-calore della spiaggia assediata da persone, cose, animali. Dal silenzio che commenta il matrimonio-funerale, come fosse un delitto collettivo ai danni della sposa-vittima, al baccano gioioso di uno stabilimento balneare, dove, essendosi liberata degli abiti, la gente pare liberarsi anche delle convenzioni. Ed ecco la protagonista, che emerge da un “tripudio di colori”, ma li domina tutti. E che è l’antitesi di ogni altra figura femminile, tanto da venir, inizialmente, scambiata per un uomo.
Non so se sia giusto inquadrare “Storie di Mizar” in una categoria precisa.
Ma potremmo senz’altro definirlo come “simbolista”. Non scevro da altre influenze, intendiamoci, poiché sarebbe riduttivo inquadrare in un’unica definizione la produzione di un’artista eclettica, come Maria Luisa Caputo, ma la ricchezza di simbologie è inopinabilmente una costante.
Intendiamo come simbolismo quel movimento letterario e pittorico sorto in Francia alla fine del diciannovesimo secolo. O, meglio, al termine stesso di realtà si attribuisce un significato più vasto, anche più ambiguo, se vogliamo. Realtà è ciò che si vede, ovviamente, ma è anche quello che non si vede direttamente, si intravede, si intuisce soltanto. Se nel periodo precedente, il concetto d’arte era coincidente a quello di natura, ora, il simbolo ne prende il posto.
Ma che cos’è il simbolo, in realtà? Etimologicamente, la parola deriva dal greco συμ βαλλειν (= legare insieme), è, cioè, qualcosa che si riallaccia a qualcos’altro, che suggerisce qualcosa di diverso da sé. Il simbolismo è una sorta di ricerca della trascendenza, di una letteratura che sia anche pittura, poesia, etica, pensiero, oltre che esperienza meramente sensoriale.
E, infine, c’è un crollo dei confini dei cinque sensi, per cui, un suono può evocare un colore o un profumo, può suggerire un paesaggio. In una sorta di transfert sensoriale, i dati percepiti e quelli spirituali si fondono, il visibile esterno e l’invisibile fantastico si snodano lungo un unico spettro, la natura viene percepita con un’unica, sincronica azione di spirito e sensi.
Il compito dell’artista, sia esso un pittore, uno scrittore, un regista, è di orientarsi in questa trama e decifrare questa foresta di simboli per scoprirne il senso nascosto, l’essenza. C’è uno sbiadirsi delle apparenze sensibili e dell’imitazione della natura e un invito a servirsi liberamente delle parole e delle immagini associandole in modo che non siano strettamente vincolate dalla logica, ma a seconda della loro risonanza psicologica e della legge misteriosa dell’analogia universale. Come nel racconto “Spettri domestici”, in cui davvero sembra di assistere alla performance di un’orchestra in cui fagioli e piselli scandiscono il ritmo e la più pettegola delle comari si esibisce nell’assolo…
Maria Luisa Caputo non si limita a cogliere la propria realtà interiore e a descriverla: la evoca, tramite un alfabeto simbolico che le è assolutamente personale, per quanto facilmente decifrabile, ma che non deve necessariamente spiegare tutto. In fondo, le qualità stilistiche ci sono tutte: la scrupolosa ricerca e l’onesta documentazione, non di meri fatti, ma di emozioni rievocate, la minuzia di piccoli particolari che potrebbero essere, all’apparenza, irrilevanti, l’acutizzarsi, talvolta, del senso di solitudine che ha il solo scopo di lasciare campo libero ai sogni di bellezza dell’artista, e un vago senso d’incompiutezza al termine di ogni racconto, sono resi tramite un abile impasto linguistico che unisce all’italiano espressioni tipicamente dialettali che, se tradotte, perderebbero il loro impatto emozionale, da sapienti ritratti dei personaggi, tracciati con pochi tratti essenziali, e dall’uso di figure retoriche che perdono la loro connotazione di “abbellimento” del testo e diventano parte essenziale della rappresentazione. Si pensi alla personificazione della chiesa, che spalancando le fauci rilascia un fiotto di esseri umani, “in verticale o in orizzontale”, come un mostro mitologico che abbia il potere di decidere i destini di coloro che vi transitano, o alla discussione tra “grossi tafani iridescenti”, in “Forbici e coltelli”, o, ancora, alla metafora delle nuvole trasformate in mandrie impazzite, agli asindeti, e all’enfasi usata nei discorsi diretti…e, importantissimo, alla sinestesia che associa, all’interno di un’unica immagine, sostantivi e aggettivi appartenenti a sfere sensoriali diverse, che in un rapporto di reciproche interferenze danno origine a un’immagine vividamente inedita. Un simile procedimento, che non fu non estraneo alla poesia antica, diviene particolarmente frequente a partire dai letterati simbolisti e costituirà poi uno stilema tipico dell’area ermetica della poesia italiana del Novecento.
In realtà, ad una più attenta lettura, ci si rende conto che fatalismo e rassegnazione sono scomparsi del tutto, rimane solo la serena accettazione di una fisiologia della società regolata dalla darwiniana lotta per l’esistenza, ma con un atteggiamento vistosamente ottimistico, lievemente intriso dalla polemica che contrappone un perbenismo forzatamente interiorizzato al una forte voluttà di dissacrazione… E la scoperta del “vero” a tutti i costi è rinnegata a favore della scoperta dell’io, di una rinnovata indagine psicologica, di un ripiegamento intimistico dall’accento vagamente romantico, ma che non lascia spazio al lirismo esasperato dell’arcadia romantica. L’autrice, al contrario, usando come stratagemma la propria, vivida memoria del vissuto di bambina, sceglie con raffinato estetismo luoghi non volgari e non ovvi, ma nobilitati da fascino paesistico, e, con una disposizione più lirica che descrittiva, mira a cogliere suggestioni, voci nascoste, accordi occulti, corrispondenze tra i suoi elementi o tra questi e l’animo dei personaggi.
La riscoperta e l’affettuosa rappresentazione di una realtà umile fatta di gesti giornalieri si compenetra con la materia psicologica o meditativa di un tono che potrebbe essere tragico se non venisse abilmente affrontato con una piacevole ironia.
Il contesto paesistico, in realtà, è la cornice più adatta per le inquietudini e i conflitti interiori dei personaggi, che derivano dallo scontro tra esigenze spiritualistico-religiose e sensualità, o dalla conflittualità tra sentimento religioso e sollecitazioni filosofiche e sociali tipiche del primo Novecento, che fanno sentire angusti i confini della fede tradizionale. C’è, ad esempio, un forte dibattito tra scienza e superstizione: si pensi all’episodio in cui un occhio canino viene introdotto in una ferita viva per accelerarne la guarigione. La tragicità dell’evento, è, in realtà, affrontata con un intelligente e precoce atteggiamento critico verso le credenze popolari e verso i limiti fideistici che ne conseguono.
Ciò riporterebbe ad una sorta di positivismo: un ripudio della metafisica, dello spiritualismo fine a sé stesso, per concentrarsi essenzialmente sul fatto e sulle sue conseguenze a livello emozionale.
In conclusione, ha un tocco poetico, elegiaco, la prosa di Maria Luisa Caputo. Lo stile è apparentemente semplicistico, il labor limae, se c’è, abilmente nascosto, e l’impressione è che ogni parola, ogni frase, erompa direttamente dal petto, d’impulso, e venga irrazionalmente trasferita sulla carta. Il testo è fresco, evocativo, piacevolmente scorrevole: i racconti si snodano sul filo conduttore, in un’atmosfera di frasi brevi, ritmate, e, forse, proprio per questo, dall’impatto immediato. Niente oggettivismo marmoreo: i protagonisti sono vivi e passionali, un mondo interiore così complicato non può essere espresso con nettezza parnassiana: da ciò, una prosa ricca di nuances, di sfumature, suggestioni, accordi, più suggeriti che definiti, la parola cercata in base al suo potenziale di musicalità che alla sua capacità definitoria e classificativa, e l’esigenza stessa di musicalità intesa come mezzo tecnico per realizzare “l’invito al sogno”.
Da questo punto di vista, potremmo dire che Maria Luisa Caputo si inserisce in un quadro di post-modernismo, laddove questo termine indichi l’attingere dalla memoria, filtrare gli avvenimenti, e farne rivivere i frammenti più interessanti, quelli che colpiscono e si incidono nella memoria, inventando nuovi moduli comunicativi. Maria Luisa scompone i tratti e i colori dei ricordi, e li riavvicina, li mischia e li sovrappone, per ottenerne nuove impressioni.
C’è la romantica riscoperta dell’individuo e l’assoluta priorità dell’io, si approfondisce la ricerca dell’interiorità fino a toccare zone inesplorate, e manca, per fortuna, lo scadimento nella componente lirica, quella che porta al limite della effusione sentimentale, e alla facile lacrima, anzi, si sente che l’autrice prova un sincero fastidio del lacrimoso e appiccicaticcio mondo quasi completamente femminile che la circonda, fatto di chiacchiericci inutili, di passatempi futili e di azioni spesso totalmente irrazionali.
Probabilmente, Mizar, per la Caputo bambina, rappresenta proprio l’opposizione a questo mondo: tanto più affascinante per aver, apparentemente, rinunciato all’eterno femminino, svolge un mestiere da uomo, e non per disperazione, come la Teresina di “Forbici e coltelli”, ma, almeno così sembrerebbe, per passione. Tutte le convenzioni-convinzioni sociali del tempo riguardo alla figura femminile, cadono con Mizar.
Mizar, è misteriosa, esotica, affascinante e anticonformista. Già dal primo apparire, abbagliante, per la ricchezza dei colori, per l’ambiguità evocata dagli abiti maschili che sembrerebbe indicare, inizialmente, il rifiuto del potere dell’eterno femminino, per il coraggio, quasi da figura epica, di affrontare il mare in tempesta, che, si noti, in psicanalisi rappresenta l’inconscio. Lei è forte, talmente forte da lavorare gomito a gomito con gli uomini e guadagnarne il rispetto. È libera, non costretta alla mortificazione da regole che la vedrebbero relegata in un qualche angolino della vita familiare ad opera di un uomo, come succede alle protagoniste di “Caterina e la carta straccia”. È diversa dalla madre rigida, enigmatica, “dispensatrice di ceffoni in luogo di argomenti”, affettivamente assente perché avviluppata da mille incombenze quotidiane di tipo pratico. È, forse, il simbolo della donna che l’autrice bambina vorrebbe diventare? O è semplicemente il frutto di un pensiero magico tipico dell’età infantile? È l’alter ego dell’autrice, quella parte di sé che, inconsciamente, ritiene tutte le risposte ai grandi dubbi esistenziali che Maria Luisa si pone? Perché, in realtà, Maria Luisa non è né ambigua né incerta, solo concentrata sulla propria incessante autoanalisi, nel tentativo di neutralizzare le opposte suggestioni del misticismo e della ragione, e, sull’attenzione verso il dato reale nella dimessa dimensione del quotidiano, con la capacità di scorgerne tutto il bello e il poetico. E Le storie di Mizar sono la sintesi di tutto questo.
Simona Simbula
postato da: laureato alle ore 14/06/2007 16:10 | Permalink |
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mercoledì, 13 giugno 2007
Nessuna, però, riesce a sottrarsi al destino di essere donna.
MARIA LUISA CAPUTO
Le storie di Mizar
EDITRICE TOTEM
Analisi critica di
Sara Ceccarani
A livello strutturale l’opera riesce a distinguersi per la sua particolarità: una storia unitaria evocata attraverso racconti che fissano, quasi in modo fotografico, scene di vita autoconclusive.
Le storie ivi raccolte hanno ciascuna un proprio valore letterario, ma al tempo stesso sono legate una all’altra da un filo conduttore che l’Autrice svela già all’inizio dell’opera. Mizar, infatti, è il fulcro attorno cui ruota la narrazione, è un pretesto che serve alla protagonista per dar sfogo alle sue domande, ai dubbi e alle certezze che la coinvolgono.
Un’opera a tutto tondo, dunque. La circolarità è l’immagine che si proietta nella mente del lettore allorché si trova di fronte ad una serie di racconti che pur nella loro compiutezza, anelano tutti all’atto conclusivo. Di nuovo Mizar, di nuovo l’estate.
L’Autrice crea quindi una sorta di attesa-aspettativa nel lettore che è portato ad andare fino in fondo per comprendere appieno la sostanza di quanto narrato.
Se l’impianto narrativo è così ben strutturato ed armonico nelle sue parti, altrettanto lo è l’impostazione del ritmo, sempre costante e privo di squilibri. Un ritmo determinato in modo particolare dalla scansione narrativa per ricordi che si avvicendano.
Il tema del ricordo, della memoria, è sempre presente e ci conduce in un mondo di immagini vivide, create sapientemente attraverso un linguaggio che rimanda al mondo sensoriale, di facile comprensione. La protagonista, Maria Luisa, mentre si muove nella realtà, che è sempre ricordo, la rielabora a partire dalle informazioni che riceve dai suoi canali di ingresso: i cinque sensi.
Assistiamo quindi ad associazioni tra esperienze e situazioni reali, vissute, e il mondo sensoriale, tradotte in un linguaggio in cui dominano il sistema auditivo e visivo. L’autrice crea spesso immagini vivide, dà supporto alla descrizione di eventi o situazioni affinché il lettore venga stimolato nei sensi.
Uno dei temi ricorrenti all’interno dei racconti è la capacità della natura di partecipare ai sentimenti umani, quasi come se essa li rispecchiasse in sé. Il cielo è grigio e Wenda, in abito grigio, si unisce in matrimonio al suo sposo. Ma non è un giorno di gioia per lei. La tristezza incombe come le nuvole all’orizzonte. O ancora il maestrale che porta con sé l’attesa e la speranza di poter incontrare Mizar.
Da tutti i racconti emerge l’esigenza di un tipo di scrittura metaforica, ma non per questo inaccessibile. Al contrario, la metafora apre la mente del lettore a nuove scelte e possibilità. I suoi messaggi non sono diretti, ma colpiscono l’inconscio di chi ascolta o legge traducendoli da suggerimenti impliciti a suggerimenti espliciti. Del resto il potere della metafora, qui e altrove, è quello di creare realtà in cui gettarsi nell’immediato immaginario e da cui ritornare arricchiti di esperienze.
Qui ogni storia è metafora di se stessa, un espediente per colpire la sfera emotiva del lettore che ne ricava insegnamenti, maturità e consapevolezza. Storie semplici, a volte bizzarre e quasi surreali, ma tutte con uno scopo, quello di mirare ad una crescita interiore.
Il sistema linguistico che contraddistingue questi racconti è una cornice adeguatamente costruita attorno a temi espressi con coscienza e sensibilità. La donna è al centro di questo mondo letterario evocato, come ribadito, attraverso un uso sistematico di simboli, metafore e immagini. E’ una donna che soffre e subisce le angherie maschili o le chiacchiere malevole del paese. Anche nella scelta dei nomi, a volte, ritroviamo questo alone di sofferenza: basti pensare ad Ofelia, nome simbolo per eccellenza nell’immaginario letterario di donna autodistruttiva, costantemente immersa nel dolore e se vogliamo anche nella pazzia. Ma in tutte le storie la figura femminile conquista la sua indipendenza, si libera del male che la incupisce e si riappropria dell’identità che meglio la rappresenta.
Nessuna, però, riesce a sottrarsi al destino di essere donna.
Sara Ceccarani
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martedì, 12 giugno 2007
ogni dettaglio è saturo di significato
MARIA LUISA CAPUTO
Le storie di Mizar
EDITRICE TOTEM
Analisi critica di
Veronica La Peccerella
Per un attimo si esita, leggendo il titolo evocativo di questo romanzo scandito da racconti. Per un attimo ci si chiede se Mizar sia una persona, un luogo o una fantasia. Si resta colpiti dall’esotica dolcezza del suono e dall’alone di mistero che circonda questo nome, ed è abile l’Autrice a protrarre questa sensazione, a immergerci nel senso di stupore, di lirismo, che la voce narrante scopre ripercorrendo la propria infanzia.
La struttura episodica mantiene agile e aggraziato il ritmo della narrazione, la prosa è musicale e immediata, ma anche ricca di accostamenti audaci ed epifanie improvvise. Il mondo del romanzo si fa subito vivo, materico, come fosse delineato da spesse pennellate di colore.
Siamo nella provincia siciliana, tuttavia in alcuni momenti ci sembra di essere nella Combray di Proust, per il modo in cui una sensibilità ancora acerba si schiude davanti ai nostri occhi. Si tratta di piccole storie, frammenti di tempo perduto in cui ogni dettaglio è saturo di significato, di ombre e di speranze. Ma tra le storie di Mizar c’è n’è una che le attraversa e le racchiude tutte, rendendo il romanzo un insieme coeso. È la storia di chi racconta, di chi è cresciuto imparando da queste vicende, scoprendo il mondo attraverso di esse.
La storia di una bambina che prova per la prima volta il desiderio di raccontare le proprie scoperte e le proprie paure, e che vuole porre domande impertinenti senza attendere l’inesorabile ceffone. Quando trova qualcuno con cui dialogare, conosciamo finalmente Mizar, figura emblematica che sembra incarnare la libertà, persino dai limiti imposti dal genere.
Gli anni del femminismo e dell’emancipazione, infatti, sono lontani da questa Sicilia ancora abituata ai delitti d’onore e ai matrimoni combinati. Queste storie sono popolate di donne e bambine quietamente legate a un destino infelice, che assumono una statura quasi tragica nel disvelamento della propria umanità.
Ci tornano in mente le novelle di Verga, con le loro vicende aspre ma traboccanti di vita, e quelle di Pirandello, in cui le assolate piazze dei paesi siciliani si trasformano in altrettanti palcoscenici, popolati da maschere grottesche e affascinanti.
Tuttavia, non è a queste donne che il libro è dedicato, non è alle loro miserie né ai loro pettegolezzi, intonati con grazia nell’afa estiva, ma a un personaggio che porta con sé tutte le speranze e i timori del mare, del viaggio e del sogno. Come la narratrice, aspettiamo che Mizar torni per guardare il mondo con occhi nuovi, aspettiamo le sue storie ma soprattutto i suoi silenzi, perché forse porteranno delle risposte. Ed è in questa attesa che matura la narrazione, nello sforzo costante di rivolgersi a un’alterità ignota eppure presente, che evoca l’immagine del mare e dei grandi spazi.
Al contrario, sono molti i personaggi che si muovono nei limiti angusti di un’ignoranza che fa orrore alla narratrice, portandola a cercare un altrove al quale Mizar sembra appartenere. Seguendo Mizar la protagonista percorre i vasti cieli e le praterie di un paese lontano, segue le rotte dei pescatori e lo spirare del maestrale, gli orizzonti si aprono e una luce nuova attraversa persino le vicende più cupe. Anche quando si rincontreranno e Mizar sembrerà aver perso parte della propria eccezionalità, resterà la magia di un’intesa spontanea, che giustificherà la lunga attesa.
C’è, infatti, una sorta di dolcezza nel suo aspettare, poiché la bambina non ha dubbi sul fatto che Mizar tornerà, così come forse sa, sin da allora, che lei tornerà a raccontare le storie della propria infanzia. Perché, per parafrasare un celebre tango di Astor Piazzolla, al sud si torna sempre, come si torna all’amore.
Veronica La Peccerella
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domenica, 10 giugno 2007
UN CALEIDOSCOPIO DI EMOZIONI
Scaletta
Saluto dell’editore Gianfranco Cotronei
Prolusione di Alessandra Maiorino
Lettura brani – I
Intervento di Daniela Muzzi
Intervento di Romeo De Angelis
Lettura brani – II
Dibattito pubblico/autrice
Drink
Forte San Gallo
Nettuno
10 giugno 2007
h 17
Claudia Gatti
Come cristalli al sole
Editrice Totem
UN CALEIDOSCOPIO DI EMOZIONI
Bozza per la stampa della prolusione
Così si può definire questo libro. Questo almeno è quello che ho pensato un volta ultimatane la lettura. Il titolo, dell’autrice, al suo esordio letterario, è quanto mai rispondente: questa serie di immagini e situazioni che ci si presentano dinnanzi nel corso della lettura, che ci si svelano con affascinante immediatezza sono davvero come cristalli al sole: ognuno con il suo colore, brillante e nitido.
Siamo guidati attraverso un mondo nuovo eppure conosciuto, ci sono immagini folgoranti che si aprono ai nostri occhi e trascinano dietro sé l’eco dei nostri stessi ricordi, dei nostri stessi pensieri più nascosti.
E’ un’epifania, un tripudio di colori, come istantanee scattate nella realtà in fuga del mondo contemporaneo e che colgono un significato nascosto delle cose.
L’incipit del libro è
“Una goccia di cognac sul mobile di noce, una macchia di rossetto sul bicchiere di cristallo vuoto” e la nostra immaginazione si accende, e una nuova storia ha inizio.
E’ una scrittura evocativa, allusiva, che parla direttamente all’inconscio del lettore e lo porta a rivedere e rianalizzare la sua posizione nel mondo. Perché in questo libro nulla è scontato: scordate le favole, non ci crediamo più, dimenticate i “c’era una volta” e la linearità e la coerenza di una storia che ha un inizio, uno svolgimento e una conclusione.
Qui tutto è dinamico, tutto è in continuo divenire e aperto alle possibilità.
Panta rei, tutto scorre, come ammonisce con Eraclito la stessa Claudia Gatti in un suo passo.
Ogni impressione ricevuta dall’esterno per l’autrice è passibile di trasformazione in scrittura: sono flash, squarci, brandelli di storie e di vite che si offrono a noi come un regalo, aprendo prospettive inattese e dispiegando quei risvolti che la vita in genere tiene gelosamente custoditi tra le sue pieghe.
Cosa emerge da questo avvicendarsi di quadri e di vite diverse messe sulla scena?
L’assidua ricerca di un incontro, l’umano cercare in modi diversi quella connessione con un altro essere che ci permetta finalmente di comunicare davvero.
Emerge, tra le righe, la distanza tra l’universo maschile e l’universo femminile, e colmare questa distanza, un’impresa quasi titanica, sembra essere per l’autrice e per noi, l’unica via di salvazione, l’unica cosa in grado di appagarci e farci interrompere la folle corsa dei frenetici giorni.
Gli occhi di quel ragazzo, visti chissà dove e chissà quando, riemergono dal buio dell’inconscio, il gesto di quella mano gentile, di cui non ci ricordavamo più, torna a sfiorarci.
L’amore, sorpendentemente, è in questo testo rivisitato in chiave non convenzionale. Tra queste pagine si trova una delle dichiarazioni d’amore più belle che io abbia letto: mentre lo nega, soccombe. C’è tutto, c’è la resistenza, il contrasto lacerante tra la voglia di libertà e la vertigine che potentemente ci chiama e ci fa desiderare di cadere infine, di abbandonarci e non resistere più.
E’ per questo che, come cercavo di dire, in Come cristalli al sole troviamo anche la nostra stessa autobiografia essenziale, i nostri stessi pensieri, e ci sentiamo narrare cose che pensavamo di non aver detto a nessuno, travolte nel turbine del quotidiano.
Dicevo all’inizio: caleidoscopio di emozioni, perché di questo si nutre il libro: il fatto resta sullo sfondo, e in primo piano appare invece la vita interiore dei personaggi che l’Autrice dipinge.
Personaggi che, è bene notarlo, sono ognuno diverso dall’altro per genere, età, ceto sociale, e questa varietà dice molto, perché ogni frammento trova il suo referente in diverso contesto dell’esperienza umana, ed è tra l’altro molto indicativo delle intenzioni della scrittrice.
Per andare su un piano più meramente tecnico infatti, questa varietà di situazioni e personaggi si esprime in una scrittura multi-tonale, la scrittura cioè si piega docilmente alle necessità del piano narrativo, accogliendo umori e toni diversi che spaziano in richiami a generi i più disparati: ci sono intrusioni nel noir, pezzi la cui atmosfera è altamente erotica, narrazioni epistolari e tutta una serie di richiami interni che creano una sorta di gioco di specchi che mentre sembra far perdere il lettore in una sorta di labirinto, lo riavvicina a se stesso, gli fa ritrovare qualcosa di sé che credeva perduto per sempre.
Una casa al mare, un’avventura lontana a cui non abbiamo più pensato, quella struggente nostalgia per un futuro che poteva essere e non è stato…sì, si può provare nostalgia per il futuro! Sembra un’assurda contraddizione, ma in questo libro scoprirete anche questo, quella fitta al cuore per quella possibilità che è rimasta tale, e non è mai diventata qualcosa di vero…a pensarci bene è la forma di nostalgia più dolce-amara che ci sia! Quel dirsi “e chissà se” “chissà ora”, in un gioco di rimbalzo tra un passato che vorremmo non fosse stato e un futuro che poteva anche essere diverso da come è..un terreno troppo molle e pericoloso in cui il presente sembra affondare, e allora ecco l’immagine del musicista che distrugge il suo pianoforte, simbolo di quel vagheggiato futuro che non è stato, carico di quelle promesse non mantenute che ora fanno troppo male per continuare a sostenere.
Metafore, l’ho detto, simboli e archetipi che ognuno porta più o meno consciamente dentro sé e che la scrittura di Claudia Gatti è capace di evocare e rendere tangibili.
E il come e il perché questo le riesca è evidente, e in un certo senso viene comunicato al lettore in più punti nel libro: la scrittura è per Claudia Gatti una necessità, è quasi un ordine superiore cui obbedisce, un impulso che non può essere represso, pena il tradimento del proprio io, della propria natura.
Il momento creativo è un momento gioioso che le permette di fermare il presente, proprio quel presente che abbiamo visto sempre in bilico tra passato e futuro, attraverso la scrittura può essere fermato e compreso: compreso nel senso di capito, e compreso nel senso etimologico: introiettato, portato dentro di noi e finalmente afferrato. Tutto scorre, lo abbiamo detto, e allora la scrittura è il rimedio. È l’eccezione che si oppone a questa soverchiante legge fisica e che ci permette per un attimo di spezzare la catena.
La pagina bianca è un’immagine ricorrente nel libro, che assume quindi a volte quasi i tratti di una meta-narrazione, lo specchio ancora, piani sfalsati in cui nessuno però ha più diritto di esistere dell’altro.
La pagina bianca è un richiamo ineludibile, come un canto di sirena a cui l’Autrice non può sottrarsi: “imbrattare la pagina bianca”, come dice Claudia Gatti, non è altro, ancora una volta, che rendere attuale quella possibilità che è intrinseca nel foglio bianco: dare un senso a quel vuoto, riempirlo di noi, per fermare il momento.
Questo è quello che rende una persona uno scrittore: la capacità di cogliere l’eccezionalità delle immagini quotidiane, quelle che tutti abbiamo sotto gli occhi ma che nella scrittura si trasfigurano e ci lanciano messaggi che avevamo colto solo marginalmente, solo al livello subliminale.
Un rosario consumato dalle lacrime stretto nelle ossute mani di un’anziana mamma, il picchiettare incessante e ossessivo di giovani dita sulla tastiera di una macchina da scrivere: visioni talvolta struggenti che prendono forma e accostamenti che trovano un nuovo significato che non ci aspettavamo, eppure era lì, se solo avessimo saputo coglierlo.
Claudia Gatti esprime una densità avvincente di piani mentali e narrativi che avviluppano il lettore già dalle primissime pagine: le rappresentazioni, le vicende che ci vengono con naturalezza narrate, perdono il loro carattere privato, esclusivo, per divenire rappresentazioni universali, esaltate dalla capacità dell’Autrice di adottare più punti di vista, di indossare panni diversissimi e far vivere esperienze ed emozioni altrimenti precluse.
E’ una lode e allo stesso tempo un invito all’immaginazione, a farne uso. Il lettore si sente coinvolto e partecipe perché c’è sempre, o molto spesso, qualcosa che viene lasciato a lui, e personalmente questo l’ho trovato un invito intellettualmente molto stimolante. Intendo dire un antefatto solo accennato e che quindi bisogna ricostruire, o una sospensione nella narrazione che permette di immaginare e desiderare un epilogo diverso.
Con delicatezza e sempre solo per cenni a allusioni è presente pure una critica a quelli che sembrano essere i valori contemporanei, che soffocano la possibilità di una vita interiore più ricca e armoniosa: l’edonismo imperante, ad esempio, i modelli di perfezione fisica che subdolamente o sfacciatamente ci vengono imposti.
Sono temi nuovi nella letteratura, di estrema attualità, e Claudia Gatti è un’autrice giovane e giustamente recettiva a questi stimoli.
Una ribellione a questi modelli né gridata né scomposta, e questo sì è sorprendente alla sua età, ma un elegante “no, grazie!”, sembra di sentire tra le righe di alcune pagine in cui questi temi si profilano sullo sfondo.
Ancora una riflessione sui personaggi che popolano le sue pagine; mi viene in mente, avendo letto una discreta quantità di libri, che forse il protagonista umano più raro da trovare è il bambino; questo forse perché l’infanzia è quell’involucro da cui così precocemente ci liberiamo che appare poi essere il più faticoso da reindossare una volta adulti, ecco, in questo libro si trova anche il mondo dell’infanzia da protagonista. Claudia Gatti conserva quella sensibilità che le consente di guardare ancora il mondo con gli occhi di una bambina, e non perché non abbia vissuto le sue disillusioni e imparato le sue lezioni, ma perché volutamente ha conservato un angolo incontaminato che le consente queste intrusioni nel mondo infantile che non hanno nulla di artefatto. Il famoso fanciullino pascoliano.
Ho detto dei diversi piani espressivi e di genere che si incontrano lungo il corso della lettura, ebbene, c’è un diario segreto, il compagno fidato di ogni bambina, anch’esso un simbolo per eccellenza di un’età in cui parlare a se stessi era così facile e non era affatto considerato una perdita di tempo! Ecco, Claudia Gatti ci consente un’intrusione tra le pagine segrete di un diario, ed è un’esperienza di una tale freschezza che vi chiederete, come ho fatto io, come abbia potuto riprodurre così bene l’ottica di una bimba! Quelle parole uscite dalla sua penna, o meglio dai suoi tasti sono come un regalo che permette al lettore un’incursione nei ricordi, andando al di là del semplice fatto narrato, per ricondurlo alla sua stanzetta di bimbo, a quel linguaggio infantile dimenticato fatto di amichetti, di giochi, di dispetti e di quell’innocente, eroica convinzione che il mondo si può cambiare, e tu, soltanto tu, sai come e un giorno lo farai.
Ho cercato di illustrarvi quello che questo libro, Come cristalli al sole, ha comunicato a me, quello che ha risvegliato nel mio inconscio.
Vi ho portato attraverso una carrellata di immagini e fantasmagorie nel tentativo di riprodurre le impressioni assorbite dalla lettura. Basterà che apriate le pagine del libro, che lo scorriate, e il quadro si comporrà sotto i vostri occhi.
Il mood stilistico di Claudia Gatti è piacevole e fruibile a diversi livelli, la lettura è leggera, se tale la si desidera, ma porta intrinsecamente le eco di significati altri, che attendono solo di essere visti e gustati.
Concludo con una citazione letteraria pregnante: le pagine di questo romanzo mi hanno riportato alla memoria L’isola di Arturo di Elsa Morante – forse la più grande narratrice italiana del novecento – appunto per quelle atmosfere sospese e inconcluse di grande fascino intrigante e pervasivo.
Per parte mia, non posso che fare i complimenti all’Autrice invitandola a continuare il percorso intrapreso, esortandola a continuare a credere in se stessa, a farlo anzi ancor di più, perché i cristalli devono continuare a brillare!
Alessandra Maiorino*
* Nata nel 1974, risiede a Roma. Diploma liceo classico. Laurea in Lettere Classiche. Mediatrice interculturale: fra l’altro ha collaborato con l’Italian Institute of Culture di Sydney, Australia. E’ autrice di analisi critiche di libri di narrativa e saggistica pubblicati dalla Casa Editrice Totem.
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domenica, 10 giugno 2007
La memoria come comprensione di un mondo
MARIA LUISA CAPUTO
Le storie di Mizar
EDITRICE TOTEM
Analisi critica di
Rossella Mele
La memoria come comprensione di un mondo
Sfogliando le pagine di un dizionario, alla voce “memoria” si troverà: «funzione generale della mente, consistente nel far riconoscere l’esperienza passata…» o ancora «cosa che ridesta ricordo e lo fa rivivere nel pensiero»; è quindi un’attività della mente che permette di rapportarsi al proprio passato e di rielaborare nel presente il ricordo.
Sulla scia di questa definizione la nostra riflessione ci spinge alla conclusione che la memoria non riguarda un tempo finito e immutabile, ma un’attività del presente che permette un dialogo fra tempi e mondi diversi e che agisce costantemente sul passato rendendolo sempre contemporaneo.
Assumendo infatti come definizione la proiezione di uno sguardo dal presente, si supera una concezione di un passato compiuto, a favore di una continua revisione. La scrittura della memoria si configura così come autentica pratica di rielaborazione di un mondo a cui si è appartenuto e che è reso presente e reale nel momento in cui, attraverso la scrittura stessa, lo si rende ancora visibile. La ricostruzione del passato domestico e della vita familiare è da sempre una delle caratteristiche di un certo tipo di letteratura al femminile e Le storie di Mizar, inserendosi in questa tradizione, rappresenta un affresco narrativo costituito da un insieme di storie prima vissute, poi ricordate e infine raccontate da un unico io narrante che rielabora – anche criticamente – un periodo della sua infanzia, ricostruendo la realtà domestica e femminile in cui è cresciuto e che, soffermandosi sulle vicende individuali dei personaggi, lascia sullo sfondo, ma percepibile, la “storia ufficiale” di un Sud in cui i valori tradizionali regolano una società che, se pur maschilista, è in realtà determinata in gran parte dal sapere di quelle donne sottomesse alle scelte degli uomini.
Al fianco dell’io narrante, il mondo femminile è infatti l’elemento comune che rende tutti i racconti parte di un unico insieme narrativo e le donne sono le vere e sole protagoniste di quest’affresco meridionale.
I racconti non hanno una successione temporale o lineare, sono come delle proiezioni di immagini, di squarci di realtà passata che riaffiorano alla mente sotto forma di ricordi da elaborare attraverso la scrittura che appare più lirica che narrativa. Le vicende si costruiscono quindi attraverso il susseguirsi di figure, simboli e suggestioni che permettono di ricostruire le storie dei personaggi, e così per esempio, un abito da sposa grigio suggerirà, prima ancora che venga detto, la mancanza della purezza di una ragazza che va incontro a un matrimonio riparatore, e una donna con il nome di una stella e che dedica la sua vita al mare rappresenterà il modello di libertà e indipendenza del giovane io narrato.
Ogni storia sarà ricordata per poterla ‘consegnare’ alla mitica Mizar, che agli occhi della piccola Maria Luisa sarà l’unica in grado di spiegarle il perché di certi avvenimenti.
Mizar è il modello di donna da opporre a quelli dipinti nei vari racconti: all’inizio delle narrazioni viene descritta bellissima e a capo del più grande e bel peschereccio del porto e la giovane Maria Luisa, abituata all’immagine di donne senza età per la fatica e la sottomissione, regine della casa e di corti esclusivamente femminili, scambierà la sua eroina per un uomo, ma quando si renderà conto che ha di fronte un’altra donna capirà che Mizar sarà il suo modello e l’unica persona in grado di spiegarle il mondo in cui vive, fatto di famiglie numerose, pettegolezzi, fatture e uomini che picchiano le loro mogli.
Mizar potrà comprendere e spiegare proprio perché appartiene ad altri mondi, il nome stesso e l’accento esotico insieme al suo vivere in mare, suggeriranno all’immaginazione di Maria Luisa spazi grandissimi e infiniti da contrapporre al suo finito orizzonte domestico.
Le storie che Maria Luisa raccoglierà nella sua memoria per Mizar, sono vicende di donne sottomesse all’ambiente retrivo, chiuso e maschilista in cui sono nate. Alcune saranno vittime del loro destino e delle loro stesse convinzioni (Ofelia e la madre prima vittime delle maldicenze e poi di un uomo; o Tonia vittima del fantasma della madre); altre troveranno il modo di reagire e determinare le loro vite contrapponendosi, in qualche modo, alla loro realtà (così Wenda si ricostruirà una vita a Torino; Caterina, per merito della sua carta straccia, potrà andarsene e insegnare a Roma e Teresina per necessità troverà il coraggio di svolgere il mestiere del marito morto, pur essendo la prima donna a farlo). Gli uomini sono quasi sempre assenti, perlopiù solo nominati e nella maggior parte dei casi origine della rovina delle protagoniste, rappresentando i poli negativi delle vicende.
Maria Luisa ricostruirà per Mizar, per il lettore e per se stessa, un mondo fatto di superstizioni, tradizioni violente e di simboli, governato da gruppi di donne che con la loro unione possono essere d’aiuto, ma che con le loro maldicenze possono rovinare la vita di altre persone.
L’io narrante conserva e rielabora l’universo della propria infanzia che farà sempre parte della sua esperienza e che verrà costantemente rivissuto e ricordato nel presente, e nell’elaborarlo di nuovo saranno forti la critica e l’opposizione all’ignoranza che genera quel tipo di situazioni narrate e che potranno essere combattute, superate o quantomeno capite solo attraverso l’istruzione.
Mizar all’inizio sarà scambiata per uomo e questo, a nostro avviso, rappresenta l’impossibilità della bambina di immaginare un universo femminile diverso da quello conosciuto e, per rappresentare la libertà, l’eroina di Maria Luisa è in qualche modo privata della sua femminilità.
Ma proprio quest’incontro metterà in moto le riflessioni e, in qualche modo, darà inizio al cammino verso la consapevolezza del giovane io narrato. Mizar diventa così il simbolo della conoscenza, è colei che avendo viaggiato e vissuto in posti lontani può comprendere il mondo e lo può raccontare. Ma lei non spiegherà la realtà a Maria Luisa, sarà la stessa bambina che dopo il loro primo incontro ripenserà e rielaborerà le vicende di cui è stata testimone arrivando a riconoscere, a spiegare e a giudicare da sola la sua realtà, iniziando così il processo di conoscenza per mezzo dell’immaginazione di altri mondi. Attraverso Mizar scoprirà che il mondo che conosce non è l’unico e che rivivendo i propri ricordi, potrà raccontarne gli orrori e le contraddizioni, ma anche trasmettere il fascino e il profondo legame che sempre avrà con l’universo domestico e ancestrale in cui è cresciuta.
La fine della narrazione sarà solo l’inizio della scoperta e della presa di coscienza di mondi diversi e Mizar non sarà più una donna che sembra e vive come un uomo, e con la sua gravidanza diventerà il simbolo della raggiunta consapevolezza della realtà e della conquista di un’indipendenza che non comporta la rinuncia alla propria femminilità né la perdita del proprio passato.
Rossella Mele
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giovedì, 07 giugno 2007
una lunga metafora ilozoista
MARIA LUISA CAPUTO
Le storie di Mizar
EDITRICE TOTEM
Analisi critica di
Anna Laura Consalvi
Sono tredici i racconti che si snodano tra le pagine di Le Storie di Mizar, il libro di Maria Luisa Caputo dove il mare diventa il protagonista di una lunga metafora ilozoista che si snoda in settanta pagine sospese tra la realtà e i ricordi di una bambina.
E sono proprio i suoi occhi a descrivere scorci di vita quotidiana di un piccolo paese del Sud, dove le tradizioni religiose dettano le scelte sociali, lo scandire dei giorni, dei mesi, delle stagioni, del tempo che separa la piccola Marisa da Mizar, l’eroina della sua infanzia. Padrona di un peschereccio, amazzone dei mari, Mizar rappresenta per la bambina la “meraviglia” nel senso platonico del termine, quella meraviglia che ha sete di conoscenza, che la spinge a cercare di arrivare dove solo i grandi possono, per riuscire a scoprire come si muove quel complicato e ancestrale meccanismo che fa girare il mondo, anche quello piccolo di un paese in cui la terra è ancora un valore, in cui gli uomini sono padri e padroni, in cui ci sposa senza bisogno dell’ amore.
Ed è proprio la meraviglia per il mondo che la circonda e per i misteri della vita che Mizar può svelare, a spingere la piccola ad aspettarla; ad aspettare il ritorno dell’ estate quando potrà tornare sulla spiaggia e salutare l’arrivo dell’eroina a cui ha rivolto il suo pensiero per tutto l’ inverno.
Wenda, Ofelia, Tonia, Concettina, Teresina, Celeste, Caterina, Maddalena, Benedetta, queste le figure femminili che fanno parlare le pagine del libro.
Donne sottomesse, abbandonate, perseguitate, vittime dell’ignoranza contro cui la piccola Marisa sa di dover lottare fin da subito, perché è l’ignoranza l’unica cosa che si deve temere davvero. Come i pettegolezzi, che al pari delle note di una canzone attraversano le vie del paese e raccontano solo ciò che le orecchie annoiate delle comari, sedute a sgranare fagioli, vogliono ascoltare.
La calunnia cambia le immagini delle persone, e, beffardamente, anche il loro destino.
È il caso di Ofelia e della madre Cornelia, riabilitate da un uomo e beffate dallo stesso che le lascia sole e in miseria.
Ma per tutti c’è una speranza; il libro della Caputo non si chiude con un forzato “non ritorno”, ma apre le porte alla possibilità di riscatto per tutte le donne che popolano il paesino dove la festa di San Vitaliano dà inizio all’estate.
Le nascite di bambini, più o meno fortunati, scandiscono i destini di queste donne, che si riaprono con vagito che vuol dire riscatto per Ofelia, cattiva e scorbutica per volontà popolare e su cui grava la leggenda di una nonna antropofaga; ma anche per Caterina, che con i suoi bambini partirà per coronare il sogno di diventare maestra ed emanciparsi da quel padre che finora ha controllato la sua vita.
Per ultima, ma non in ordine di importanza nella dinamica dei racconti, la mamma di Marisa, che la guarda bene dal non credere alle maldicenze, che le insegna a vedere le persone con i propri occhi e non con quelli degli altri.
Storie di donne che si alternano come note su un pentagramma, note che compongono una melodia impercettibile solo per chi non sa ascoltare. Che vive in quel mare che protegge, che nutre, che è foriero di speranza, che Maria Luisa Caputo ha respirato e che oggi racconta con le parole di chi quelle storie le ha vissute.
Anna Laura Consalvi
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venerdì, 01 giugno 2007
ripercorrere il filo del tempo
MARIA LUISA CAPUTO
Le storie di Mizar
EDITRICE TOTEM
Analisi critica di
Ada Prisco
Uno sguardo di sereno distacco unito alla delicatezza di una velata ironia consente all’Autrice di passare, potremmo dire “in punta di piedi”, fra episodi di vita quotidiana che prendono corpo di pagina in pagina nel suo libro. La sua voce narrante s’interroga sui particolari “scontati” che sfuggono ai più, offrendo al lettore la possibilità di riflettere sul loro lato nascosto. Attenta ai colori e alle sfumature del paesaggio, la narrazione dipinge le scene come su di una tela, in grado di portare alla luce tutto ciò che il costume, l’indifferenza o la chiusura non consentono di notare. Il colore esprime lo stato d’animo, come se lo sfondo fosse abile a corrispondere alla faccia nascosta dei personaggi molto più di quanti li circondano nella scena.
Cielo e Mare sono presenze amate e ben custodite nei ricordi. Simbolo forse di quella interiorità commossa dal racconto e della memoria che invia vibrazioni, non mancano di fare la propria parte. A loro va la palma della vivacità. Trasparenti o intorbidi da chissà quale sorta di maltempo, sempre esprimono qualcosa. Preannunziando ed accompagnando, in fondo caratterizzano la scrittura nel suo lato più tipico conferitole dall’intento autobiografico.
Pur non presentandosi come una cronaca, come un diario, i racconti brevi s’inseriscono nel fortunato filone autobiografico della narrazione che tanto occupa il dibattito culturale contemporaneo, richiamando all’esigenza di ritagliare ambiti in cui il sé sia a proprio agio tanto da raccontarsi. Ecco perché anche episodi apparentemente insignificanti diventano a pieno titolo materia letteraria. Nell’agile volume di M. Luisa Caputo l’io narrante si racconta non disdegnando la suggestione che proviene dal ripercorrere il filo del tempo anche forse con una certa nostalgia.
I dettagli della storia non trovano volutamente molto spazio, perché rimane centrale la sensazione del soggetto che ha fotografato e che custodisce l’avvenimento dentro di sé.
E’ apprezzabile nella voce protagonista l’aver sottolineato una sfumatura di ingenuità fanciullesca che evidentemente non si è lasciata corrompere dagli anni poi trascorsi. Il racconto è affidato alla protagonista da bambina, l’infanzia è individuata quale crogiolo, archivio di esperienze irripetibili che diventano oggetto di domande, come se, anche leggendo pagina dopo pagina, si fosse guidati a non perdere mai il gusto della sorpresa, il sapore dell’attesa, il sentore tacito della fiducia, l’attenzione dello sguardo inesperto, l’ansia di entrare in contatto con tutto quanto si percepisce come non del tutto chiaro e a “propria misura”.
Pur trattandosi, infatti, di una narrazione personale e svolta in prima persona è prepotente il desiderio di dar forma alle sensazioni per far sì che anche i lettori abbiano la possibilità di “assaggiarle”. Ed ecco che le parole di Mizar, l’amica della protagonista e donna di mare che dà titolo alla raccolta, sono paragonate al “miele” che cola dolce e sicuro sulla “spianata di pasta delle torte natalizie”, e i sassolini con cui le due giocano all’”uva passa”.
L’Autrice ritrova il gusto delle “piccole cose”, così centrali fin dal primo novecento, forse perché sono le più idonee a rendere l’atmosfera calda e vitale che Ella vuole ravvivare.
I piccoli avvenimenti che si dipanano non trascurano mai di far vibrare una nota particolarmente cara e, dopo tutto, anch’essa tradizionalmente associata all’epoca dell’infanzia, il tema della festa.
- Luisa Caputo pare collegare tale soggetto immancabilmente all’incontro: l’incontro con l’altro è una festa gioiosa oppure una festa mancata, e, spesso, soltanto la profondità dello sguardo, pare farci capire la scrittrice, può rivelare autenticamente se si tratti dell’uno o dell’altro caso.
L’incontro sincero con l’altro, che si racconta, mettendosi a nudo, fa venir voglia di aprirsi a tutto l’universo, infonde la fiducia che qualcuno sia disponibile a rispondere ai “perché” che affiorano alla coscienza. Quando si ha un amico con cui parlare si è come disposti ad ascoltare anche la voce del creato, tutto ha diritto di parola, nulla è più chiuso nel mutismo dell’isolamento e della solitudine.
Anche se lo stile dell’incontro non diventa tutte le volte così nobile, pur nelle pittoresche riunioni di paese, dove a farla da padrone è il pettegolezzo, la sagace arguzia dell’Autrice fa risaltare il potere dell’intelligenza umana e paragona il chiacchiericcio alle moderne emittenti televisive!
I racconti, brevi ma anche collegati gli uni agli altri, sembrano ricalcare il ritmo degli eventi lenti, intensi e risonanti tipici della vita dei piccoli centri. Certo, s’intravede qua e là una sorta di critica nei confronti di una mentalità sensibile al pettegolezzo e, al tempo stesso, abbastanza egoisticamente concentrata nel “farsi gli affari propri”. Anche qui torna lo sguardo della fanciulla che dice a voce alta ciò che vede chiaramente, senza porsi problemi circa quanto può sembrare più o meno opportuno agli occhi dell’ambiente esterno. In tal caso l’amicizia diviene pure “rifugio” presso il quale trovare ascolto senza riserve, spazio senza limiti, un po’ come lo sguardo non trova ostacoli, rivolgendosi alla distesa azzurra del cielo o lasciandosi cullare dal moto delle onde marine.
Ad amplificare racconti di vita o becere chiacchiere sono sempre le donne, protagoniste silenti di una storia che rimane sempre in lontananza. Forzate negli affetti, violate da condizioni di vita precarie, costrette alla fatica e spesso mamme inconsapevoli di figli e di mariti da capire e da scusare generano e fanno crescere la vita. Diventano interessanti, pare, solo a patto di rivestire un ruolo visto come “maschile”, visto che quanto è più prettamente legato al ruolo tradizionale della donna nell’immaginario collettivo appare tinto da striature di sofferenza e violenza. Non a caso, infatti, più di una volta da voci femminili giovani si leva la ferma intenzione di non sposarsi e non diventare madri, problematica ahimè assai attuale, ed il matrimonio, in più di un luogo, viene visto simile ad un funerale con la sola eccezione del diverso colore di abito e della diversa posizione degli attori principale, in “verticale” se si sposano, in “orizzontale” se chiusi in una bara!
Se da un lato le donne paiono mantenere e comunicare le tradizioni di generazione in generazione, dall’altra vi si trovano chiuse come nelle maglie di una rete da loro stesse intessuta con la complicità di uomini insensibili e prepotenti che fanno loro del bene solo inconsapevolmente, come quando impongono alle figlie di studiare, non sapendo neanche a che cosa ciò possa portare.
Di episodio in episodio il testo conduce all’osservazione dei fotogrammi di un anno intero: punto di partenza e di arrivo è l’incontro tanto atteso e preparato con dovizia con la misteriosa e attraente amica giunta dal mare, da una terra lontana, e che porta un nome curioso, siglato, Mizar.
Il punto di partenza è pregnante di curiosità, la bambina protagonista vede nella donna-pescatrice solare una personalità diversa dalle consuete, si sente accolta e pian piano questa figura femminile diventa una sorta di “amica immaginaria” con cui interloquire su tutto. Dopo un anno la sua straordinarietà si è tristemente mutata in “normalità” a causa di un pancione: Mizar era una donna come tutte le altre, tanto che stava aspettando un bambino e sarebbe diventata madre di lì a qualche mese.
L’Autrice predilige un finale realistico e mostra come le semplici ed ingenue attese della piccola che aveva caricato di significato quel primo incontro vengono demolite da quella sorta di “fato”, di corso della vita che poi rende simili un po’ tutti, richiamandoli, a grandi linee, entro certi ruoli “consolidati”.
Solo apparentemente, però, il finale è triste, perché di fatti la donna aveva serbato il ricordo di quella bambina e va a cercarla, quindi la sostanza dell’incontro è rimasta intatta, il tempo non l’ha disgregata a colpi di superficialità o di indifferenza.
In tutto il romanzo le considerazioni esposte con chiarezza e semplicità si aprono ad un simbolismo che propone continuamente il confronto ravvicinato fra un micro ed un macrocosmo; i personaggi si muovono entro uno scenario di paese, dove il tempo è scandito dalle stagioni e dalle feste tradizionali e, contemporaneamente, dentro di sé, specie le donne, coltivano il sogno di una vita diversa e con pazienza e docilità operano per questo.
Lo stesso nome Mizar emblematicamente è sì un acronimo, ma di per sé è il nome di una stella dell’Orsa Maggiore, quasi ad indicare che a lei la protagonista si riferisce di mese in mese, attendendo con impazienza che quella donna dalla vita diversa le conceda un tempo di ascolto, le racconti una storia, le dia delle risposte, funga insomma da grillo parlante che, lungo il filo del tempo, diviene una sorta di stella in grado di orientare chi intraprende, non a caso ovviamente, la via del mare, di quel mare che dilata le frontiere del piccolo centro e lo coinvolge nel dinamismo di chi arriva e di chi parte. E’ come se, stando insieme a chi sembra così meravigliosamente diverso, si abbia in prima persona l’opportunità di conquistare l’agognata originalità a cui tutti aspirano, percependosi come unici, pur se spesso appiattiti dall’”andazzo”.
E lo sfondo del mare col turbinio delle sue mareggiate somiglia un po’ al moto tumultuoso della coscienza, di quel mondo interiore sempre anelante al superamento degli argini per sfociare in una novità di vita, quella in cui ognuno sa trovare la propria strada senza falsi condizionamenti, quella in cui ognuno s’interroga senza riserve mentali sulle vicende di un altro per leggerne onestamente il senso.
Il libro si legge facilmente e con piacere, forse anche perché è in grado di parlare con schiettezza, non direttamente, ma dipanandosi attraverso brevi fotogrammi di vita, di per sé materia di romanzo, a patto, sempre, che da essa ci si lasci interrogare seguendo un orientamento, non perdendo di vista la stella del mattino, di quel mattino che sempre si attende e che non delude mai del tutto, se all’incontro si arriva preparati, non lasciando morire l’operosità dell’attesa, né lasciandosi abbattere dall’amarezza del quotidiano che appare troppo “scontato” e piatto.
Non sembra divertente né movimentata la vita del paese quando è “lontana” dal mare durante l’inverno, come forse è triste la vita che, semplicemente, non si lascia più movimentare dai propri ideali di un tempo.
Ada Prisco
postato da: laureato alle ore 01/06/2007 07:19 | Permalink |
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martedì, 29 maggio 2007
quando il tempo prende la forma dello spazio
Mario Chirico
Pettinengo e dintorni
Editrice Totem
Analisi critica di
Carlo Fiorentini
Il luogo ritrovato
quando il tempo prende la forma dello spazio
Pettinengo e dintorni è un libro di memorie composto da Mario Chirico, primario specializzato in medicina interna e già autore di diverse pubblicazioni, che solo adesso ha deciso di scrivere queste pagine con l’inchiostro dei propri ricordi perché sa che l’età, nel suo periodo più avanzato, permette di raccogliere i frutti completi di un’intera vita. La primavera è immagine della gioventù che prepara i frutti che vengono colti e assaporati nelle stagioni successive; il prezioso frutto della maturità è riposto nella memoria di tutte le imprese operate. Le memorie racchiuse in quest’opera sono organizzate in ordine cronologico e condotte in prima persona, con indicazioni molto attente sia al passare degli anni, sia al susseguirsi degli spostamenti. Questa precisione permette allo scritto di restituire l’immediatezza della percezione vissuta e di liberare l’essenza delle sensazioni trascorse, componendole in una metafora e che l’autore non inventa, ma che scopre scrivendo. Ma sensazioni e cose sono comunque immerse in un flusso transitorio ed effimero, sono travolte dal tempo che le disintegra. Però, é possibile rompere l’incanto che le tiene prigioniere, riprenderne possesso e impedire che cadano per sempre nel nulla. L’autore si é impegnato in questa lotta contro il tempo per salvare il prezioso patrimonio del proprio io più autentico, facendo coesistere passato e presente nel fluire della coscienza. Tramite questa riuscita trasmissione di sensazioni lontane e vicine, dal testo si evince anche una piena consapevolezza del proprio vissuto, che dimostra l’estrema attenzione con la quale il narratore ha osservato e guidato la propria esistenza.
Mario Chirico, nato a Roma nel 1921, mette al centro della propria opera Pettinengo, un paese della provincia di Biella e luogo di origine della madre. Nonostante sia vissuto, oltre che nella capitale, anche a Torino e a Milano, – spostamenti dovuti, dapprima, alla brillante carriera militare paterna e, successivamente, alla propria – egli ha mantenuto intatto l’attaccamento a questo piccolo centro montano. Qui l’autore ha conservato con passione la casa avita, trasformandola da sede di villeggiatura per le vacanze in luogo di costante rifugio, dove le azioni dell’uomo hanno sempre ritrovato serenità e quelle del medico nuovo vigore. Che sia per la grazia del ricordo, per un atto dell’immaginazione, o in ragione della fede con la quale ci si lega a certi siti, essi differiscono da tutti gli altri, e se ne stanno a parte negli spazi dello spirito. Pettinengo è il luogo dello spirito di Chirico, ed è il silenzioso testimone di tutta la sua vita: dall’infanzia spensierata alle tragedie del periodo bellico, dalle insicurezze giovanili alle certezze di professionista, dalle prime balbuzie interiori sino alle limpide conferme sentimentali. Questa località è il punto – o il luogo – di riferimento che lo ha educato alla comprensione e al rispetto del mondo e dell’umanità. Questi insegnamenti lo hanno accompagnato nella ricerca della propria dimensione, sostenendolo successivamente nell’attuazione delle proprie aspettative.
Sia a Pettinengo che altrove, quest’itinerario dell’essere ha guidato Chirico a vivere con sensibilità e attenzione gli eventi di cui è stato contemporaneo, cercando sempre, tramite il suo lavoro, di curare, ma soprattutto di comprendere le persone che ha incontrato. E quanto l’autore ha visto, sentito e capito, da ogni ambito frequentato, lo comunica fedelmente in questa testimonianza. Nonostante Pettinengo e dintorni si componga di episodi distinti, questi episodi si mettono in rapporto, scambiano le loro informazioni, si conferiscono una specie di intelligibilità reciproca. È proprio come se, invece di succedersi gli uni agli altri, s’aggiungessero semplicemente al totale in corso, alla maniera di una serie di quadri di cui un amatore ingrandisse costantemente la sua collezione. Così tutto dipende da una memoria dell’opera totale, che conserva e riproduce l’insieme degli episodi come se non avessero mai fatto parte del tempo, non fossero mai stati minacciati dall’oblio. Nel momento in cui il lettore la scopre nel suo insieme, quest’opera smette di essere temporale: non è più storia, ma una collezione di immagini che, messe insieme, ammobiliano un luogo e formano uno spazio illustrato. Si può dire, essendo questo un luogo pieno di ricordi, che il tempo vi ha preso la forma dello spazio.
Il ricordo che questo paesino rievoca costantemente, fa vacillare lo spirito di Chirico tra epoche ben distinte, senza costringerlo, però, a scegliere tra luoghi incompatibili che nel tempo, come gli uomini, sono cambiati. La resurrezione del passato fa vacillare l’animo anche tra luoghi lontani e luoghi presenti. Questa oscillazione temporale ha favorito una ricerca consapevole, in ogni epoca e in ogni luogo ricordato, per la composizione di questo libro. Chi sa narra, e chi non sa, o sa per acquisizione esteriore, descrive. E Chirico narra sempre. I tasti che sfiora, mentre compone la sua melodia rimembrante, gli appartengono, sono tutti i suoi. Con coscienza, narra soltanto quanto ha vissuto, senza andare dove non vuole e non deve, senza “scendere” nella descrizione. Rimane nei binari del suo passato, senza bisogno di inventare nulla per dare credibilità alle proprie parole. Parole semplici ma esaurienti, che sostengono senza difficoltà i concetti di cui si fanno mezzo, e questo anche per il linguaggio che esse costruiscono in tutta l’opera.
Il linguaggio adottato da Chirico è quello vivo della dialettica dei toni colloquiali, del lessico familiare. L’autore non indulge nella terminologia tecnica del vocabolario medico: scelta che avrebbe facilitato il suo atto creativo, ma che, inevitabilmente, avrebbe allontanato il lettore profano. Sceglie, invece, di avvicinarsi ad esso, preferendo la comunicatività vicina e coinvolgente della parola di uomo, al termine preciso ma distante del medico. In questo modo, Pettinengo e dintorni risulta, al contempo, scorrevole alla lettura, e chiaro e intenso nei significati.
Inizialmente, questo carattere di scorrevolezza, fa intuire che l’opera prosegua sostanzialmente su due linee: l’una registra le attente memorie dell’autore, sia remote che prossime, l’altra lascia che esse s’intersechino con gli accenni grotteschi della vita contemporanea, quasi senza risvolti biografici. Per quanto riguarda l’intensità dei significati, Chirico s’è prefisso l’obiettivo di includere nella sua opera l’essenza del proprio vissuto, di un destino non ancora concluso ma già guardato col distacco e l’ironia del saggio. Il suo spirito vitale imprime nuovo movimento a ciò che s’è fermato da tempo, oppure corre con leggerezza sulle tracce di quanto, invece, sta rallentando, o che è stato deviato dall’itinerario originario. Lo scrittore, inoltre, invita il lettore ad osservare attentamente l’attualità tramite la lente della sua esperienza: non una lente che distorce quanto vede secondo il proprio arbitrio, ma un mezzo per aiutare una vista distratta a focalizzare i particolari che possono trasformare i dettagli in destino. Pettinengo e dintorni diventa, quindi, lo strumento che permette di esercitare la propria critica sulla realtà circostante, e di rintracciare, leggendolo in modo più approfondito, le possibili cause che l’hanno determinata. In alcuni passaggi il racconto sembra non concludersi all’ultima parola di un capitolo, ma rimanere in sospensione, aspettandosi dal lettore un coinvolgimento diretto nella quotidianità che lo avvolge.
Dato lo spessore narrativo dell’opera, per comprenderne i diversi significati in essa contenuti è preferibile sviluppare le due linee narrative prima citate in un’analisi del testo a più livelli. Ci si può avvalere di tre “scatole”: due di identiche dimensioni, l’una a stretto contatto dell’altra, e l’ultima, la più grande, che contiene le prime due.
La prima scatola racchiude la narrazione di Chirico come una precisa parafrasi poetica in cui convivono sia il racconto umano che la Storia, contenuta nella grande avventura dell’uomo in quanto uomo, cioè essere destinato a passare. La Storia non costituisce esclusivamente il sottofondo lontano dell’avventura umana, utilizzata per contestualizzare gli individui nel tempo. Qui la Storia non è soltanto una traccia sottile che indirizza gli uomini, non è solo “costume” o “oggetto”, ma è uno degli scopi del racconto. L’attenzione si concentra sulla volontà di testimoniare come i personaggi narrati abbiano davvero vissuto. E qui i personaggi sono visti nella verità di un racconto, nella realtà di una storia politica che si muove, ma anche in una sorta di parabola “eterna” sul destino dell’uomo, per quanto di eterno possa esserci nel breve corso dell’uomo sulla terra. Ci sono gli anziani, le generazioni di mezzo, i giovani ed i giovanissimi: una specie di paradigma dell’età umana. L’autore sviluppa un’interpretazione-visione “realistica” non soltanto di quanto egli è stato – perché nella realtà storica non esiste la “persona” che realizza in se stessa, come tale, la rappresentazione di tutte le contraddizioni e di tutti i valori del momento – , ma la realtà è data da tutti coloro che vivono la verità della storia in un certo punto del suo muoversi: la realtà è la somma di altre realtà, comunque parziali e diverse tra loro anche a diversi gradi. Chirico riporta nel libro soprattutto la sua relatività di individuo, che ha attraversato il suo tempo, ma non tralascia i sentimenti che hanno animato la collettività. In questa scatola si possono osservare i movimenti di diversi gruppi sociali, che si agitano in stretto rapporto dialettico tra di loro. Quanto viene raccontato della vita privata dell’autore riflette direttamente i mutamenti degli individui e dei modi di pensare di cui il Novecento è stato fautore. Leggendo tra le righe di Pettinengo e dintorni si possono seguire le evoluzioni, e le involuzioni, che hanno portato ad affrontare date situazioni storiche con un determinato atteggiamento, o alla gestione, giusta e sbagliata, di inevitabili passaggi che le contingenze sociali imponevano. Quanti compaiono in questa narrazione non sono personaggi di un romanzo o di un atto teatrale, ma sono gente umana, con precisi caratteri individuali, certi visi, certi vestiti, certe “divise” che rappresentano – in primo piano – una parte della Storia in movimento. Anche le stanze e gli oggetti della casa di Pettinengo, le parole ed i gesti delle persone che l’abitano, pur mantenendo il loro carattere narrativo plausibile, sono come “straniati” nella prospettiva della Storia. In questo senso, essendo testimoni diretti, elargiscono al lettore anche significati altri rispetto a quelli immediati che ci si aspetterebbe.
Questo processo permette di ravvicinare diversi ed opposti oggetti, in modo che tra loro formino una totalità ed una continuità ottenuta dalla coincidenza dei contrari. Questa unificazione è ottenuta non da una semplificazione ma, al contrario, da una moltiplicazione degli aspetti offerti da oggetti opposti, come se fosse soltanto prendendo coscienza dell’inesauribile varietà che presentano, che si possa arrivare a comprendere la loro vera natura, come la natura dei rapporti che intrattengono con gli oggetti ai quali si oppongono e fanno simmetria. Ogni cosa narrata è in rapporto con un’infinità di altre: ogni persona, come ogni luogo, offrono un’infinità di posizioni possibili. Spesso coloro che si crede di conoscere, diventano altri esseri se vengono accostati da un altro lato. Questo diverso approccio con un diverso spostamento dell’attenzione, è un insieme di procedimenti ragionati che in Pettinengo e dintorni approssima ulteriormente la realtà.
Questa scatola contiene principalmente la storia della famiglia Chirico, alimentata dai forti legami che uniscono i genitori ai figli e i costanti insegnamenti che vengono loro trasmessi. Nella narrazione della sua vita, l’autore dimostra come abbia sviluppato il proprio retaggio familiare, e gli obiettivi che ha raggiunto lo testimoniano. Mario e sua sorella colgono anche i valori che padre e madre riescono ad insegnare nei tempi morti, mentre paiono non vestire i panni degli educatori. Entrambi si formano non soltanto su ciò che vuole risultare volutamente esplicito, ma anche su apparenti scarti di saggezza. Determinati dettami, anche se appresi inconsciamente o in età immatura, rimangono nei loro tessuti nervosi tornando alla loro mente al momento necessario. Usano queste regole educative per dare la giusta interpretazione del mondo, per loro stessi, individui all’interno di una società ben delineata, ma anche per aiutare le persone con le quali hanno costruito i propri legami affettivi.
Talvolta, Chirico tenta anche di insinuare un’ombra di disincanto nella perfezione dei propri ricordi, per evitare cadute in facili patetismi, per smentire il sospetto di volersi accattivare in modo scorretto l’attenzione di chi legge. Ma nel ricomporre il mosaico della memoria, la luce della spontaneità che brilla in ogni tessera fuga ogni ombra di ambiguità. Entrando nel clima mentale dell’autore si oscilla con naturalezza tra illusione fabulatoria e concretezza della realtà. Lo scrittore nutre la sua opera di impressioni che il passato ha lasciato nella profondità della sua anima, con stratificazioni della memoria, talvolta incontrollabili, che rassomigliano al sogno.
Da questa analisi umana si deduce che Chirico interpreti il mondo come un enigma benigno, che la follia umana rende terribile perché pretende di interpretarlo secondo la propria verità. Il nostro narratore non nasconde le sue antipatie, le sue delusioni e le sue preferenze, lancia critiche lucide ma evita toni censori e dicotomie manichee. È consapevole che il saggio non è colui che discrimina, ma è colui che mette insieme i brandelli di luce da qualunque parte provengano. La sua esperienza gli ha fatto capire che talvolta gli uomini, imparando poco, rendono il mondo monotono e ricascano, ad ogni generazione, negli stessi errori. Di conseguenza, gli avvenimenti, somigliandosi ma non ripetendosi, dovrebbero ostacolare la proposizione di novità, sorprese e rivelazioni. Ma essendo un uomo che ha compreso la parte di mondo che ha calpestato, lui è ancora capace di coltivare il senso dell’attesa, che forse è l’unica salvezza insieme alla speranza. Alcune persone sanno perché sono disposte a sapere. Chirico suggerisce di non affidarsi soltanto alla logica del tempo, ma di ragionare anche secondo la logica della tradizione. Un facile esempio si ritrova nella particolare attenzione del protagonista all’abbigliamento, alle “uniformi”, proprie e altrui, che nel tempo hanno perso il loro significato: questo è uno dei segni della disorganizzazione del nuovo mondo che descrive, della sua stridente disarmonia. La sua volontà di essere contenitore e conservatore di valori dimenticati, è, a volte, chiamata a far da contrappeso a questa disarmonia.
Mario ha seguito con coscienza le orme degli uomini che l’hanno preceduto, e considera, tuttora, più preziosi i valori che la tradizione sussurra, rispetto a quelli che la contemporaneità impone con clamore. Questo si ritrova in alcuni passaggi del testo, dove la satira della nuova società si fa acre e pungente. La satira delle istituzioni e degli uomini dell’attuale società è indirizzata innanzitutto verso l’ignoranza e l’arroganza, ed é promossa non da un’istanza moralizzatrice, ma da una volontà di richiamarsi alla validità di ideali puramente etici. L’autore, schierandosi con quanti rimproverano a quest’epoca disumanità e decadenza dei costumi, vede l’umanità incerta nella scelta tra una ricaduta in una mitologia che le farebbe perdere quanto sinora conquistato, e un progresso verso una rinnovata liberazione della coscienza. Ciononostante, l’autore mantiene ricettiva la sua disponibilità ad andare verso l’altro e verso quanto il futuro prefiguri. Questo intento contiene anche la volontà di Chirico di dimostrare, a se stesso e agli altri, che i rapporti personali tra gli individui sono sempre possibili, anche al di là di barriere sociali, politiche ed ideologiche. In questo senso si coglie, anche al di là della semplice narrazione, la forza che ha generato e costruito il libro, quella forza la cui stessa esistenza dell’autore conferisce, a tutto quanto avvenga, i tratti dell’evento, dell’eterno dramma dell’umanità, della storia, della durata temporale.
Chirico, evitando sempre accenti eccessivamente sentimentali, attua un’autocritica al suo essere uomo, chiedendosi come la vita abbia risposto alle sue speranze, e, al contempo, come lui stesso abbia risposto alle speranze di quanti si sono affidati a lui. Abituato a guardare in faccia la realtà, sa che non esiste nessuno specchio che possa dirgli se è stato un buon padre, un buon marito, o un buon collega di lavoro. Può ottenere delle risposte dalle conseguenze che le sue azioni e i suoi insegnamenti hanno prodotto, e producono, nella vita dei suoi cari; può avere ulteriori riscontri, adesso, dalle conseguenze che le sue memorie possono far nascere nell’animo dei suoi lettori.
Un ultimo elemento da ricordare, che è fondante dell’uomo Chirico, è il fatto di essere, sin dall’infanzia, un credente e un fervido osservante. Nel corso della sua esistenza, lui si rivolge continuamente alla fede, trovando in essa una chiave di interpretazione degli eventi pubblici e privati che conforta e incoraggia. La certezza con la quale l’autore, sicuro di percorrere il giusto cammino, spiega i sentimenti che agitano la sua anima, dona al lettore la sensazione di potersi avvicinare, a propria volta, alla verità.
Qui si chiude la prima scatola e si apre la seconda: identica alla precedente nelle dimensioni, ma differente nei contenuti.
La seconda scatola ospita i pensieri e le azioni del Chirico medico. Come nella prima, anche in questa scatola la narrazione è ispirata dall’umanitarismo, dalla fede nelle potenzialità umane e professionali del medico, che attua quell’approccio scientifico e naturalistico al soggetto che è conseguenza di una formazione professionale ben strutturata. L’uomo e il professionista sono scossi da differenti paure ma di identica intensità; ciò che vogliono diverge negli obiettivi, ma per perseguirli adottano i medesimi valori e principi. L’uomo non confuta il medico, e viceversa.
L’autore, descrivendo i momenti delicati della propria professione, non nasconde gli indugi e gli smarrimenti che ogni medico può, giustamente, provare. Evitando toni drammatici, Chirico sembra voler proteggere il lettore come un proprio paziente, ma, con identica delicatezza, non gli tace nulla. Alla narrazione viene conferita unità dalla figura del dottore-narratore, che cresce progressivamente in sicurezza e maturità, dalle figure del generoso personale sanitario e, non ultimo, dalla costante e rassicurante intimità familiare. In questo senso la seconda scatola è in stretto contatto con la prima, e la completa come il medico completa l’uomo.
Il dottore che narra, quando si volge indietro, sorride dell’ingenuità e dell’inesperienza di quel tempo trascorso che aveva espresso i profondi valori dell’impegno morale, della solidarietà umana e dell’umiltà. L’allora “giovane medico” Chirico – pieno di energia e certo del proprio compito sociale e civile, inserito in un mondo che va ritrovando stabilità nonostante le miserie postbelliche, fiducioso dell’avvenire e conscio delle condizioni di vita di una popolazione ancora ferita – non conosce, in nessun momento, il crollo di ideali e speranze. Si avverte in queste pagine una continua corrente di solidarietà ed empatia verso la moltitudine di persone che, con fiducia, gli sono andate incontro: a volte socialmente arretrate, ma, a loro modo, volenterose nel superare i propri problemi. In queste memorie il medico compie scrupolosamente la sua quotidiana missione professionale, senza indossare quei camici inamidati di superbia che oggi sono di moda. È parte di una solida struttura sociale di cui riconosce ed accetta i precisi doveri: curare e comprendere ogni paziente si affidi a lui. Anche nell’ambiente nel quale lavora trova, da subito, persone disposte a comprendere e capaci di farlo. Ma col tempo, purtroppo, si deve rendere conto che un tale comportamento viene, gradatamente, rimosso e dimenticato. La volontà positiva che ha motivato da sempre il medico a contrastare la malattia, è deformata, ora, da nuovi modi di vivere e di pensare. Distratte dai loro obiettivi “normali”, professionalità comprensione e volontà portano a conseguenze funeste, causando radicali cambiamenti nell’approccio del dottore alla malattia e alla debolezza delle persone. Gli atteggiamenti tradizionali non sono più in sintonia con la nuova realtà sociale che si va imponendo, e si assiste all’asservimento della ragione a scopi eticamente dubbi. Il dottore-narratore critica i colleghi che sono mossi esclusivamente dall’onnipotenza dell’intelletto e che hanno perso di vista i veri scopi dell’essere medico: curare e guarire. Dalle pagine di Pettinengo e dintorni trapela quella che dovrebbe essere la più profonda e autentica essenza del medico, il quale deve agire anche sullo spirito, guarendo il corpo dalla malattia e l’anima dalla paura e dalla diffidenza. Lo scrittore tenta di far convergere in un’unica forma di esperienza la conoscenza scientifica e quella umana, essendo consapevole che più la scienza amplia i suoi confini e maggior comprensione ci dà dei meccanismi dell’esistenza, più chiaramente spicca il mistero stesso dell’esistenza.
Tra i rapporti umani narrati nel libro, viene ricordata la naturale e non autoritaria struttura verticale del rapporto maestro-allievo, analogo a quello medico-paziente. Qui l’allievo è una persona adulta, capace di apprezzare in ogni momento la proficuità di un simile rapporto anche nelle sue condizioni estreme, così come il paziente che deve continuamente motivare la propria volontà di curarsi. L’atteggiamento dell’autore nei confronti della tradizione medica – con cui la sanità attuale ha, in sostanza, rotto i ponti, creando una lacuna nella continuità culturale – non è quello dell’allievo appartenente ad una razza estranea, ma quella dell’erede, del continuatore della stirpe, che cerca di inoltrare a sua volta gli insegnamenti, teorici e umani, che ha appreso. Viene suggerito, senza sussiego, il modello dell’atteggiamento giusto, sano, che il medico dovrebbe tenere nei confronti di quanti si affidano a lui: curarli in modo da non risvegliare in loro istinti controproducenti alla guarigione, ma aiutare i pazienti a rivolgersi fiduciosamente alla ragione ed alla coscienza del medico-uomo.
L’esperienza accumulata negli anni permette a Chirico di non inserire mai a sproposito l’elemento ricorrente della malattia. La malattia, nominata chiaramente o fatta intuire, diventa un ulteriore filtro tramite il quale l’autore analizza la realtà. Il protagonista conosce la malattia da vicino quando essa insidia la sua serenità familiare, minacciando sua moglie. L’autore si trova a combattere la malattia più importante della sua carriera senza poter far uso, direttamente, della propria professionalità; trova la soluzione ad una situazione critica essendo, soltanto e soprattutto, un marito che sostiene la propria compagna, donandole sicurezza non con una perfetta diagnosi, ma con la sua presenza, la sua forza d’animo, il suo sentimento e la sua solidarietà. Si può affermare, con un’analisi trasversale, che il medico conosce davvero la malattia proprio nel momento in cui prende piena consapevolezza che il mondo della sanità è malato anch’esso. Quel mondo in cui Chirico è cresciuto, nel quale è stato educato e in cui ha lavorato, deve fondersi, d’improvviso, con un nuovo assetto sociale che confuta i suoi più sacri fondamenti.
Alla narrazione di quanto avviene nelle corsie, si contrappone quella vorticosamente accelerata del mondo esterno all’ospedale, un vortice di materia in trasformazione che prende nuove forme, dove vi infuriano tempeste politiche ed etiche. Nonostante le critiche puntuali all’attualità, l’autore non dubita dell’istituzione sanitaria, ma, anzi, erge il medico a simbolo, a rappresentante di una categoria i cui esponenti sono chiamati, in ogni momento, ad una strenua lotta. Volgendo il suo sguardo lungimirante alla contemporaneità, Chirico sa che in un contesto sociale tanto impreparato come quello attuale, eventuali grandi scoperte scientifiche sarebbero solo casuali, e la loro intempestività, a cui si aggiungerebbe l’incompetenza e la faciloneria di chi le dovrebbe amministrare, sarebbe fonte di gravi catastrofi. Ampliando la sua analisi, il medico indirizza il proprio pensiero preoccupato anche a quegli ambienti che con la malattia, inevitabilmente, entrano in contatto. Le parole dell’autore si appuntano sia contro l’alterigia dei professori, sia contro la superficialità e il pressappochismo, e, soprattutto, contro l’insidia dello strapotere dei politici. La ragione, il rispetto per gli altri, i valori dello spirito, si trovano, talvolta, nelle mani di alcune personalità che hanno la potenza di una divinità, ma anche la mentalità di un delinquente di quattordici anni.
In generale, ogni scritto possiede un senso, anche se talvolta assai diverso da quello che l’autore aveva inizialmente creduto di mettervi. Chirico non ha paura di scrivere anche cose sgradevoli, e quanto narra giunge al lettore in modo esplicito. L’autore di Pettinengo e dintorni è «dentro» qualsiasi cosa abbia fatto allora, e che scrive adesso. Se, da principio, si crede di avere sotto gli occhi un’agiografia autoreferenziale, proseguendo nella lettura ci si accorge che Chirico, invece, lascia un segno della crisi della società, senza lasciarsi polarizzare dalle classi dirigenti. Mario ha abbracciato strettamente la sua epoca, senza lasciarsene sfuggire un momento: nel suo libro sono riportati fatti nei quali non si è perso quanto, invece, essi hanno perduto per sempre in altre testimonianze. Il timore pudico che agita Chirico quando si interroga sull’utilità che altre generazioni vengano a conoscenza della propria storia, crolla di fronte a tutto quello che la sua vita testimonia in questo libro. Ogni circostanza della sua vita ha misurato la propria responsabilità, e questa testimonianza ha la responsabilità di conservare e proteggere i riferimenti e i valori della cultura e della tradizione in un mondo che sta perdendo ogni coordinata, ogni punto di riferimento spirituale. È una storia del futuro, non una cronaca del tempo perduto. Come questo libro andava scritto, ora va letto, perché è sua intenzione concorrere a produrre determinati cambiamenti nella società circostante. L’autore si schiera al fianco di coloro che vogliono mutare l’attuale condizione sociale dell’uomo e la concezione che egli ha di se stesso. Riguardo gli avvenimenti politici e sociali che si sono verificati, e si stanno verificando, questa testimonianza ha preso una posizione ben precisa, non politica perché non serve alcun partito, e si sforza di trarre in luce, obiettivamente, l’odierna condizione umana rendendo il proprio parere conformemente alla concezione che essa sostiene. Mantenendo fino alla fine del racconto quanto si è prefisso, l’autore si augura di far comprendere in modo limpido il proprio punto di vista, e, all’occorrenza, di farlo condividere al lettore, motivando, con onestà e scrupolo, ogni pensiero messo su carta. Ogni pagina del libro dimostra come Chirico abbia nutrito con coscienza la propria professionalità.
Qui si chiude la seconda scatola che, insieme alla precedente, é contenuta perfettamente dall’ultima.
La terza scatola, conservando valori e sentimenti delle prime due, porta più in alto l’analisi del testo, giungendo su un versante quasi simbolico. Se la prima scatola lancia nella prospettiva della Storia la narrazione, e la seconda vuole proteggere la tradizione etica del medico, la terza è caratterizzata dalla potenza evocativa del ricordo. L’ultima scatola è tanto capiente da accogliere, con sensibilità, le reminiscenze dell’uomo e quelle del medico, sviluppandole e concentrandole specificatamente nella casa di Pettinengo, che da abitazione diventa quasi una macchina per ricordare. In essa convergono tutte le immagini della memoria di Mario, e non v’è immagine che, combinandosi dovutamente con altre, non riveli e riassuma ogni minimo aspetto della sua vita. Dal testo risorge, nella pienezza della coscienza, un mondo che Chirico non ha mai distrutto e che, in ogni pagina, viene continuamente ricreato, dapprima in una moltitudine di persone ed avvenimenti, in seguito proprio il mondo nella sua totalità. Come se il luogo stesso, sotto l’azione restringente dell’oblio, si fosse contratto al più piccolo spazio possibile, ed ora, sotto l’impulso inverso della memoria restauratrice ed amplificatrice, si spiegasse di nuovo, riempisse la sua antica cornice, ritrovasse la sua statura: si assiste alla ricostruzione integrale di Pettinengo, un luogo interamente riconquistato dall’oblio. Il ricordo acquista, nello scritto di Chirico, uno slancio improvviso quando un’intensa esperienza interiore dimostra la sua efficacia nel tracciare di nuovo, con la stessa forza e freschezza di un tempo, tante immagini diverse nate da uno stesso passato e collegate le une alle altre. È un’efficacia che dipende anche dal potere di allargare di nuovo il campo della coscienza e di rendere tutta la sua ampiezza al luogo in cui precisamente quelle immagini avevano il loro posto.
I momenti sono vasi chiusi abbandonati lungo l’esistenza, e che alcuni di essi vengano ritrovati in seguito non implica che lo spirito riprenda comunque possesso degli altri, né soprattutto dell’insieme di durata, lungo cui queste brevi entità sono state, volta a volta, deposte. Ciò potrebbe pregiudicare la capacità di fondere in un unico blocco continuo di durata quei momenti che hanno per essenza l’esistere in se stessi ed il non collegarsi agli altri. Con questa opera, Chirico cerca di ricostruire la continuità del passato, con quanti più vasi, con quanti più momenti gli sia possibile rintracciare, anche fortuitamente, lungo il sentiero percorso. La loro continuità è quella della loro persistenza ad essere, come è anche quella dello spazio “privato” al cui interno restano chiusi.
Chirico rende tangibile la coincidenza tra una sensazione attuale e una sensazione antica. Questo determina una levata di ricordi, i momenti perduti si ritrovano nella profondità del suo passato e, attraversando una lunga zona d’oblio, emergono in superficie. Quando in fondo alla memoria qualche immagine del passato si offre confusamente alla coscienza, resta ancora a questa il compito di chiederle di rivelare di quale epoca del passato si tratti. Come lo spirito localizza l’immagine ricordata nella durata, la localizza poi nello spazio. Infatti, il lavoro di memoria condotto dell’autore restituisce non soltanto momenti perduti, ma anche luoghi perduti. E come i momenti ritrovati mantengono attraverso il tempo, senza confondersi con esso, le loro piccole durate particolari, così i luoghi perduti, dimenticati, si ritrovano come erano e rioccupano il loro proprio spazio. Pettinengo si comporta nel libro come i momenti di un passato: se ne va e ritorna. E nello stesso modo in cui, in certe epoche dell’esistenza, si ritrova d’improvviso il tempo perduto, così, nello stesso modo apparentemente fortuito, l’uomo smarrito nel mondo ritrova “quel luogo” che credeva perduto. In Pettinengo e dintorni il tempo non è dunque perduto, e, se non è perduto, neppure lo spazio lo é. Accanto al tempo ritrovato c’è dunque lo spazio ritrovato. Uno spazio che si riscopre grazie al moto fatto scattare dal ricordo. E ritrovare questo luogo, perduto nell’intensità della vita condotta altrove, significa per Chirico ritrovare, di conseguenza, il tempo trascorso. “Ritrovare Pettinengo” significa rientrare in possesso di ogni minimo attimo vissuto dall’autore in questo e in altri luoghi. Lui non l’ha mai perduto, anche nei momenti d’involontaria amnesia che lo hanno allontanato. Pettinengo è un luogo ritrovato durante la composizione di queste opera, ma che, al contempo, è sempre stato presente nella memoria di Chirico.
Come pennellate di uno stesso pittore, tutti questi ricordi narrati sembrano proclamare la loro appartenenza ad uno stesso quadro, ad uno stesso universo. Il miracolo della memoria affettiva completa certe parti del quadro. Questo macrocosmo, però, racchiude un piccolo numero di microcosmi di ricordi che vanno a formare l’universo mentale di Chirico, i frammenti di uno stesso mondo. Frammenti che conservano il carattere fondamentale della memoria e di tutti i sentimenti. Tale frammentazione è sia temporale che spaziale, ma si mescolano mutuamente in modo inestricabile. Ciò comunque non comporta una discontinuità, ma una eterogeneità che presuppone dovunque la presenza dell’omogeneo. Dal momento in cui una cosa si manifesta nella sua essenza si rivela come diversa da tutte le altre. Lo spazio, però, è il mondo dell’omogeneo. Lo spazio è ciò che accoglie le diverse situazioni quali che esse siano, e lo spirito presuppone intorno a queste diverse situazioni una realtà, con le sue caratteristiche conosciute, il terreno in cui esse si dispongono e si distribuiscono. Così l’eterogeneo si va a situare nell’omogeneo.
Pettinengo sviluppa questo potere di coordinazione e di unificazione, contenendo e mettendo in rapporto anche le persone che si muovono e agiscono in esso. Lo spazio, ciò che obbliga gli uomini a vivere lontani gli uni dagli altri, tramite la narrazione diventa un luogo comunicante, un terreno di unione, una zona di privilegio in cui gli esseri si ritrovano insieme. Crea un ponte con l’essere amato, una comunicazione col ricordo dell’infanzia. I ricordi sembrano trasferire un’immagine sensibile fino al Mario attuale, divorando la distanza, ma si riferiscono ad un passato irrimediabilmente trascorso che non cessa d’essere separato da lui dalla stessa distanza, rivelandone più distintamente la lunghezza. Questa lunghezza è quella dell’esistenza stessa, lo spirito percepisce la profondità dell’esistenza che l’essere umano ha, progressivamente, riempito.
In certi passaggi del testo, questo luogo non conduce più il protagonista ad altri luoghi, ma diventa un’isola, un luogo tagliato dal resto del mondo che sussiste in se stesso e da se stesso. È come una cittadella assediata che lo protegge da pressioni esterne, un luogo che sembra assolutamente perduto nella solitudine dello spazio. Si annulla quella continuità topografica naturale che si ritrova dappertutto tra questo luogo ed gli altri. Dal momento in cui lo si percepisce, ci si rende conto che non prolunga l’universo circostante, ma che se ne separa. Questo luogo è un universo altro, nei cui confini si penetra come si passerebbe non soltanto da questo a quel punto nello spazio ordinario, ma da una maniera di esistere ad una maniera fondamentalmente diversa; o come, ritirandosi in se stessi, ci si trasporta dai luoghi che fanno parte del mondo esteriore a quei luoghi puramente ideali che hanno realtà solo nello spirito. Parallelamente a queste considerazioni, non bisogna dimenticare che Chirico descrive con un affetto intenso anche le grandi città in cui ha vissuto. Ciononostante, nelle sensazioni descritte dall’autore riguardo Pettinengo, accade che questo luogo contrasti con tutti gli altri, appaia oltre gli altri, non per continuarli, ma, al contrario, per segnarne più nettamente la qualità che ne fa un universo a parte. Ma è possibile anche che questo luogo privilegiato, lungi dal risaltare su ciò che lo circonda, non ne differisca che per certe sfumature, è vero, essenziali, insegnando mediante questo miscuglio di tratti familiari, che esso serve da intermediario tra il mondo quale lo si conosce ed un altro mondo, completamente straniero e lontano. Tutto si
